My Head - Endless Bummer [1996]

 

01.Carnasaur

02.Killer Hair

03.Point Of View

04.Fall

05.Humbucker

06.Positive
07.Sonrisa
08.I Don't Want Nothing
09.Nesbitts
10.Don't Waste My Time
11.Log
12.Teenage Foxes (Bonus Track)

My Head fue un power trío estado unidense formado por Adam Siegel (guitarra y voz), Dave Silva (bajo) y Greg Saenz (batería), a principios de los noventa, pero nunca fue una banda muy conocida, a pesar de su enorme potencial como músicos. Sin embargo nos dejaron para la posteridad su primer y único álbum titulado "Endless Bummer", lanzado en 1996 que es una joyita de aquellas que por alguna extraña razón pasaron desapercibidas, pero ahora es momento de rescatarla.

"Endless Bummer" no es un disco muy distante a lo ya escuchado en la época. Posee un estilo que toma mucha influencia del Hard Rock más clásico, donde aparecen ciertas influencias tanto del Blues como del Funk, pero con un sonido más moderno, cercano al Grunge, tanto en las guitarras, como en la voz de Siegel, que tiende a recordar a Kurt Cobain, así como las melodías que tienen un sabor muy noventero. El aspecto instrumental es realmente impecable, las guitarras son frescas e imaginativas y el apartado rítmico es tremendamente sólido. Simplemente es un disco de esos que se disfruta de principio a fin.

El primer track "Carnasaur" ya nos muestra mucho, puesto que después del sonido de unos motores hacen aparición unos buenísimos riffs que te pueden atrapar de entrada, para luego pasar a un curioso cambio de ritmo, pero que no entorpece para nada el tema. Notable energía y fuerza, sobretodo en el coro, sin olvidar el solo que siendo sencillo, tiene tremendo feeling y la voz de Siegel que transmite furia. Buen comienzo.

"Killer Hair" es menos fuerte, pero con un ritmo intenso de todas formas. El color de las guitarras cambia bastante, mostrando el por qué de la versatilidad en este sentido, lo que crea un tema con una dirección musical bastante diferente .

En "Point Of View" tenemos una introducción que fácilmente nos puede recordar a Soundgarden o al Silverchair del "Frogstomp". Un tema con una melodía y una estructura que fácilmente podrían haberla convertido en un single radial. Muy buenas guitarras, la voz de Siegel enérgica y el estribillo realmente memorable, sin olvidar esos pequeños punteos que adornan el tema por los que puedes quedar totalmente enganchado.

El siguiente tema "Fall" es de una veta mucho más Hard Rockera y otra vez con esos sutiles acordes, que se transforman en fuertes riffeos con una lógica muy bien armada, algo que destaca mucho en todos los temas del disco. El estribillo es otro de esos memorables y el solo, wow! Siegel muestra cada vez más una habilidad notable, aunque en un principio no lo parezca.

Pero si de cortes adictivos se trata, "Humbucker" se lleva todos los honores, por algo fue el single promocional del álbum. Una canción relajada, pero con una potentísima base rítmica, donde destaca mucho el bajo. Pero lo mejor definitivamente es su estructura melódica, el estribillo buenísimo, el solo espectacular y unos punteos en los puentes. Realmente mi tema favorito del disco, toda la madera para ser un clásico de los noventas.

"Positive" tiene un ligero aire Stoner en su comienzo. También es un tema relajado en general, pero posee un coro potente, además de unos tiempos en la batería diferentes a los antes escuchados. Otro buen tema. 

Le sigue "Sonrisa" una canción muy variada, puesto que tiene la sensibilidad de temas como "Killer Hair", con pasajes electroacústicos, que vuelven a cambiar el color del tema, pero que no dejan de lado los riffeos pesados. La voz de Siegel destaca de sobremanera, mostrando otros registros. Buenísimo.

Las influencias Punk aparecen en "I Don't Want Nothing", que es dentro de lo más "pesado" del disco (dentro de los parámetros de la banda), con una batería intensa y el bajo discreto pero constante. Altamente cotagioso, será imposible no mover la cabeza.

"Nesbitts" continúa con los toques más pesados. Acá hay unos riffeos más furiosos, un coro que tampoco se queda atrás y una sección instrumental que acentúa el mismo aspecto. Del mismo modo "Don't Waste My Time" sigue un poco la misma línea, quizás menos fuerte, pero con mucha fuerza de todas formas.

"Log", me recuerda al Soundgarden del "Down On The Upside". Tiene ciertos toques experimentales y es principalmente instrumental a pesar de algunos versos que se recitan constantemente. También hay pesadez y nuevamente la banda muestra otra faceta en su manera de hacer música. 

Y el bonus track es con "Teenage Foxes", canción con ciertos toques a Punk Pop que también quiebra la orientación que estaba siguiendo el disco a sus cierre. Entretenido y positivo. Aún así no dejan de sorprender con algunos efectos medio psicodélicos en el solo. Notable.

Como pueden ver, este disco de My Head me gusta demasiado. Globalmente es un disco que se siente muy inspirado, hay estructuras muy bien armadas, cada guitarreo parece muy bien pensado, por algo cada uno de los temas tiene algo interesante que aportar y hacen que el disco se deje escuchar con facilidad. Además, las melodías son muy oreja por lo que varias de ellas se quedan dando vueltas, irremediablemente, en tu cabeza.

Si bien el estilo que manejan es similar a lo conocido en la época, logran darle un toque propio, principalmente por la versatilidad en su sonido, pero sin perder la línea.

Para mi es un disco notable, uno que tiene que ser reconocido más como se merece. No se decepcionarán para nada.

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Sir Lord Baltimore - Kingdom Come [1970]

01.Master Heartache

02.Hard Rain Fallin'

03.Lady Of Fire

04.Lake Isle Innisfree

05.Pumped Up

06.Kingdom Come

07.I Got A Woman

08.Hell Hound

09.Helium Hound (I Got A Love)

10.Ain't Got Hung On You

Buscando por ahí acerca de clásicas bandas que hayan sido influencia del Rock de mi agrado, me topé con Sir Lord Baltimore, un trío proveniente de Nueva York conformado por John Garner (voz/batería), Louis Dambra (guitarra) y Gary Justin (bajo). Si bien tuvieron una corta carrera que inició en 1968 hasta 1976, dejaron una importante huella en la historia del Rock con "Kingdom Come", su único LP que es considerado hoy un clásico del Proto-Heavy Metal.

Y tal como suena, "Kingdom Come" es un disco a la vena, lleno de guitarras sucias y distorsionadas, con un sonido similar a Black Sabbath (como referencia), donde también aparecen claros elementos del Rock n' Roll, Blues y algo de Jazz, pero con un sonido más duro y temas rápidos. Además, Garner hace gala de una poderosa voz, de recurrentes falsetes que le dan una energía mayor a cada corte.

El primer tema, "Master Heartache", es el mejor ejemplo de lo mencionado anteriormente, un tema trepidante y sucio, con unos riffs tan al hueso que definitivamente se nota por qué hicieron escuela. Además, ese coro que grita "Womaaaan..." es para quedarse pegado en tu cabeza todo el día, con una energía desbortante. Realmente es un corte de puro Rock, una cachetada para despertarte y comenzar a escuchar este fantástico disco.

En la línea de lo anterior viene "Hard Rain Fallin'", que no se queda en potencia. Siguen esas guitarras desprolijas y una base de bajo contagiosa que lleva toda la rítmica del tema. No olvidemos el espléndido trabajo en los tambores, puesto que acá hay unos redobles que te harán mover el cuerpo aunque no quieras.

Luego sigue "Lady Of Fire", continúa con la intensidad. Acá la guitarra destaca de sobremanera, con unos solos muy bien puestos. También Garner destaca por su "desesperada" forma de cantar, lo que también añade fuerza al tema.

"Lake Isle Of Innisfree" es un tema más relajado hecho sólo con una base de órgano que de pronto le da un aire antiguo, como si hubiese sido grabado en otra época. Garner muestra una voz más limpia y armoniosa. Buen tema, otorga otros matices al grueso del disco.

De todas maneras, en "Pumped Up" nos abre con un desgarrado y sucio riff, para adentrarnos en un tema con un ritmo abrupto que tiene unos cambios de ritmo muy repentinos. La guitarra simplemente se luce, además se puede escuchar uno de los mejores solos del disco. Estos tipos parecieran destrozar sus instrumentos con cada acorde que tocan.

Ahora, el tema que da nombre al disco, "Kingdom Come". Las guitarras como siempre fuertísimas, aunque este no sea un corte rápido y la voz destaca mucho más. Tiene un estribillo muy potente, posiblemente uno de los más gancheros del álbum. Un excelentísimo solo da final a otro buenísimo track.

"I Got A Woman" suena tan a Rock Clásico, que parece de esos que tocarían una y otra vez en los bares. La base bluesera es innegable y la batería hace uno de sus mejores trabajos y más aún en la sección rítmica cerca del final. Realmente notable.

"Hell Hound" es una de mis canciones favoritas y por la que conocí a Sir Lord Baltimore. Unas guitarras rabiosas que exhudan inspiración por todos lados, una melodía contagiosa a más no poder y en general un trabajo instrumental buenísimo. A mi parecer uno de los temas más dinámicos, donde todo suena equilibrado y destacan por igual. La potencia misma, creo que en un poco más de 3 minutos quedan resumidas todas las bases del Hard Rock actual.

Similar es lo que sucede con "Helium Hound (I Got A Love)", que posee una melodía memorable y una batería...wow! El estribillo no puede ser mejor, donde todo tiene un aire a fiesta. Nuevamente el trabajo instrumental es impecable y no escatima en potencia. Si con esto no dan ganas de saltar, no sé qué lo hará.

Para cerrar el álbum está "Ain't Got Hung On You", otro corte enérgico que para nada parece ser final del álbum. La base rítmica es más que destacable y suele repetirse a lo largo del tema que, lejos de aburrir, inyecta más ganas de seguir disfrutando. Parece que estos tipos no pueden parar su propia máquina y así como llegaron, se van, dejando la vara muy en alto y con ganas de escuchar aún más.

Este disco es realmente una aplanadora, lleno de energía y potencia, que combinados con aires a celebración, hacen que sea tremendamente adictivo. Además posee un sonido demoledor que te deja sin aliento, repleto de guitarras sucias y bases rítmicas dementes. Creo que es un must, si eres seguidor del Rock setentero, este disco DEBE estar en tu colección. Absolutamente recomendado.

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Clutch - From Beale Street To Oblivion [2007]

01.You Can't Stop Progress
02.Power Player
03.The Devil And Me
04.White's Ferry
05.Child Of The City
06.Electric Worry
07.One Eye $
08.Rapture Of Riddley Walker
09.When Vegans Attack
10.Opossum Minister
11.Black Umbrella
12.Mr. Shiny Cadillackness

Clutch sencillamente una banda que no necesita mayor presentación. Una fructífera carrera de 20 años con 9 discos bajo el brazo, los avala como una de esas bandas de culto que ayudaron a forjar un estilo y son influencia de varias, sin tener el absoluto reconocimiento masivo que merecen, pero que siempre están allí, sorprendiendo lanzamiento tras lanzamiento.

"From Beale Street To Oblivion" es el octavo disco de la banda y que sigue la senda evolutiva de la misma en los últimos años, donde ha incorporado elementos del Blues y Funk, aunque sin dejar de lado el Hard Rock, y el Stoner, alejándose del sonido más pesado y furioso de los primeros trabajos. A eso sumémosle un proceso compositivo muy inspirado, un feeling que pone los pelos de punta y una ejecución realmente sublime, que convierten a este LP en un clásico instantáneo. 

La aventura comienza con la excelente "You Can't Stop Progress" que abre con unos redobles y la voz grave de Neil Fallon que te echa encima toda la caballería del Blues en unos pocos acordes. La explosión viene en el estribillo, con un coro fuerte y enérgico queno da respiro. Excelente tema, si no te dan ganas de continuar con esto, definitivamente no sé qué puede hacerlo.

Sigue "Power Player" que abre con un intenso riff y un ritmo altamente contagioso. Una melodía enérgica se apodera de todo el corte, sin olvidar el estribillo que tiene una fuerza impresionante. El solo para qué decir, es espectacular. Una de mis canciones favoritas.

"The Devil And Me" es mucho más relajada, pero conserva las buenas guitarras y esas melodías tan bien armadas. Es importante mencionar el espectacular trabajo de los teclados y en este tema le dan cierto toque psicodélico, sobretodo en el estribillo. Muy buen tema.

Continúa "White's Ferry", que comienza muy suave con unos punteos blueseros, para luego llegar a un coro mucho más intenso. Lo mejor del corte sin duda son las guitarras, muy bien armadas y en el solo llegan a un genialísimo clímax. "Child Of The City" tiene unos riffeos bien Stoner y un coro muy melódico. Acá aparecen ciertos toques Funk, que hacen el tema mucho más entretenido. Buenísimo.

Y se viene uno de mis favoritos, "Electric Worry", un tema que a mi parecer resume todo el concepto de Clutch en este disco. Un Blues/Rock de tomo y lomo, con un coro que ya escucho siendo cantado en bares por grupos de amigos y una demostración de versatilidad tremenda, con un solo de harmónica de mano de Eric Oblander de Five Horse Johnson, uno de guitarra y luego uno de batería donde Jean Paul Gaster se luce. Pegado a este tema, casi como continuación viene "One Eye $" que tiene un riff genalísimo, totalmente vieja escuela, además de un ritmo demasiado contagioso. Dos grandes cortes al hilo.

El siguiente es "Rapture Of Riddley Walker" calma las aguas un poco, sin dejar de sonar fuerte. Me llama la atención la forma de cantar de Fallon que de pronto tiene un fraseo muy afroamericano. Acá también la avalancha bluesera se viene contra ti: buen coro, buenos riffs, gran solo, etc. Lo mismo con el siguiente tema, "When Vegans Attack" es otro tema muy Blues, pero con unos toques ligeramente Southern y una melodía más alegre.

"Opposum Minister" posee fuerza y energía, aunque es un tema dentro de la media del disco, aunque no quiere decir que tenga desperdicio. "Black Umbrella" es otro ejercicio Blues/Rockero notable, donde vuelve a aparecer la harmónica y los teclados psicodélicos.

"Mr. Shiny Cadillackness" es un cierre brillante, con una base de bajo que se convierte en todo el cuerpo del tema. Aquí Fallon recita algunos versos antes de entrar en la melodía que tiene un explosivo coro, con unos certeros riffs y buenísimos solos, sobretodo cerca del final. La energía vocal acá es notable, Fallon sabe dotar de fuerza a los cortes. Es increíble que este sea el último tema, quedan ganas de seguir escuchando más.

En resumen, este octavo disco de Clutch es uno de esos discos que se disfruta globalmente como álbum. El disco mantiene un nivel alto en todos sus temas y unos momentos de brillantez más que notables. Además, muchos temas tienen una corta duración, por lo que es difícil perder la atención, una vez que puedes enganchar con el primer tema, no lo sueltas más.

Absolutamente recomendado, un álbum que deben escuchar y quienes no la conocen aún, es una excelente manera de partir con esta grandiosa banda.

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Corrosion Of Conformity - Deliverance [1994]

01.Heaven's Not Overflowing
02.Albatross
03.Clean My Wounds
04.Without Wings
05.Broken Man
06.Señor Limpio
07.Mano de Mono
08.Seven Days
09.#2121313
10.My Grain
11.Deliverance
12.Shake Like You
13.Shelter
14.Pearls Before Swine

Hay discos a los que se le tiene un cariño especial, independiente de todos los argumentos que se den en cuanto a lo musical para destacar su valía, sino que simplemente marcó algún momento en la vida. Y ahi es cuando entra este álbum que fue uno de los primeros que me introdujeron en el Stoner Rock, me refiero a "Deliverance" de Corrosion Of Conformity, esta mega banda oriunda de Carolina del Norte, un referente importantísimo del Crossover, Heavy y Sludge Metal, que ha.

Salido en 1994, "Deliverance" es un álbum que marca un cambio radical en el sonido de la banda, que se aleja del estilo más Thrasero de sus primeros álbums, para tomar claras influencias a la Black Sabbath y del Heavy Rock setentero, como también por los primeros trabajos de bandas como Soundgarden o Kyuss, añadiéndole un toque muy propio que incluso ha servido de referencia para bandas posteriores. El disco es uno de los más populares de la banda y es considerado todo un clásico de los 90.

Así empezamos con "Heaven's Not Overflowing" que abre con unos certeros riffs que nos introducen en una melodía rabiosa que de entrada muestra ese gustillo setentero, pero con el toque propio que ya mencionaba. Mucho power, sin olvidar ese espectacular solo de sumo buen gusto, es una gran manera de iniciar.

Le sigue uno de los temas emblemas del disco y personalmente uno de mis favoritos: "Albatross", con un riff enfermamente hipnotizante, una batería lenta y un toque que huele a desierto por todos lados, de esos que te imaginas a un montón de gente saltando en cámara lenta. Excelentes solos, interpretados tanto por Weatherman como por Keenan, con un genial feeling.

"Clean My Wounds" es otro de los temas reconocidos de este disco. Buenos guitarreos, un estribillo notable, buenos solos, muy bien armados, en general tiene todos los elementos que ya se han venido mostrando con anterioridad. Continúa "Without Wings" un instrumental electroacústico exquisito, muy suave que da un pequeño respiro.

Luego de la suavidad, vienen los pesados riffeos de "Broken Man", de una lentitud y forma de cantar que ligeramente puede recordar a Melvins. Otra vez hay un sublime trabajo en los solos y algunos cambios de ritmo. Muy bueno.

"Señor Limpio" recupera la velocidad, pero además le suma un poco de groove a las guitarras unido a esa marca registrada de Keenan para cantar. Un estribillo explosivo que toma más intensidad y pesadez aún. Un tema desbodante energía, sin duda uno de los puntos más altos del disco. Y para volver a relajarnos un poco, "Mano de Mono" vuelve a tomar las guitarras electroacústicas, como una continuación de "Without Wings", pero sumándole una ligera guitarra eléctrica y teclados.

Y de pronto aparece "Seven Days" con esas guitarras tan Stoner que me hace sacar una agradable sonrisa. Todo es como lento y arrastrado, pero no aburre en lo absoluto. Otro corte buenísimo que expele "noventas" por todos lados. "#2121313" es otro instrumental, pero no destaca como los anteriores.

Viene "My Grain" y vuelve la pesadez, con la voz más dura de Keenan. Acá destaca mucho el trabajo rítmico, el bajo y la batería realmente se lucen. Los solos cada vez mejores, la dupla de guitarras suena poderosa. Otro corte memorable.

En "Deliverance", los wa-wa se toman la canción para darle un potente groove. Fuerte coro, bien enérgico, todo directo al hueso, nada más que decir. Los solos cercas del final son de lujo. Después viene "Shake Like You" con un sonido saturado en las guitarras que de pronto suenan muy Sabbathicas, para pasar a otro tipo de riff más pesado con la ya característica voz de Keenan con efecto megáfono. Genial tema, simplemente tiene todo lo que ofrece COC a estas alturas.

Posteriormente comienza "Shelter", una canción relajada, con unos suaves acordes y la voz de Keenan cantando muy bajo, pero con un limpio desempeño. Muy notable, sobretodo por esa capacidad de mostrar otro tipo de sensibilidad.

Y el último tema "Pearls Before Swine" que abre con un suave bajo y un pequeño toque bluesero en las guitarras. De un discreto verso, pasamos a un estribillo potente, con una melodía que inevitablemente me recuerda a "Search With Eyed Closed" de Soundgarden y con unos coros Melvinianos que suena casi a tributo. Buenísimo track.

"Deliverance" es un disco a mi parecer, notable. Está lleno de poderosas melodías y un estilo que si bien se notan de manera muy marcada sus influencias, logra crear algo original, con un sonido muy propio y que se transformará posteriormente en marca registrada. Personalmente lo recomiendo, a mi gusto tiene todo lo que un buen álbum de Rock debe ofrecer y además, tiene ese gustillo noventero que a más de alguno puede agradar.

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Alabama Thunderpussy - Fulton Hill [2004]

01.Such Is Life
02.R.R.C.C.
03.Wage Slave
04.Three Stars
05.Beat Bating
06.Infested
07.Alone Again
08.Lunar Eclipse
09.Blasphemy
10.Do Not
11.Sociopath Shitlist
12.Struggling For Balance

Si hay una banda unida con el único y noble propósito de patear traseros con su música, esa es Alabama Thunderpussy, un combo provenido de Richmond, Virginia, formados en 1996 y que tuvieron una fructífera carrera hasta su disolución el 2008. Dentro de los registros que inmortalizaron está "Fulton Hill" el 2004, que vino acompañado de un cambio de vocalista, después de años de estar con Johnny Throckmorton, ahora es Johnny Weils quien toma su lugar.

Además de la voz, el sonido de la banda tiene un ligero cambio, posiblemente más orientado al Heavy Metal más pesado, de pronto más Thrash si se puede decir de alguna manera, aunque nunca dejando de lado el aspecto más cercano al Stoner y ciertos toques Southern y en este disco en particular, lanzaron toda la carne a la parrilla, ya que está plagado de temas más que memorables, tanto por sus melodías, como por sus afilados riffs.

El comienzo de este disco, "Such Is Life", es un instrumental bastante calmo en un comienzo, pero que al avanzar toma más fuerza y suenan un muy buen solo, con unos riffs un tanto pesados de base. Si bien acá aparecen los toques más metaleros, no es para nada un anticipo de lo que se viene después, pero calienta los motores de algún modo.

El siguiente track es una avalancha que te cae encima, "R.R.C.C." arranca de una manera muy abrupta, con Weils cantando con furia y unos riffs exquisitos, esos que siguen un poco la escuela del Heavy Metal más clásico, pero de sonido moderno, además de un ritmo "in your face". Un tema que engancha a cualquiera y es la mejor forma de empezar.

Pero esto no queda ahí, porque "Wage Slave", si bien no es tan rápida, posee unos riffs metaleros de alta factura, que más gancheros no pueden ser. También los cambios de ritmo son notables, los solos muy bien colocados, una melodía que podría definir como épica, etc, absolutamente todo. Un tema que se me ha quedado dando vueltas por mucho tiempo, lejos uno de mis favoritos y de los mejores del álbum.

En "Three Stars" curiosamente cambia la tónica, donde suenan mucho menos pesados y el aire más Country se toma todo el tema, adornado con el sonido de órganos y pasajes acústicos que muestran otro tipo de sensibilidad musical, pero que no deja de lado la fuerza y energía. Realmente genial.

"Bear Bating" tiene unos guitarreos que, insisto, son inspiradísimos y siguen con la misma línea de los temas anteriores, donde la furia no se agota para nada. Ya cerca del final hay unos riffeos más Sludge, de aires Melvinianos muy bien logrados. Lo mismo con "Infested", aunque el canto de Weils se acerca a lo más gutural y con algunos arpegios más distendidos en el estribillo. Lo mejor viene con los riffs cerca del solo, pesados, sucios, ideales para cabecear.

"Alone Again" comienza bien tranquila y la guitarra posee un efecto que por alguna razón me recuerda a los inicios de temas de Alice In Chains. Acá por primera vez escuchamos a Weils cantando más limpio y armónicamente, lo que descoloca porque tiene otro registro. También suenan unos teclados que suavizan el sonido de las estridente de los riffs y el solo que acá se escucha es espectacular.

Pero retomamos las guitarras pesadas y gancheras con "Lunar Eclipse" donde los "Alabama" demuestran nuevamente su buen hacer en este sentido. Buen ritmo, fuerza, creatividad y otra vez el Heavy Metal se toma todo. También es uno de mis favoritos.

En "Blasphemy" aparecen unos riffs un tanto más Hardcore, más rápidos y certeros, directos a la cara. Ya por la mitad del tema, aparecen nuevamente los toques medio Sludge, aunque no tan patentes como antes.

"Do Not" retoma la calma con unas suaves guitarras acústicas para comenzar y un aire bastante melancólico, un estilo que de todas maneras calza con el disco. La voz de Weils cumple inesperadamente, igual como lo hiciera con "Alone Again". Un bonito corte, aunque suene un tanto extraño.

El contraste que llega con "Sociopath Shitlist" es más que notable, porque acá, luego del sonido de un bajo lúgubre, aparecen unos riffs fuertísimos, arrastrados y voces guturales, siendo posiblemente el tema más pesado del disco. Buenísimo, nada que decir y el solo, genial.

"Struggling For Balance", la canción con la que cierra el disco, demuestra otra vez por qué estos tipos deben ser escuchados. Un tema de 13 minutos, con un comienzo muy Stoner, que luego se torna en un estilo medio Sabbathico de lujo, donde hay una larga sección de un solo más atmosférico que mantiene la atención y va tomando gran instensidad. Cambios de ritmo, riffeos más arrastrados, buenos solos, etc. En general, este tema resume un poco lo que es este disco.

Y bueno, "Fulton Hill" es un discazo, de esos que te pueden dejar una sensación de conformidad total, puesto que es absolutamente redondo. Si bien los riffs pesados son la especialidad, hay mucha variedad en cuanto a ritmos y sonidos, demuestran mucha versatilidad, pero con una dirección muy clara. Si quieres algo que te vuele la cabeza, con temas inspirados y mucha furia, este es tu disco. Recomendadísimo.
 

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The Fluid - Purplemetalflakemusic [1993]

01.My Kind
02.One Eye Out
03.She Don't Understand
04.7-14
05.Pill
06.Wasn't My Idea
07.On My Feet
08.Lies
09.Mister Blameshifter
10.Said That I'm Through
11.Change
12.Hand In Hand

The Fluid es una banda originaria de Denver, Estados Unidos, formada prácticamente a mediados de los 80 y fue una de las primeras agrupaciones fuera de Seattle que ficharon con Sub Pop. También fueron considerados parte del movimiento Grunge de principios de los 90, pero como muchas bandas, fueron un acto bastante discreto para las masas.

Tuvieron una fructífera carrera desde su primer lanzamiento en 1986 titulado "Punch N' Judy" e inmortalizaron registros tan notables como "Glue" de 1990. No obstante, el que es por lejos uno de los mejores y favorito personal es "Purplemetalflakemusic" de 1993, álbum que se convertiría en el último, ya que posteriormente se disolverían, pero donde también demostrarían toda la solidez musical alcanzada con los años.

En este disco, al igual que en los anteriores, The Fluid muestra su estilo híbrido que mezcla algo de Punk, con un aire a Garage sesentero, pero que de pronto suena a ese toque medio "surfista" por decirlo así, destacando mejores arreglos y temas muy bien armados, con una energía notable. Aún así, este disco podría considerarlo como el más relajado de la banda, sobretodo si lo comparo con el anterior, "Glue", pero eso no le quita que tenga la potencia suficiente para hacerte saltar.

El álbum comienza con "My Kind" que abre con unos energéticos redobles y nos introduce en una canción muy melódica y entretenidísima, con ciertos toques Punk. El coro es una cosa que se te pega al instante, muy efectivo y dan ganas de cantarlo con un grupo de amigos. Gran tema que es pura fiesta, da la impresión de que se divierten y lo contagian.

"One Eye Out" tiene unos riffs más sucios y la veta más Hard Rockera hace aparición y la fuerza no se detiene por nada. Destaca mucho el solo de guitarra, de los más sencillitos que he escuchado pero wow, queda tan bien. Otro tema que se disfruta.

El siguiente tema, "She Don't Understand" posee un ritmo un tanto más reposado, con unos riffs de sonido más "grungy" por decirlo de algún modo. Sigue más o menos la misma línea del anterior. En el siguiente, "7/14" aparecen unos guitarreos más potentes y una batería más marcada aún, con una cierta lentitud que lo hace más pesado que otros temas. Ambos muy buenos cortes.

"Pill" retoma la energía, con un ritmo muy entretenido y un estribillo demasiado notable, muy buenos riffs, donde aparece un poco el aire más garagero. Notables son los arreglos que hacen notar muy bien al bajo, que tiene una presencia arrolladora, tanto aquí como en todos los temas.

La fuerza y diversión del primer track aparecen acá nuevamente con "Wasn't My Idea", tema que posee unos tiempos más irregulares, pero con un ritmo que te hace saltar y realmente destaca por el buen hacer de estos tipos (los guitarreos, la batería y el bajo que uf, acá sí que suena potente), que no se entiende cómo no tuvieron más relevancia. Buenísimo tema, de los mejores del álbum.

El siguiente corte es "On My Feet" que posee esos coros muy marca registrada de la casa, con esas bases rifferas más punkys y un solo muy bueno.

"Lies" es otro tema cantado a puro coro, de esos que dan ganas de cantar con tus amigos. Muy buena melodía y con guitarras más Rock n' Rolleras, donde aparece un poco ese toque "surfista" del que hablo. Gran canción, una que con el tiempo se convirtió en una de mis favoritas.

Nuevamente el aire Punk aparece de la mano de "Mister Blameshifter" con un coro potente que recita el título del tema y la energía rodea todo el tema. Robinson canta con más fuerza, a veces parece rabioso. Otro track emblemático de este disco.

Inmediatamente viene "Said That I'm Through" que también es otro de los que más me gusta. Más apacible que el resto de temas y un coro muy bien hecho. Por alguna extraña razón me parece un tema relajante, aunque no sea lento o algo así.

Inesperadamente comienza "Change" que rompe la "calma" del tema anterior, por su ritmo trepidante y fuerza que te toma por asalto, con unos geniales guitarreos y solos otra vez bien Rock n' Roll. Potentísima y entretenida.

Y el tema final es "Hand In Hand" que curiosamente es bastante lenta, con una melodía más melancólica, algo que podría desentonar con todo el resto del disco, pero dada la uniformidad en el sonido, encaja perfectamente. Buen tema.

"Purplemetalflakemusic" no sé si será un disco esencial de la escena Grunge, tampoco sé si es considerado el mejor de la banda, no lo sé...pero de que es un gran trabajo, por supuesto, tiene todos los elementos a mi juicio para destacar y fácilmente ser un clásico, tiene un puñado de temas realmente geniales y accesibles a todo oído. Yo lo recomiendo absolutamente, es un disco altamente contagioso.


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Jack Endino - Endino's Earthworm [1992]

01.How Much Time
02.Talk Yourself Blind
03.American Nightmare (Revisited)
04.Someone
05.Eat Your Friends
06.See Righ Through Me
07.Inside My Head
08.Fly On Your Windshield (Demo Version)
09.Suspension Of Disbelief

Jack Endino es toda una figura. Aún al haber sido guitarrista de Skin Yard, importante banda que influenció a gran parte de la movida del Grunge, su trabajo más reconocido es como productor musical, faceta que lo ha llevado a firmar discos hoy considerados de suma importancia como "Bleach" de Nirvana, "Screaming Life" de Soundgarden, "Dry As A Bone" de Green River, "Superfuzz Bigmuff" de Mudhoney, "God's Balls" de TAD, y así con gente como Screaming Trees, Babes In Toyland, Gruntruck, etc, etc. Por algo es conocido como "el padrino del Grunge" y no es raro que en los documentales dedicados a la escena, aparezca él dando sus puntos de vista.

Pero el señor Endino también ha tenido una discreta carrera solista que ha resultado en 3 discos de estudio y el que quiero destacar en esta oportunidad es "Endino's Earhworm", lanzado en 1992 y uno de mis favoritos. Para este trabajo, Endino contó con la colaboración de grandes músicos como Barrett Martin (Skin Yard, Screaming Trees), Rob Skinner (Coffin' Break), Greg Gilmore (Mother Love Bone), Daniel House y también el mismo Jack toca otros instrumentos además de la guitarra.

Su estilo difiere de lo hecho en Skin Yard, hay un Hard Rock menos pesado, pero con el sonido sucio que caracteriza sus producciones, unas guitarras muy bien construidas y sólidas bases rítmicas, con un acento en el bajo notable.

Así empezamos con "How Much Time", un relajado tema, bien melódico en el estribillo y con una genial línea de bajo, que en realidad es la base de todo el corte. Un ejercicio Hard Rockero de muy buen gusto, pero que no demuestra todo lo que se viene.

El siguiente es uno de los puntos más altos del disco, "Talk Yourself Blind", un tema que inicia de una forma bastante calma y con unos ligeros riffs, pero luego cambia el ritmo, donde Endino se luce con un solo de guitarra buenísimo, muy bien colocado, lleno de ese efecto wa-wa y con una excelente base rítmica. Gran tema, uno de los mejores.

"American Nightmare (Revisited)" aumenta más la velocidad en relación a los anteriores y Endino canta con mayor fuerza aún. No puedo dejar de destacar el trabajo en las bases que sigue siendo notable, a veces la guitarra funciona como una manera de darle más potencia al tema, pero no se queda con todo el protagonismo. También acá hay un solo genial, sencillito, pero efectivo.

En "Someone", Endino es quien toca todos los instrumentos con un resultado más que destacable, aunque es la voz la que suena bastante lejana y hay apenas algunos fraseos. Acá todo suena muy cohesionado, nada destaca por sobre otra cosa, donde hay momentos de brillantez notables.

"Eat Your Friends", con ese título extraño comienza este tema, el más pesado del disco, donde resaltan más aires a Skin Yard, sobretodo por esa manera que tiene de hacer esos pequeños solos y creo que acá la guitara destaca mucho más. Hay unos cuantos cambios de rimos, con una batería que hace un trabajo espectacular de parte de Barrett Martin. Genial tema.

Este es otro de mis temas favoritos, "See Right Through Me", que tiene un sonido muy Grunge, que se notan desde los guitarreos del inicio. Endino vuelve a tocar todos los instrumentos y en la voz suena bastante parecido a Mark Lanegan. El tema tiene una melodía muy ganchera y gran potencia, se te puede quedar pegada en tu cabeza.

"Inside My Head" es un instrumental con guitarras melódicas, pero sucias, a la usanza de Endino. La base rítmica también tiene mucho que decir, sobretodo ese bajo que es incansable, lo notable es cómo a pesar de que son diferentes bajistas, este aspecto destaque tanto. Un tema con una dirección melódica muy definida, muy bien armado, etc. Buenísimo.

El toque más Rock n' Roll del disco lo trae "Fly On Your Windshield", una canción muy melódica y enérgica, de muy buenos riffs y geniales cambios de ritmo. También se introduce a Greg Gilmore en la batería, quien hace un trabajo espectacular, demuestra un manejo realmente impresionante. Lo mejor es cuando el tema se alarga y ahi es donde Gilmore se luce. Notable, aunque el sonido es algo extraño, pero es entendible puesto que es la versión demo.

Y tema final es "Suspension Of Disbelief", el tema instrumental más largo del disco, unos 10 minutos que parecen de pura improvisación y por lo que tengo entendido, es "en vivo", de ahi que tenga un sonido tan natural. Acá hay aspectos mucho más experimentales, la guitarra de Endino suena mucho más atmosférica y pareciera probar sonidos, mientras Gilmore le saca el jugo a esa batería. Espectacular y así se cierra este grandioso disco.

Simplemente queda decir que este disco de Jack Endino no dejará indiferente a nadie, tiene temas muy bien armados, equilibrados, bien creativos, enérgicos y que muestran lo versátil que es Endino como músico. Creo que el nombre de Endino debería sonar aún más cuando se habla de la escena Rockera noventera, ya que gran parte de ese sonido se lo debemos a él y en este registro queda más que comprobado. Aún al haber salido en pleno apogeo Grunge, pasó bastante discreto.

Si te gustan todas las bandas antes mencionadas, este es tu disco, yo lo recomiendo totalmente.

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Sonic Flower - Sonic Flower [2003]

01.Cosmic Highway
02.Black Sunshine
03.Astroqueen
04.Sonic Flower
05.Indian Summer
06.Going Down

Buscando un disco "in your face" de Stoner Rock, de pronto me encontré con esta banda Sonic Flower, formada por miembros de la conocidísima Church Of Misery, y que sólo han editado un disco a la fecha, pero suficiente para demostrar potencia, creatividad y feeling, en sólo 6 temas y todo en poco menos de media hora.

Este homónimo, de sólo temas instrumentales, en general tiene todos esos elementos clásicos del Stoner, con su base en el rock setentero a la Black Sabbath, Budgie, entre otros y ciertos toques a Jimi Hendrix, ensalzados con una fuerte distorsión, una batería pesadísima, logrando un sonido que igual se acerca a Church Of Misery, pasando por Monster Magnet o Eternal Elysium. Acá encontramos unos riffs demasiado kick-ass, solos inspirados y estructuras dinámicas, pero con una dirección melódica definida.

Así partimos con "Cosmic Highway" que sólo su guitarreo inicial ya te dice de qué estoy hablando, sin dejar de lado esa batería pesada con unos tiempos algo abruptos, además de esos solos fuzzeros que dan gusto. Geniales cambios de ritmo y una energía desbordante, realmente puedes quedar atrapado sin réplica.

"Black Sunshine" es menos pesada y con una melodía muy ganchera, donde la influencia setentera rebalsa por todos lados. Muy buenos redobles y un presente bajo, que a pesar de toda la distorsión y esos efectos medio Noise, igual toma presencia. Gran tema.

El tercer track con ese nombre medio espacial, "Astroqueen" sigue dándote bofetadas en la cara con ese riffeo buenísimo y una base de bajo distorsionada genial, que se repiten constantemente durante todo el tema. Acá lo que destacan son los solos que se escuchan por un lado y por otro. Espectacular.

"Sonic Flower", posiblemente sea el tema emblema, puesto que da nombre al disco y es el mismo de la banda. Acá nos encontramos con una onda cercana a la de The Atomic Bitchwax, con una muralla de platillos potentísima y un tiempo algo más pausado, sin olvidarse de esos buenos solos.

Con "Indian Summer" tiene un inicio bastante calmo, con aires blueseros, pero que luego se tornan nuevamente en unos fuertes riffs, nuevamente con ese sabor setentero y sobretodo al primer cambio de ritmo, toma una fuerza notable. Buenísimo.

Y finaliza el álbum con otra muestra de power y feeling con "Going Down", con esos riffs más Sabbathicos que nunca y el fuzz y creo que este tema tiene uno de los mejores del disco, con una entrada exquisita. Acá el bajo tampoco deja opacarse y la batería hace uno de sus mejores trabajos. Nada mejor que cerrar de esta manera.

Es una lástima que este sea el único registro que exista y que además sea tan corto, pero de lo poco bueno, porque realmente se disfruta de principio a fin, es un disco lleno de potencia, energía, feeling, etc. Definitivamente estos viejos saben cómo rockear. Recomendado absoluta y encarecidamente.

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Mindfunk - Dropped [1993]

01.Goddess
02.Closer
03.Drowning
04.In The Way Eye
05.Zootiehead
06.Wisteria
07.Mama, Moses and Me
08.11 Ton Butterfly
09.Hogwallow
10.Billygoat
11.Hollow

Y siguiendo nuevamentre dentro de todo lo que es la movida Grunge/Rock Alternativo de los 90 y más específicamente en esas grandes bandas, esas de las que todos hablan, pero que por alguna extraña razón no tuvieron la suficiente fama, tenemos a una que podríamos considerar como un supergrupo, puesto que está integrada por músicos de otras agrupaciones, muchas de renombre como Ministry, Celtic Frost, Chemical Waste, entre otras, me refiero a Mindfunk.

Mindfunk se formó a principios de a de los 90 por Patrick Dubar (voz), Louis Svitek (guitarra), Jason Coppola (guitarra), John Monte (bajo) y Reed St. Mark (batería). Con la partida de Coppola y Mark de la banda, reclutaron a Shawn Johnson en el bajo y a Jason Everman en la guitarra, conocido por haber sido la segunda guitarra de Nirvana y bajista de Soundgarden. Esta nueva alineación lanzaría "Dropped" en 1993, un buenísimo registro que ahora es considerado todo un clásico.

La banda en sus comienzos tendría un estilo bastante orientado al Funk Metal, sin embargo, para la salida de "Dropped", cambiarían drásticamente su sonido hacia algo mucho más cercano al Grunge, con ciertos toques Stoner, pesadísimos riffs y una atmósfera más melancólica, bastante ad hoc con la tónica de esos tiempos.

El disco parte con "Goddess", el tema más emblemático del disco y de la banda en general, que con esos potentes riffs de entrada ya te dice por qué. Un corte muy bien hecho, bastante pesado , con un muy buen solo de guitarra, que toma un poco del estilo Funk Metal, pero donde ya se nota esa orientación más Stoner. Buenísimo, ideal para comenzar a introducirse.

Sigue "Closer", algo más lenta, pero igualmente pesada, más o menos dentro de la misma línea del tema anterior y con bastante intensidad en el estribillo. Muy buenas guitarras, un tanto arrastradas y genial muralla de bajo.

Luego viene "Drowning" que posee un aire más angustioso,, algo que se refleja mucho en la voz de Dubar y en las letras. Comienza calmadamente y después toma fuerza en el estribillo, con un coro muy melódico. Notable tema, que podría fácilmente estar dentro de un disco de Alice In Chains.

Continúa "In The Way Eye", un tema con una distorsión Stoner y con una potencia a la vena. Otra vez un trabajo en la guitarra que sobresale, además de los pesados riffs. La batería acá destaca y también los cambios de ritmo, con un muy buen solo. Otro tema representativo, lejos uno de los mejores.

Manteniendo la misma línea, "Zootiehead" sigue reafirmando la potencia de Mindfunk y es difícil decir algo que no se haya dicho antes, sino que seguir aplaudiendo el buen trabajo en las seis cuerdas y el poderosísimo coro. También el solo de guitarra es excelente y su base rítmica no se queda atrás. Genial.

"Wisteria" es un corte bastante largo que tiene un sonido muy Soundgarden en algunos momentos. Posee un ritmo más lento, sin muchos cambios en su desarrollo, pero bueno de todas formas. Después viene otro de los buenos temas, "Mama, Moses and Me" que toma unos riffs a galope típicos del Heavy Metal. El solo me gusta mucho, además de ese efecto wawa, los arpeggios de base son exquisitos. Este tema es más enérgico, más Hard Rockero y no tan melancólico.

Con "11 Ton Butterfly" retomamos la calma con arpeggios relajantes, pero sólo al comienzo, porque luego la canción toma una intensidad notable en el estribillo, con pesadas guitarras. Otra vez, gran tema, muy bien armado, genial solo, en fin.

"Hogwallow" no es muy distinta del resto de temas, pero sigue con gran energía. y muy bien compuesto. Destaco mucho el solo que es genial, esas guitarras son buenísimas. El siguiente corte, "Billygoat" tiene ese toque Grunge por todos lados, con un comienzo que me recuerda a "Down In a Hole" de Alice In Chains con ese sonido y acordes, aunque en el estribillo cambie por completo. Muy bueno.

El cierre viene con "Hollow" que tiene otra vez esos suaves arpeggios al comienzo tan adictivos, estos tipos saben cómo hacer melodías lentas que enganchen. Las guitarras espectaculares y potente coro y no nos podemos olvidar del solo que para variar, es muy bueno.

Nada más puedo decir de este disco, sino que reiterar lo buenísimo que es, tiene un trabajo instrumental notable, una guitarras muy bien armadas que da gusto, geniales melodías y todo ese toque noventero difícil de describir, pero que se sabe una vez que se escucha. A pesar de que puede recordar mucho a otras bandas como Soundgarden o Alice In Chains, posee un sonido muy propio que de seguro gustara a cualquier fan de estas bandas.

Totalmente recomendado.

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J - Blood Muzik [2001]

01.Commencement
02.Die For You
03.Resist Bullet
04.Alone
05.Stoned Step (Interlude)
06.Same Pain, Same Night
07.Lost
08.Twisted Dreams
09.Perfect World (Album Version)
10.Deaden (Interlude)
11.Route 666
12.Heaven
13.Decode (Interlude)
14.Gabriel
15.Recommencement

Hacía ya un buen tiempo que quería reseñar este disco, que es uno de los más notables que he escuchado de Jun Onose, más conocido como J, el otrora bajista de la famosa banda Luna Sea.

"Blood Muzik" es el segundo disco de la carrera de J, cuando se inicia definitivamente como solista luego de la disolución de Luna Sea en el 2000. Años antes, cuando la banda se dio un receso, lanzó "PYROMANIA" en 1997, mostrando un estilo radicalmente distinto al de su agrupación, sin embargo, esto quedó congelado una vez que se volvieron a reunir.

Musicalmente "Blood Muzik" es una continuación natural de su debut, donde toma elementos del Hard Rock, Punk y con un ligero toque Grunge con una notoria influencia de Nirvana. Sobresalen los buenísimos riffs, con harto groove y la voz de J que se escapa al típico registro japonés.

Comienza con "Commencement", una introducción instrumental donde suenan algunos coros y una voz femenina y luego J presenta su disco. Luego viene "Die For You" tema que patea traseros con sus riffs enérgicos y donde ya muestra su orientación al Punk. Realmente dan ganas de saltar y cabecear, porque suda feeling por cada una de sus notas. Gran entrada, pero no es nada aún.

Sigue uno de mis temas favoritos por años, "Resist Bullet" que creo resume muy bien todo lo que es J donde otra vez tenemos unos veloces riffs que se mezclan con unos armónicos bien creativos y J rebalsando fuerza. Si a esto le sumamos un solo que es uno de los más potentes del discos. Son 4 minutos y medio donde no dejarás de mover la cabeza.

Con "Alone" bajamos la velocidad y acá tenemos un tema algo más relajado y donde se nota aún más la voz extraña de J. El tema de pronto cambia el ritmo y entra una sección un tanto rapeada. También uno de los buenos temas, que además fue uno de los singles del álbum.

A continuación "Stoned Step" es un interludio instrumental con aire medio urbano (por alguna razón a J le encanta esta onda). Y luego de esos sonidos me experimentales, sigue otro de los himnos del álbum, "Same Pain Same Night" no tan rápido, pero de contundentes riffs y un estribillo pegajosísimo con un destacable uso del bajo, además de un sencillo solo, pero lleno de feeling y justo en el clímax de la canción. Buenísima.

Con "Lost" aparecen esos toques más a Nirvana y Bush. También es una canción más lenta, pero no por eso menos potente. Acá el bajo vuelve a relucir y el solo muy bien puesto. Otro gran corte.

"Twisted Dreams" una más representativa del disco, es un tema muy sencillo, hecho a base de unos repetitivos riffs y apoyado de una base rítmica con la batería muy notable, con un solo de guitarra bien kick-ass. La belleza de lo simple.

Viene inmediatamente "Perfect World" donde vuelven a salir las influencias urbanas de J. Buenos riffs, buen estribillo, en general nada muy diferente de lo ya mostrado, pero muy buen tema de todas maneras. Pegada a ella viene "Deaden", un interludio más donde se escuchan voces, risas, bajo y batería.

En "Route 666", tema enérgico, rápido, de buenos guitarreos y ligeros cambios de ritmo. Luego viene la ralajada "Heaven" y J canta más suave que de costumbre, además hay samplers de apoyo y a veces suena la voz de una mujer que apoya el coro. Ambos temas muy buenos, pero mantienen la línea.

Para variar, "Decode" es otro interludio y al igual que los otros, son inentendibles. "Gabriel" es uno de los buenos temazos del disco, volviendo a tomar un poco de la energía de los primeros cortes. Hay un riff que se repite constantemente y el groove del bajo de J es más que notable. El estribillo es contagioso, además que se apoyan de varias voces y volvemos a escuchar otro notable solo de guitarra. Gran canción, de las mejores del álbum.

Y "Recommencement" finaliza de la misma manera con que abre el disco y en el que aparece J recitando unas palabras, asegurando que esto va a continuar, para después despedirse con su frase favorita "Peace...Mother Fucker".

En general este es un potente disco, J exhuda energía y feeling por todos lados, los temas son contagiosos, muy bien armados, geniales riffs y solos, bien efectistas, etc. Quizás lo único malo es tanto interludio que realmente están de sobra, fuera de eso, todo el resto está genial, por algo se convirtió en uno de mis favoritos del bajista. Yo lo recomiendo mucho, es un disco que se deja disfrutar solo.

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Skin Yard - Inside The Eye [1993]

01.Inside The Eye
02.Miss You
03.Not In Love
04.Undertow
05.Wait For More
06.Fight
07.Western Wall
08.Across The Wind
09.Blindfold
10.Slowdive

Introduciéndome un poco más dentro de las bandas consideradas Pre-Grunge, es imposible no toparse con Skin Yard, banda formada en 1985 y se disolvió en 1992., importantes en la conformación del sonido del Grunge. Ellos participaron en el clásico disco omnibus "Deep Six" donde aportaron con 2 temas y compartieron lugar con los recientes Melvins, Soundgarden, Malkfushun, entre otros.

En la banda militaban Ben McMillan como frontman (quien también formó Gruntruck a principios de los 90), Jack Endino en la guitarra, conocido también por su faceta de productor musical, teniendo a su haber discos como "Screaming Life" de Soundgarden, "Buzz Factory" de Screaming Trees, "Bleach" de Nirvana, etc; y para antes de disolverse contaban con la participación de Barrett Martin (Screaming Trees) en la batería y Pat Pedersen en el bajo.

El álbum que nos ocupa ahora, "Inside The Eye", es el último de su carra, salido en 1993, un poco después de anunciar su separación definitiva. En este disco, la banda sigue la senda cultivada en sus anteriores trabajos, pero con el sonido un tanto más pesado, aunque sin acercarse al Metal. Esto va dentro de la evolución que fueron mostrando desde el "Fist Sized Chunks" sólo que con mejores arreglos y destacando principalmente las bien armadas guitarras, una sólida batería y la interpretación siempre notable de McMillan

El disco parte con "Inside The Eye", poderoso tema que abre con unos contagiosos riffs, una enérgica batería y McMillan cantando cantando con la calidad de siempre. Y nada más que un buen solo para coronar un genial corte, ideal para ser single del disco, pero está lejos de mostrar todo lo que ofrece.

Sigue "Miss You" bastante rápido y con un curioso ritmo en el verso, para luego pasar a esos riffs un tanto arrastrados y los buenos solos de guitarra por parte de Endino. Simplemente este es un tema con un sonido muy a Skin Yard, como marca registrada y del que se nota que otras bandas tomaron influencia, como Alice In Chains.

Continúa "Not In Love", una canción más pesada y lenta que las otras, con riffs algo más arrastrados y McMillan cantando más lúgubre. Acá a mi parecer Endino se luce en las seis cuerdas y también el trabajo en la construcción de la misma es notable, realmente un gran tema y al igual que el anterior, muy Skin Yard.

En "Undertow" se retoma un poco la velocidad donde suena constantemente unas notas sostenidas de la guitarra con el clásico efecto wa-wa. Nada muy diferente a lo ya escuchado, pero buena canción de todas maneras.

"Wait For More" es una de mis favoritas. Abre con unos pesados riffs y el ya mencionado efecto wa-wa que le da más potencia aún. McMillan sigue luciéndose con su sobria interpretación vocal, ligeramente más rabiosa, y destaca el uso de congas en el puente y al final.

Justo después viene "Fight", de riffs más Punk y un ritmo más rápido que los otros cortes y que se acelera antes del estribillo. Buenísima canción, bien furiosa y que también muestra la faceta más agresiva de la banda.

Y la ira continúa con "Western Wall", otro tema de fuertes guitarrazos, sobretodo en el estribillo que toma intensidad a medida que avanza, sobre todo cuando McMillan grita "behind the western wall" en el coro. Gran canción.

Con "Across The Wind", la banda suena muy "Grunge", con esas guitarras medio sucias, además que vuelven a los rimos pausados y con un coro más melancólico, de pronto con un aire a Soundgarden en sus primeros años.

Luego, "Blindfold" tiene una introducción que en nada se parece a lo que viene luego, con otros riffs pesados que se repiten constantemente durante todo el corte. También, no muy distinto a lo ya escuchado antes, pero no deja de tener power y se disfruta como cualquier otro.

Y finalmente "Slowdive" cierra de forma más que notable, con un ritmo diferente al resto de los temas y cambios del mismo al avanzar, donde podemos escuchar otro de los geniales solos de Endino que demuestra su gran manejo con la guitarra. Nada más que decir, simplemente una excelente canción.

A modo de resúmen, este disco final de Skin Yard es un must, sobretodo si te gustan bandas como Alice In Chains, Soundgarden, TAD o Screaming Trees. Tiene geniales temas, muy bien compuestos con muy buenas guitarras, a los que les sobra la energía, la furia, etc, son de esos que te patean el trasero a la primera escucha.

Es a mi parecer un discazo que debería ser más mencionado cuando se habla de clásicos de la época Grunge, más aún si hablamos de una banda pionera en ese sonido. Total y absolutamente recomendado.

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Pearl Jam - Vs [1993]

01.Go
02.Animal
03.Daughter
04.Glorified G
05.Dissident
06.W.M.A.
07.Blood
08.Rearviewmirror
09.Rats
10.Elderly Woman Behind The Counter In A Small Town
11.Leash
12.Indifference

A prinicipios de los noventas en Estados Unidos, algunos de los nuevos actos del Rock se estaban haciendo un espacio en el mainstream a pasos agigantados y uno de ellos eran los conocidos Pearl Jam, quienes en 1991 obtuvieron un arrollador éxito comercial con su placa debut, "Ten". Si bien esto ya los conformaba como un acto de renombre, llegando a ser considerados como parte importante en la conformación del Grunge, su segundo álbum "Vs", lanzado en 1993, fue la consolidación definitiva de la banda que, a pesar de no tener una promoción al nivel del primer disco (sobretodo porque la agrupación decidió no filmar más videos), tuvo una recepción tan poderosa como su antecesor, llegando a estar en el primer lugar de ventas durante cinco semanas. Actualmente, "Vs" ha sido certificado con siete discos de platino.

La creación de este álbum trajo bastantes cambios, tanto de forma como de fondo. Primero, el cambio de baterista, que en esta ocasión corrió por parte de Dave Abbruzzese, en reemplazo de Dave Krusen; segundo, el productor del disco fue Brendan O'Brien, lo que trajo mejoras en la producción y masterización del sonido. También, en lo que se refiere a la dirección musical, la banda suena mucho más agresiva y pesada, sin atmósferas muy melancólicas, con iluminadas composiciones y unas melodías que vuelan la cabeza.

El primer tema "Go" ya es un ejemplo de lo mencionado con anterioridad. Una canción rápida, con unos certeros riffs y Eddie Vedder cantando como si estuviese a punto de explotar. Nada mejor que ese buen coro con esas guitarras y esos solos sucios llenos de furia. En general un poderoso tema para enganchar de entrada.

Luego viene "Animal", también con agresividad en esos riffs, aunque con un ritmo un tanto más pausado y la voz desgarrada de Vedder y otros solos de esos que patean la cara. Gran canción, aunque un tanto corta.

Con "Daughter" nos tranquilizamos un poco, sobretodo al oir esos acordes acústicos, bastante suaves, pero que no pierden energía, sobretodo en el coro. También destaca la buenísima melodía, es uno de esos temas que pueden quedarse rayando en tu cabeza por bastante rato.

"Glorified G" es uno de mis favoritos, lleno de vitalidad y fiereza, donde la batería cobra notable fuerza y los riffs van ganando dureza . Acá me gusta sobretodo la finalización, con un buen clímax, justo donde Vedder grita y viene ese poderosísimo solo y la batería que no descansa, que dan ganas de cabecear un buen rato.

Y sigue la grandiosa "Dissident", una canción que por alguna razón me gusta mucho, quizás sea por esa melodía que toca la guitarra tan llena de feeling al comienzo y que se repite constantemente, así como la voz de Vedder que lo deja todo. Si bien en cuanto a ritmo es más lenta que las anteriores, no pierde para nada la fuerza. Muy, muy bueno.

En seguida vine "W.M.A.", hecho a base de percusiones, unas líneas rítmicas de bajo. y guitarras atmosféricas. Un tema un tanto extraño dentro de todo, que suena casi a experimento, pero no desentona para nada el resultado global del disco. A continuación "Blood" recupera de un momento a otro la pesadez, donde Vedder grita con ímpetu el coro y finaliza de forma caótica con ruidos por doquier.

"Rearviewmirror" es uno de los himnos del álbum, con una letra directa y bastante doliente, pero de ahí a que el tema cobre esa furia, que se ve reflejada sobretodo en la voz de Vedder. También destaca esa base de bajo tan memorable y ese solo cerca del final, tan certero y bien puesto, para luego tornarse más agresivo. Uno de los temazos del álbum.

Sigue "Rats" otro tema con un bajo notable y una atería contundente, que también destaca por su trabajo general, además, las guitarras muestran una orientación más bluesera. La letra cargada de crítica, parece ser recitada con molestia, algo que realmente ayuda al feeling del tema general.

Continúa "Elderly Woman Behind The Counter In A Small Town", otro corte con toques acústicos, bastante sencilla y una melodía bastante sobrecogedora, que está cargada a la voz de Vedder, quien una vez más da en el clavo con una genial interpretación.

Otro de mis grandes favoritos es "Leash" que tiene ese sello Pearl Jam por todas partes. Volvemos a escuchar buenos riffs y unos coros que gritan "Drop the leash" dándole vigor al tema. También finaliza con un genial solo.

Y terminamos con "Indifference" un tema más Psicodélico, bien atmosférico en el que destacan el uso de teclados. Muy calmo, suave, bastante relajante para ir de a poco desvaneciéndose y cerrar el álbum.

En resúmen, un disco poderoso, enérgico, lleno de rabia que no escatima en críticas, pero es a la vez creativo, con composiciones de las mejores que he escuchado de la banda. Es cosa de darle una escuchada los primeros temas para darse cuenta de por qué es un clásico, es un temón tras otro, que te vas enganchando y quedas cautivado sin réplica.

A estas alturas, no es nada nuevo hablar de este álbum, pero no está de más darle una re-visión y si eres uno de los que todavía no lo ha escuchado, nunca es tarde para disfrutar de un buen registro de Rock.

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Budgie - Budgie [1971]

01.Guts
02.Everything In My Heart
03.The Author
04.Nude Disintegrating Parachutist Woman
05.Rape Of The Locks
06.All Night Petrol
07.You And I
08.Homicidal Suicidal

Budgie es un trío Galés de Hard Rock de finales de los 60, formado por Burke Shelley (voz - bajo), Tony Bourge (guitarra) y Ray Phillips (batería). Si bien no es una banda que alcanzó tremenda popularidad como otras de la época, sí es considerada una de las más importantes dentro del llamado Proto-Metal y ha sido influencia de agrupaciones como Judas Priest, Metallica o Soundgarden, además del sonido general del Stoner Rock. Su disco debut es considerado todo un clásico del Rock setentero.

El disco es puro Hard Rock con ciertos toques a Black Sabbath, notables pasajes Blueseros, aires Jazz y aspectos Progresivos que en muchos casos puede recordar a Rush en sus primeros trabajos, sobretodo por la voz de Burke Shelley (aunque en realidad, debería ser al revés). También el disco en general posee a mi parecer una atmósfera pesada y oscura, dado el sonido de la guitarra, con esa distorsión que unos años más tarde sería tan representativa del Stoner Rock.

El álbum abre con "Guts" un buenísimo tema que con solo escuchar sus riffs iniciales se darán cuenta de lo que mencionaba anteriormente. Una melodía lenta, con guitarras ligeramente arrastradas y con un consistente bajo que muestra el buen trabajo de Shelley. Si bien es una buena antesala, no muestra todo el potencial de la banda, pero ya deja con ganas de seguir escuchando.

Luego viene "Everything In My Heart" un extraño tema electroacústico, de tan solo 52 segundos y que tiene unos cuantos versos que se repiten. Y digo extraño porque choca bastante con el sonido del primer tema, con un sonido más suave y melodioso. Como que no se espera un tema así tan rápido, pero no deja de ser un buen corte.

En seguida suena "The Author" con una seccion inicial de suaves acordes elétricos y con Shelley demostrando sus buenos dotes vocales con ese vozarrón agudo que tiene, para después cambiar el ritmo y se torna completamente Hard Rockero, con esa guitarra saturada y unos buenos solos de parte de esta y una genial base rítmica destaca mucho la batería. Buenísimo tema.

Pero si de favoritos se trata, el siguiente track "Nude Desintegrating Parachutist Woman" es uno de los míos, buenos riffs, pesados y a la vena, con una muralla de platillos. El tema es ligeramente lento en un comienzo, pero luego, después del redoble, viene otra avalancha Rockera, con unos solos realmente notables, de pronto medio Blueseros con una voz que la acompaña y acá es donde el bajo se luce con unos toques Jazz y la batería notable de Phillips. Buenísimo.

Y siguiendo la misma línea, viene "Rape Of The Locks", un tema que abre con rapidísimo solo de guitarra, pasa pasar a unos riffs de lo más contagiosos y una melodía que fácilmente podría haber convertido este tema en un himno. Sin bajar un ápice de genialidad, luego vienen de los mejores solos de todo el disco, acompañados con una base rítmica igualmente notable, Burke Shelley es un buenísimo bajista. Grandiosa canción.

En seguida comienza "All Night Patrol" que baja la intensidad de los temas anteriores y donde el bajo se toma todo el tema y la guitarra aparece secundaria, casi adornando. Aunque no puede faltar su sección instrumental donde Bourge hace otro solo notable, más lento y consistente. Otro genial corte.

"You And I" es otro tema electroacústico, bastante relajado y de una fresca melodía, de una vibra positiva y de una letra más romántica y lleno de feeling. Hermoso, lo único extraño es que termina abruptamente, pero justo para dar inicio al siguiente tema.

Y finaliza el disco con "Homicidal Suicidal" y qué mejor cierre, un tema épico de excelentes riffs y con apenas unos versos porque es principalmente instrumental, donde cada unos de los músicos se luce en lo suyo. Este es uno de los temas con más cambios de ritmo, donde muestra más su lado Progresivo, sin extenderse demasiado. Espectacular corte.

En fin, "Budgie" es un discazo de principio a fin, de no muy larga duración, pero que se disfruta en cada una de sus canciones, llenas de potencia, energía, buenos riffs y melodías gancheras que está hecho para convertirse en un clásico sin dudas. Lo recomiendo absolutamente, es un gran trabajo de una banda que debería tener un mayor reconocimiento a nivel masivo.

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'10 Releases Corner

Como todos los años vienen cargados de nuevos lanzamientos y este 2010 no es la excepción, acá podrás encontrar recomendaciones de discos que sean lanzados durante el mismo.

Blindstone - Rise Above
Fecha de lanzamiento: 1 de Enero de 2010

Tercer disco de esta banda danesa de Hard Rock y Blues que bebe de las influencias del Rock de la vieja escuela, desde Jimi Hendrix, hasta King's X, con un sonido moderno y fresco, además de geniales melodías y un trabajo instrumental espectacular. Destacan temas como "Rise Above", con Ty Tabor de invitado donde demuestra su genial manejo, pura potencia; "Power Man" que no escatima en energía y buenos riffs; "Keep The Rock Alive", deja bien en claro su mensaje; "Climbing Up The Ladder" que es puro groove y así con otros como "New Director", "Sonic Motor King", "Wiser" o "Beyond The Purple Sky". Buenísimo desde el primer hasta el último track.


The DUST'N'BONEZ - DUST&BONES
Fecha de salida: 7 de Abril de 2010

La mega banda The DUST'N'BONEZ, aquella formada por ex miembros de ZIGGY, The Slut Banks y SADS  nos vuelven a patear traseros con un nuevo álbum bajo el brazo, titulado sencillamente como "DUST&BONES", donde el Hard Rock y el Rock n' Roll se toman cada rincón del disco, con una energía apabullante, tal como lo demostraran en su debut de 2008. Destacan temas como el inicial "Murasaki no MY BLOOD" de una muy buena muestra de rock, aunque se guarda lo mejor para más adelante, "HELLS AROUND" realmente poderosa y melódica, con un coro explosivo, "Shinkai" que recuerda un poco al viejo ZIGGY, "Jiishiki to iu Na no Kuukyo de Fuminukeyo Sono Axel o" con riffs más pesados, "Uwanosora ni Ukabu Kumo", "Hakuchuumu no Palm Tree", "Kono Mama ja Owarekkonai", etc.

En general "DUST&BONES" destaca por su fuerza, humor y ganas de pasarlo bien, como si todo esto fuese una fiesta que nunca termina. Genial disco, totalmente recomendado y a ponerle más atención a estos ya veteranos del Rock.


Loudness - King Of Pain
Fecha de salida: 19 de Mayo de 2010

Los veteranos Loudness regresan con más fuerza que nunca. Luego del lamentable deceso de su baterista original, Munetaka Higuchi, la banda decidió continuar lanzando al año siguiente "The Everlasting", con grabaciones hechas por el señor Higuchi antes de fallecer. Pero ahora, este año marca un nuevo comienzo para la agrupación, ya que se integra a sus filas el baterista Masayuki Suzuki y lanzan su vigésimo cuarto disco titulado"King Of Pain", que es lejos uno de sus mejores álbums desde "Breaking The Taboo" o incluso desde "Racing". Acá hay una vuelta directa a las raíces, los aires ochenteros se hacen más patentes que en otros discos, con una fuerza en los riffs que los acercan al Thrash y de sonido moderno, pero distante del concepto con el que regresaron el 2000, destacando además lo inspirado de las composiciones y unas melodías poderosas.

Temas geniales hay por doquier como "The King Of Pain", el heavy clásico de "Power Of Death", la pesada "Death Machine", "Straight Out Of Our Soul", "Where Am I Going?", lenta pero igualmente potente; "EMMA", "Doctor From Hell", en fin. Lisa y llanamente espectacular, Loudness le hace honor a su nombre.


Josiah - Procession
Fecha de salida: 21 de Mayo de 2010

Josiah pone fin a su carrera, así pone de manifiesto su página oficial, una de las bandas más notables del Heavy/Stoner Rock del Reino Unido en la actualidad. Luego de cuatro fantásticos discos a lo largo de 10, este nuevo disco "Procession" pone punto final a la carrera, mostrando material inédito previamente, así como temas en vivo de su tour por Suecia el 2007. Siempre se agradece poder escuchar material nuevo de la banda, aún cuando sean cosas que hayan estado guardadas y no temas hechos especialmente para la ocasión. Así tenemos en la primera parte del disco, "Procession" una especie de oda al Rock clásico, "Broken Doll" lleno de energía, al igual que "Thirteen Scene", donde hay muy buenos riffs, lo mismo con "Dying Day" y "Dead Forever", con la particularidad que este último suena como un demo.

En cuando al apartando en vivo, solamente clásicos de la banda como "Looking At The Mountain", "Time To Kill" (haciendo honor a su nombre), "Silas Brainchild", "Malpaso" y "I Can't Seem To Find It" que muestran lo enérgico de sus presentaciones, con ese sonido kick-ass que los caracterizaba.

Buen disco, siento que cierra de muy buena manera la carrera de la banda, aunque siento que su mejor material se encuentra en sus otros trabajos. De todas formas es un álbum que debe ser escuchado y ponerlo a todo volumen para despedir a estos grandes.


Stone Temple Pilots - Stone Temple Pilots
Fecha de salida: 25 de Mayo de 2010

La reunión de Stone Temple Pilots no podía ser sólo para el recuerdo, tenía que mostrar algo más y este es el resultado: un nuevo disco de estudio homónimo que escribe otro capítulo más dentro de la historia de la banda. Los 9 años que pasaron para escuchar algo nuevo se ven compensados con este trabajo que a mi parecer es realmente sólido y demuestra una avanzada en su sonido, aunque quizás pueda decepcionar en cierta medida a quienes quisieran una vuelta a ese toque más "grunge" de sus primeros dos fantásticos álbums, pero aún así no dejan de ofrecer un muy buen Hard Rock, con notables tintes Pop. Así tenemos la genial "Between The Lines", fresca y energética, "Take A Load Off" que es pura potencia, "Huckleberry Crumble" de veta más rock n' rollera, "Dare If You Dare" muy exquisito, "Hazy Daze", "Peatcoat", "First Kiss On Mars", etc. Un álbum buenísimo que a mi juicio se instala sin problemas dentro de los discos de la banda y posiblemente se convierta en un futuro clásico.


The Sword - Warp Riders
Fecha de salida: 24 de Agosto de 2010

The Sword es otra de las nuevas bandas que con cada lanzamiento se consolidan aún más y van ganando un espacio dentro del estilo, sobretodo cuando sus nuevos proyectos poseen tal nivel de ambición, que realmente los hace destacar. "Warp Riders" cuenta una historia con tintes a Ciencia Ficción, acerca de la travesía de un sujeto que es desterrado de una tribu de su planeta, donde existe una lucha constante entre el bien y el mal, convirtiéndose de esta manera en su primer trabajo conceptual, como ellos así lo han definido. Musicalmente siguen teniendo un estilo cercano al Stoner, pero con mucha influencia del Heavy Rock setentero y dejando de lado un poco el sonido denso más Doom de sus primeros discos.

El álbum es buenísimo de principio a fin, pero destacan mucho temas como "Tres Brujas" primer single del disco y pura potencia, "Arrows In The Dark" con unos filosos riffs, "The Chronomancer I: Hubris" de aires Stoner más clásicos, la instrumental "Astraea's Dream" de filosos guitarreos, "The Warp Riders" donde aparecen los toques a Black Sabbath más patentes, "Night City" más Hard Rock, "The Chronomancer II: Nemesis" que recuerda al viejo sonido de la banda. En fin, un disco redondo a más no poder que se debe escuchar sin interrupciones puesto que funciona muy bien de manera global.


SIAM SHADE - SIAM SHADE XII ~The Best Live Collection~

Fecha de salida: 27 de Octubre de 2010

Los grandiosos SIAM SHADE vuelve a hacer noticia con la aparición de este disco doble, no sólo para recordarnos la importancia de la misma, sino que también para dejar en claro, el por qué eran reconocidos como unas de las bandas con mejor sonido en vivo. Muy poco nuevo hay bajo el sol, puesto que la  gran mayoría de los temas son extraídos de sus DVD's, como el "SIAM SHADE V6" o el "SIAM SHADE V8", el mítico concierto que puso final a su carrera en el Budokan por allá en el 2002. Así tenemos cortes ya clásicos como "GET A LIFE", "1/3 no Junjou na Kanjou", "Dreams", "RAIN", "Don't Tell Lies" y otros no tan conocidos pero tan potentes como "No! Marionette", "Virtuoso", "Prayer", etc. Sin embargo, también se incluyeron algunos temas nunca lanzados oficialmente en vivo en ningún formato, por lo que se agradece poder escuchar  joyas como "Destination Truth" o "Can't Forget You" de sus primeros trabajos.

Un disco que se hacía necesario, quizás por eso está titulado como el número XII de su discografía, ya que teniendo tal fuerza arriba del escenario, era momento de mostrar lo mejor de esa faceta de la banda (aunque creo, faltaron varios temas que en vivo son una aplanadora). Buenísimo disco, "SIAM SHADE NEVER ENDS".