Ningen Isu - Mugen no Juunin [1996]

01.Sarashikubi
02.Mugen no Juunin
03.Jigoku
04.Ebisu Kara Ichidaiki
05.Baka Suikyouhi
06.Mokko no Komoriuta
07.Katana To Saiya
08.Tsujigiri Kouta Mushukuhen
09.Uchuu Yuuei
10.Kuroneko

Una de las bandas de Hard Rock Progresivo más originales e influyentes de Japón es Ningen-Isu, un power trío conformado por Kenichi Suzuki (voz y bajo), Shinji Wajima (voz y guitarra) y Nobu Nakajima (batería), quienes mezclan el Hard Rock de corte setentero, con influencias de la música folklórica japonesa. Desde su debut en 1989, se han convertido en referente de otras agrupaciones de similares características como Onmyouza o Gonin-Ish.

Dentro de su discografía, uno de los trabajos más destacables que he escuchado es "Mugen no Juunin", un disco que, si bien mantiene continuidad con lo que la banda venía haciendo desde un comienzo, es donde sus toques enraizados en la música tradicional japonesa se hacen más patentes aún, algo que se ve reflejado tanto en la intrumentalización como en la vocalización que adquiere suma importancia, sin olvidar los elementos eléctricos que aportan con la potencia rockera necesaria. La composición en este sentido resulta versátil y llena de diversos matices que hacen al álbum algo bastante variado e interesante de escuchar.

Así pasemos a los temas destacables del disco, partiendo con "Sarashikubi" un excelente tema, bastante melódico con un poderoso trabajo en la composición. Posee diversos cambios de ritmo, con cortes acústicos y unos solos de lujo, sobretodo el que se escucha cerca del final. Realmente buenísimo, prende rápidamente con su agilidad.

Seguimos con "Mugen no Juunin" un tema bastante tétrico, con bases acústicas y una voz muy en plan folklórico. Comienza de una forma muy suave, con un coro muy melódico a dos voces, para después pasar a unos fuertes riffs de la guiarra y a tomar un ritmo mucho más intenso. Geniales son los cortes en donde Kenichi Suzuki canta con un estilo muy japonés, que recuerda alas formas musicales que utiliza el teatro Noh. Excelente tema, uno de mis favoritos.

"Jigoku" es mucho más veloz desde el comienzo, con un ritmo más intenso y con ese toque tan personal de Ningen Isu para las melodías. Notable corte. Inmediatamente viene "Ebisu Kara Ichidaiki" que parece una especie de marcha, donde introducen un acordeón, además de una atmósfera bastante densa. Genial es el cambio de ritmo, donde cambia la melodía y la forma de canto y el sonido de la harmónica que le da todo un toque bluesero. Ya al finalizar el tema, hay otro cambio de ritmo, donde aumentan la velocidad, cambian los riffs y se escucha un solo más en plan Hard Rock. Absolutamente notable, a pesar de lo extraña que puede sonar en un comienzo.

"Bakka Suikyouhi" es la próxima canción en empezar y posee toda esa pesadez y densidad características donde aparecen sus influencias más ligadas a Black Sabbath. Muy buenos cambios, poderosos riffs, en general un buenísimo tema. Seguimos con "Mokko no Komoriuta" que rompe el esquema al ser un tema netamente de folklor, con vientos y percusiones típicas. Bastante curioso, pero que no se sale de contexto dado el estilo de la banda, muy bueno.

Posteriormente viene "Katana To Saiya" un tema de puro Hard Rock, de muy buen trabajo en la guitarra y una estructura bastante más convencional. Gran corte. "Tsujigiri Kouta Mushukuhen" es un tema de entretenido ritmo, bastante enérgico y toques muy orientales en la melodía de la guitarra. También, muy buen tema.

En el penúltimo corte "Uchuu Yuuei", la banda utiliza efectos espaciales distintos a lo hecho durante toda la placa. Destaca mucho el extenso trabajo instrumental, de genial composición, con un gran protagonistmo de la guitarra. Buenísimo.

Y finalmente viene "Kuroneko" con gran pesadez y densidad en los riffs. Genial el coro enérgico que recita el título de la canción y los cambios de ritmo, donde el tema se torna mucho más veloz, sin olvidar los poderosos solos de guitarra, tanto ahí como en el corte cerca del final. Un tema muy versatil que cierra magistralmente el disco, de mis favoritos.

En resúmen, "Mugen no Juunin" es un disco impecable y redondo, con grandes temas de un trabajo musical que impresiona, tanto por destreza de los músicos, como por la creatividad y originalidad que estos poseen. Si bien no es una piedra angular dentro de la discografía de la banda, sí logra a mi parecer, hacer más figura de aquellos aspectos por los que son reconocidos. Absolutamente recomendado para quienes gusten del sonido del Hard Rock setentero, pero también para los que buscan una propuesta diferente dentro de ello.

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The Jelly Jam - The Jelly Jam [2002]

01.I Can't Help you
02.No Remedy
03.Nature
04.Nature's Girl
05.Feeling
06.Reliving
07.The Jelly Jam
08.I'Am The King
09.The King's Dance
10.Under The Tree


The Jelly Jam es una de esas mega bandas que en su formación cuentan con verdaderos genios de reconocidas bandas de Rock. En ella tenemos a Ty Tabor, guitarrista y vocalista de King's X, John Myung, bajista de Dream Theater y a Rod Morgenstein, baterista de Dixie Dregs, Winger, entre otras agrupaciones, quienes anteriormente eran parte de la banda Platypus, pero con la salida de Derek Sherinian en el teclado, el proyecto adquiere otro nombre y otra sonoridad, sacando su primer disco en el 2002, titulado simplemente "The Jelly Jam".

En el presente disco, la banda nos muestra un Hard Rock con variados toques Progresivos, de un poderoso trabajo instrumental y melódico que demuestra gran virtuosismo y sensibilidad a la hora de componer, dejándose notar bastante la mano de Ty Tabor en ese sentido. Cabe destacar aspectos como la guitarra cuya utilización pasa de enérgicos riffs a suaves texturas sonoras, mucho más atmosféricas que logran recrear distintos estados. Del mismo modo, la batería resalta enormemente con una ejecución sólida, lleno de quiebres y juegos rítmicos muy versátiles, al igual que el bajo, de un complejísimo trabajo técnico que no pasa desapercibido.

Siguiendo con los temas más destacables, el disco abre con la buenísima "I Can't Help You" con un Tabor cantando con efecto megáfono y unos riffs bastante pesados en general, con notables cambios de ritmo a lo largo del desarrollo del tema, donde ya se puede notar el espectacular trabajo instrumental y técnico de estos tres músicos. Gran tema, mucha energía.

Inmediatamente viene "No Remedy" con una guitarra en efecto wa-wa y una poderosa base de bajo, además de esa batería incansable. Geniales y potentes riffs bien Rockeros, también de mucha energía y entretenida melodía, bastante pegajosa. Acá Morgenstein se luce con una sección donde juega con diversos sonidos. Uno de mis favoritos.

Más adelante viene "Nature's Girl" que continúa con la potencia de los riffs y un ritmo algo más acelerado y Tabor cantando con más fuerza aún. Notable también el coro, con esos arpegios muy a la King's X. Genial el corte a mitad del tema, donde Myung se luce en el bajo y el ritmo va aumentando su intensidad. Otra canción de gran factura.

Con "Feeling" se calma un poco el ambiente, mucho más pausada, pero de riffs fuertes (que también recuerda mucho a King's X), con un bajo muy presente en el estribillo. Un tema bien melódico y agradable. Y siguiendo la misma línea, continúa "Reliving" pero mucho más suave, donde se escuchan unos finos arpegios y un bajo retumbante. El coro destaca por su energía y sentimiento, al igual que el solo de guitarra, uno de los mejores de todo el disco. Buenísimo.

Luego sigue "The Jelly Jam" un excelente instrumental donde todos los instrumentos demuestran un trabajo excepcional. El tema progresivamente va variando, pasando de suavidad a la distorsión, en donde la guitarra crea sonidos atmosféricos que van aumentando su intensidad, al igual que el ritmo de la batería. Al finalizar, da paso para que abra la siguiente canción, "I'Am The King" un tema que recupera la fuerza de los primeros cortes del disco. Acá podemos escuchar otros finos, pero geniales arpegios y riffs enérgicos, además de un solo con una "suciedad" muy Rockera. Qué más decir, buenísimo corte.

El final del tema anterior da paso a "The King's Dance", una especie de epílogo instrumental que continúa con la misma base, pero con una guitarra explorando otras sonoridades como en "The Jelly Jam". Tabor se sigue luciendo con otra elegante ejecución. Finalmente viene "Under The Tree" que comienza curiosamente con voces de personas, para dar paso a unos toques más acústicos y una percusión distinta a lo mostrado durante toda la placa. El tema va variando durante su desarrollo, pasando a otras exquisitas secciones instrumentales, donde Tabor sigue sacando sonidos diversos a su guitarra, añadiendo más percusiones de parte de Morgenstein. Excelente tema que cierra de forma magistral el álbum.

En general, estamos ante un álbum poderoso, de una calidad que impresiona desde los primeros segundos por su trabajo versátil, variado y muy bien construido compositivamente hablando, técnicamente impecable, muy virtuoso, pero que no olvida la sensibilidad y el feeling que hace que cada tema tenga algo especial. Lo recomiendo tanto a los fans de las bandas respectivas de cada uno de sus integrantes como también a cualquiera que desee escuchar un excelente disco de Rock.

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(the) Melvins - (A) Senile Animal [2006]

01.The Talking Horse
02.Blood Witch
03.Civilized Worm
04.A History Of Drunks
05.Rat Faced Granny
06.The Hawk
07.You've Never Been Right
08.A History Of Bad Men
09.The Mechanical Bride
10.A Vast Filthy Prison


Melvins, la original banda de Seattle, considerada de las pioneras en el sonido del Sludge Metal, Stoner Rock y de gran influencia para el Grunge y Rock Alternativo de las últimas décadas, sigue sacando material que da mucho que hablar y el presente lanzamiento "(A) Senile Animal" no se queda atrás. Para esta ocasión, Buzz Osbourne (voz - guitarra) y Dale Crover (voz - batería), unen fuerzas con los chicos de Big Business, Jared Warren (bajo) y Coady Willis (batería), con quienes siguen experimentando y renovando su música aún con sus más de 20 años de carrera, además de cambiar su nombre a (the) Melvins.

En este disco, la música de Melvins se orienta a temas bastante rápidos y enérgicos en general, que contrastan con la usual creación de atmósferas densas y lentas que tanto los caracterizan, sumado a una fuerte presencia de pesados riffs de la mano de Buzz Osborne y a un trabajo vocal intenso, en el que todos los músicos hacen su aporte. Sin embargo, lo más interesante del disco es la composición hecha a base de dos baterías, con variadas secciones de constantes solos y juegos entre ellas, dándoles un inusitado protagonismo y convirtiendo al sonido en algo mucho más demoledor aún. Es este último aspecto el que le da el toque más innovador a la propuesta de la banda.

Entonces, revisando los temas más destacables del disco, partimos con el primer la genial "The Talking Horse" que abre con unas distorsionadas notas del bajo y la introducción de ambas baterías y las imponentes voces de los coros. Es un tema de fuertes riffs y de un ritmo muy pegajoso, en donde ya podemos escuchar bastante el trabajo en las percusiones, siendo este uno de sus puntos más altos. Excelente comienzo.

"Blood Witch" comienza con unos tiempos más irregulares que son difíciles de seguir en donde las baterístas siguen marcando la pauta, a cuyo trabajo va agregando progresivamente nuevos sonidos, con buenos cambios de ritmo. También hay bastantes cortes entre los riffs donde podemos escuchar más de las percusiones. Buenísimo tema. Continúa "Civilized Worms" que abre para variar, con compases de la batería pero con un ritmo más relajado, algo que también dejan notar los melódicos riffs. Un tema de una melodía de un feeling muy noventero con un buenísimo solo de guitarra, así como los cambios ya cerca del final de la canción donde toma más intensidad y que finaliza con una avalancha de redobles. Excelente también.

El siguiente tema, "A History Of Drunks" es uno de mis favoritos, de un ritmo mucho más rápido y demasiado pegajoso, que a medida que avanza hacia al coro va aumentando su energía hasta desembocar en unos riffs muy gancheros y un solo buenísimo. Genial, de las canciones más entretenidas del disco. Avanzamos con "Rat Faced Granny", bastante más pesado, con riffs mucho más fuertes aún y más rápida que las anteriores. El rabajo de la batería destaca bastante en el puente y a lo largo del tema que sigue experimentando con nuevos sonidos. Notable además los cambios de ritmo hacia el final y el término, donde las baterías se roban la atención con unos buenos redobles. Grandioso.

"The Hawk" parece seguir la línea planteada por la canción anterior, con bastante pesadez en los riffs y baterías que no se detienen ante nada. Aquí también el trabajo de la guitarra sobresale sobretodo por su creatividad para generar melodías atrapantes, sin olvidar la fuerza que impregnan las voces. El final también tiene una mención especial, donde ambas baterías hacen un solo jugando con los compases. Cada vez mejor.

Comienza imediatamente "You've Never Been Right" que sigue el mismo rastro dejado por las dos anteriores. El ritmo pegajoso, muy buenos riffs y el trabajo en la percusión que sigue sorprendiendo. Hacia el final el ritmo se torna mucho más intenso y da gusto escuchar esa interacción entre los riffs y los redobles, muy entretenido por lo demás, que finaliza con otro muro de caja, bombos y platillos. Grandioso tema, sigue mostrando la inspiradísima composición que ronda al álbum en general.

Con "A History Of Bad Men" bajamos las revoluciones y curiosamente, la banda reproduce prácticamente la misma melodía del bajo de su conocido tema "Night Goat" de su aclamado disco de 1993, "Houdini", como una especide de auto homenaje, pero claramente el tema toma otra dirección. Acá las voces tienen mucha mayor presencia y las baterías siguen probando redobles y experimentando detrás de los riffs arrastrados. Muy buen tema.

"The Mechanical Bride" recupera esa lentitud y densidad de Melvins, con esa oscuridad tan característica, voces tétricas y mayor distorsión. Aún así, hay cabida para los momentos donde las baterías prueban con redobles y sonidos. Buen tema, el más largo de todo el álbum. Y finalmente "A Vast Filthy Prison" continúa la misma línea aunque menos lenta, pero con más cambios de ritmo y juegos con los tiempos.

En resúmen, "(A) Senile Animal" nos muestra que Melvins puede romper sus propios esquemas y sorprender con cosas nuevas, que si bien, han sido utilizadas por otras bandas (como las dos baterías), ellos lo hacen con una creatividad y originalidad que sencillamente da gusto. Composiciones inspiradísimas y a la vena, con buenos riffs y ritmos intensos, hacen a este disco algo muy entretenido e interesante. Sí es bueno apuntar que para apreciar en detalle todos los aspectos del trabajo de las baterías, escúchenlo con audífonos, pueden ir descubriendo muchas cosas, sobretodo si le dan más vueltas al álbum. Totalmente recomendado.

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Yoon Do Hyun Band - Vol. 2 - Long Journey [1997]

01.Gin Yeohaeng
02.Harusari
03.Ittange Salgi
04.Cheoeum Cheoreom
05.Kkumkkuneun Sonyeo
06.Garijijom Ma
07.Bada
08.Sesangsogeui Ai
09.Cheolmuneul Yeoreo
10.Meoriapa
11.Dasi Hanbeon
12.Eodiro


Con sólo algunos años de actividad y luego del éxito de su debut en 1994, Yoon Do Hyun Band, agrupación formada por Yoon Do Hyun (voz, guitarra), Huh Jun (guitarra), Park-Tae-hee (bajo) y Kim Jin-won (batería), saca su segundo álbum, que como siempre, tiene la presión de igualar o superar al primero. Es así como aparece "Vol. 2 - Long Journey" en 1997 con el que la banda consigue una mayor recepción aún, instalando su nombre como uno de los más representativos del Rock en Corea del Sur.

El disco básicamente presenta un Hard Rock y Rock n' Roll de un sonido muy a la Deep Purple, de composiciones versátiles con notables cambios de ritmo y constantes balances entre lo eléctrico y lo acústico, logrando variados matices, con un excelente trabajo instrumental donde todos destacan por igual. También el aspecto melódico destaca de sobremanera, muy creativo e inspirado, hace del disco algo muy entretenido y accesible.

Dentro de los temas notables, tenemos "Harusari", tema de poderosa interpretación vocal, construida con una base de bajo que se repite constantemente y que introduce el sonido de trompetas que apoyan los riffs de la guitarra. Geniales cambios de ritmo durante su desarrollo, sobretodo cerca del final donde la adopta un sonido más duro y la batería con el teclado toman mayor intensidad, para finalizar con un genial falsetto de Yoon Do Hyun. Notable, grandioso corte.

Continúa "Ittange Salgi", más pesado en los riffs y con la voz mucho más raspada que es apoyada por unos coros de dan más fuerza al tema. Genial el solo de teclado y el final con el cambio de ritmo más acelerado. Buenísimo tema. Le sigue "Cheoeum Cheoreom", mucho más lento y con unos suaves acordes acústicos, donde Yoon Do Hyun utiliza una voz mucho más grave variando su registro y un buenísimo trabajo en batería de Kim Jim-won que va marcando la pauta en los cambios de ritmo constantemente. Lo mejor viene con el solo de teclado y el excelente solo de Huh Jun, para finalizar con mucha mayor intensidad. Excelente canción, de composición exquisita.

"Kkumkkuneun Sonyeo" es una buenísima balada, principalmente acústica, donde se puede apreciar muy bien la genial voz de Yoon Do Hyun. Genial el solo y la progresiva introducción de instrumentos. Inmediatamente viene "Garijijom Ma" donde introducen el sonido de la harmónica, geniales slaps del bajo y como siempre, la impresionante voz, que llena de vida al tema. Huh Jun se luce con otro buenísimo solo y notable es el cambio al final, donde los riffs se tornan más pesados y con un grandioso solo de teclado. Un corte lleno de energía, de mis favoritos.

Luego viene "Bada" similar a "Garijijom Ma", pero con más presencia de los riffs en los estribillos y coro. Genial el cambio de ritmo, donde la guitarra toma más suavidad, para luego llegar al clímax con un enérgico solo con teclado incluído y esa batería que impregna fuerza. Entretenido tema. "Sesangsogeui Ai" es otra balada que abre con un solo de guitarra lleno de feeling, para después pasar a unos toques más acústicos dejando notar una grandiosa melodía, inspiradísima donde para variar, la voz se luce tanto por su técnica como por su interpretación. Hermoso tema.

Y sin descanso sigue "Cheolmuneul Yeoreo" que mantiene la línea Hard Rockera típica de la banda, con buenos riffs, un ritmo intenso y un coro enérgico. Algo muy destacable es el poderoso solo, de buenísimos punteos, donde Huh Jun sigue demostrando su grandiosa habilidad y sensibilidad. "Meoriapa" toma aspectos más cercanos al Rock n' Roll, con gran presencia del teclado y de un ritmo más acelerado que de costumbre. El solo también brilla, como todos los anteriores y el término, donde aumenta aún más la velocidad. Energía, fuerza, etc, gran tema.

"Dasi Hanbeon", otra balada de una hermosa melodía y toques más blueseros en su composición. Genial el coro, al que se van sumando voces que le dan más intensidad. Buenísimo tema.

En resúmen, "Vol. 2 - Long Journey" es un excelente disco, con grandiosos temas uno detrás de otro sin parar, que muestran un Rock potente, de una composición exquisita y variada, además de melodías para el recuerdo. Las baladas son otro punto notable, no tienen ningún desperdicio. En general me parece un disco grandioso, absolutamente recomendado.

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King's X - Dogman [1994]

01.Dogman
02.Shoes
03.Pretend
04.Flies And Blue Skies
05.Black The Sky
06.Fool You
07.Dont' Care
08.Sunshine Rain
09.Complain
10.Human Behavior
11.Cigarettes
12.Go To Hell
13.Pillow
14.Manic Depression


King's X, el power trio formado por Doug Pinnick (voz y bajo), Ty Tabor (voz y guitarra) y Jerry Gaskill (batería), es una de esas bandas que, a pesar de contar con un gran reconocimiento de la crítica que los sitúa como una de las bandas fundamentales en definir el sonido del Grunge y Rock Alternativo en los 90, nunca ha tenido el suficiente éxito comercial que los haga conocidos a nivel masivo. Sin embargo, uno de los discos que logró darles un mayor empuje fue "Dogman" aparecido en 1994, el cual mostró cambios a nivel del sonido de la banda, mucho más acordes con la época y es considerado hoy como uno de sus clásicos.

Si bien la banda desde sus inicios en "Out Of The Silent Planet" de 1988, ha mostrado una genial combinación de elementos entre el Hard Rock, Metal, Funk Gospel, Blues, Soul y toques Progresivos, en "Dogman", sin dejarlos de lado, toman un sonido mucho más pesado y metalizado, algo que recae principalmente en los fuertes riffs de la guitarra y en la batería mucho más marcada, sumado a un creativo trabajo en la composición musical y melódico, de buenísimas armonías vocales. Sin olvidar la importante participación Brendan O'Brien (Pearl Jam, Stone Temple Pilots) quien supo darle al disco el toque necesario para que enganchara con lo que se escuchaba en ese entonces.

Entonces vamos con los temas más destacables a mi juicio del disco.

Partimos con el primer track, "Dogman" que es una grandiosa muestra del nuevo sonido del grupo. El tema no se da rodeos en comenzar intensamente con un fuerte riff y Pinnick recitando ya los primeros versos con su estilo muy Soul, lo que ya deja notar la energía y fuerza de la banda. Excelente trabajo melódico, sobretodo en el coro y en la guitarra que hará de la delicias de quienes disfrutan del Grunge. Gran tema y un poderoso comienzo.

Avanzamos un poco y tenemos a "Pretend" algo más relajado en sus riffs, pero de gran energía y una melodía que atrapa al instante, algo que se refleja bastante en coro que fácilmente puede quedarte dando vueltas en la cabeza. El solo también es otro aspecto notable, donde Tabor muestra gran parte de su virtuosismo y la batería que sigue un ritmo constante durante todo el tema. Buenísimo.

Continuamos con "Black The Sky" un tema bastante pesado donde Tabor utiliza una guitarra de siete cuerdas, trabajando con ello unos riffs y acordes con otros patrones que alcanzan nuevas posibilidades sonoras. El aspecto melódico tan excelente como costumbre, en el que Pinnick se sigue luciendo, tanto con su voz profunda y limpia que contrasta genialmente con el estruendo de los riffs, además de un trabajo sublime en el bajo. Buenísimo tema que muestra aspectos musicales aún más innovadores en el sonido de la banda.

Inmediatamente sigue "Fool You" con un cierto parecido a "Pretend" pero algo más suave en su sonido. Acá destaca sobretodo el inspiradísimo coro, donde Pinnick se sigue luciendo, pero además creando hermosas armonías vocales y con una sensibilidad melódica que sigue asombrando. Genial tema, de mis favoritos. Después tenemos "Don't Care", mucho más cercano al Metal, con una batería más pesada y una guitarra de notas más arrastradas, pero manteniendo su lado melódico caracterísitico. Genial es el final con esos coros que recitan "Ohh Yeah" con gran intensidad y el alargue que repite los patrones iniciales de la guitarra, donde Jerry Gaskill destaca por su trabajo en la batería. Otro tema espectacular.

Más adelante está "Complain" con un toque bastante Hard Rockero, que suda energía por cada una de sus notas. Notable coro, ultra melódico, de esos que también pueden quedar rondando en tu cabeza con facilidad y el solo maestrísimo de Tabor. Entretenidísimo corte, de esos que suben el ánimo por su aire a fiesta.

"Human Behavior" es otro tema con pesados riffs arrastrados y pequeños espacios donde la voz suena sin acompañamiento, lo que recuerda a ciertos aspectos del Blues. Excelente corte, con un aire muy Grunge y poderoso trabajo en la guitarra. Seguimos con "Cigarettes", la canción más lenta de todo el disco, de un aire mucho más melancólico en relación al resto, pero con fuerza de todas maneras y una melodía exquisita, que se deja ver bastante en el coro. Lo más destacable es el trabajo en la guitarra, con un solo espectacular y que también muestra la capacidad de Tabor para crear atmósferas ya para el final del tema. Buenísimo, rompe un poco el esquema.

Y tenemos a "Pillow" otro con toques en la guitarra que rápidamente pueden recordar al sonido metalizado de Alice In Chains por ejemplo. Aquí podemos escuchar otro trabajo armónico en las voces de lujo y riffs que crean un muro sónico apoyados de una batería pausada, pero a la vez pesada. Genial tema.

En general, "Dogman" de King's X es a mi parecer un trabajo excelente, con un trabajo musical que impresiona por su versatilidad y creatividad, además de un trabajo melódico que destaca de sobremanera, con el que muchos temas atrapan de forma instantánea, por lo menos conmigo así resultó. Lo recomiendo absolutamente, me encantó rápidamente a la primera escucha y con él conocí a la que ahora forma parte de mis bandas favoritas.

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SIAM SHADE - SIAM SHADE VI [2000]

Side I

01.GET A LIFE

02.Fine Weather Day

03.Outsider

04.Shangri-La

05.Allergy
06.BLACK

07.SEXUAL SNIPER

08.Triptych

Side II

01.Fly High

02.MOON

03.Setsunasa Yorimo Tooku e (Album Version)

04.I Am I

05.1999

06.Heaven

07.LOVE IS POWER

08.Kumori Nochi Hare

Hacia finales de los años 90 y durante el año 2000, Siam Shade se encontraba en su momento de máxima popularidad, cosechando gran éxito con sus lanzamientos desde 1997 e inscribiendo su nombre como una de las bandas más reconocidas de la escena Rockera japonesa. Dentro de este contexto, sale a la luz su sexto larga duración titulado "SIAM SHADE VI" con el que seguirían manteniendo su vigencia en ese entonces, consiguiendo incluso participar en el "Pusan International Rock Festival" en Corea, convirtiéndose en la primera banda de Rock japonesa en tocar en ese país. Lamentablemente, este sería su último disco de estudio antes de su separación en el 2002.

En "SIAM SHADE VI", la banda muestra dos aspectos de sí misma y por eso que el disco se divida en dos partes. El Side I es el lado más agresivo donde la banda explora sonidos mucho más estridentes que se acercan sin pudor a estilos como el Metal o el Hardcore que, si bien es posible escuchar algo de eso en anteriores trabajos, aquí se hace mucho más patente. Por otra parte, el Side II es el lado más melódico bastante característico de la banda, abarcando estilos como el Hard Rock, Funk, un poco de Soul y Pop. Contrastes, a mi juicio, muy bien llevados, que enseñan tanto las nuevas como las antiguas líneas musicales por las que ha transitado la agrupación a lo largo de su carrera.

En este sentido, destaca también el impecable trabajo en la composición de los temas que, musicalmente hablando, son muy ágiles y versátiles, donde los músicos demuestran una grandiosa habilidad técnica con sus instrumentos, existiendo mucho equilibrio entre los mismos. Por otra parte, el aspecto melódico es, a mi parecer otro de los puntos más notables, muy bien pensado, de muy fácil escucha, que hacen al disco algo muy memorable y de rápido enganche.

Ahora vamos con los temas más destacables según mi parecer.

En el Side I, partimos, "Get A Life" un temazo bastante pesado que te vuela la cabeza con sus fuertes riffs iniciales, su potente batería, la voz de Hideki, más raspada que de costumbre y con una notable influencia del Metal. Un tema poderoso, rápido y enérgico, con un genial coro que grita con fuerza "Don't you fuck with me!" y un excelentísimo solo de Daita, lleno de feeling, apoyado por una guitarra rítmica asombrosa, llena de cambios. Un buenísimo tema, de mis favoritos.

Seguimos con "Outsider" algo más extraño que abre con unos geniales slaps del bajo y una batería constante, con cambios de ritmo en el coro, con riffs mucho más pesados. Lo mejor es el solo, donde el tema cambia abruptamente a una sección de Jazz, para luego retomar los riffs pesados. Excelente. Sigue "Shangri-La" que continúa con esta veta más pesada, aunque aquí la voz es mucho más relajada en general, sobretodo en el coro. Acá nuevamente tenemos un poderoso solo y una guitarra rítmica notable. Otro grandioso tema, muy bueno.

Continúa "Allergy" que se acerca mucho al Hardcore, por sus riffs y los coros que utiliza. Genial es el solo que va pasando por distintos cortes y cambios de ritmo con mucha agilidad y más pesadez en los riffs y la batería, que dan ganas de cabecear. Un tema intenso, rápido y enérgico, de mis favoritos.

Más adelante está "SEXUAL SNIPER", que abre con la batería y que va introduciendo de a poco unos riffs que luego desembocan en otros mucho más pesados. El estribillo está construido con unos tiempos bastante extraños y que varían al acercarse al coro. Por su parte, el solo también es algo extraño, no muy convencional, apoyado de una genial base de bajo, unas capas sónicas bastante curiosas y cambios de ritmo constantes, donde se nota un gran trabajo en la batería de Junji Sakuma. Gran tema, otro de mis favoritos.

Para finalizar el Side I, viene "Triptych" un instrumental con un sonido bastante "satrianizado", que deja notar la maestría de Daita en las seis cuerdas. Un tema tecnicamente impecable, de una melodía muy ganchera y mucho feeling. Buenísimo.

En el Side II, tenemos a "MOON" un tema con las revoluciones más bajas, con la voz de Hideki bastante más relajada con la que realmente se luce, muy melódica, pero igualmente rockera. El coro también es un punto fuerte, bien memorable y pegajoso, con unos buenos riffs de fondo y el climax llega en el momento del solo, uno de los que más me gusta el disco, en el que el resto de los instrumentos también se luce. Excelente.

Continúa rápidamente "Setsunasa Yorimo Tooku e" uno de los singles del disco, que continúa la senda más melódica, pero mucho más rápida que la anterior. El tema tiene una estructura bastante Pop, con un coro muy pegajoso y construida a base de un tapping que suena constantemente. El solo genial, sencillo, pero inspiradísimo. Avanzamos y aparece "I Am I", un corte que recuerda bastante a "MOON", donde Kazuma se toma las voces. Bastante melódico, de buenos riffs y un solo con un genial tapping. Buenísimo tema.

Mas adelante, "Heaven" con el lado más Soul y Funk de la banda. Aquí se introducen trompetas, unas voces femeninas que apoyan el coro y pulsos constantes del bajo. El coro demasiado pegajoso y el solo excelente, otro de los mejores del disco. Genial es el trabajo general de los intrumentos, musicalmente este tema es una de las joyas del disco.

Finalizamos con "Kumori Nochi Hare", corte mucho más tranquilo y lento que la gran mayoría, pero ultra melódico, sobretodo el coro y el solo, de bases algo blueseras. Una gran canción que finaliza de la mejor forma el disco.

En fin, "SIAM SHADE VI", me parece un disco redondísimo, lleno de excelentes temas, todos musicalmente muy versátiles, que abarcan distintos estilos que lo hacen muy variado, donde hay fuerza, energía y una poderosa vibra rockera. En general, creo que este disco es una gran muestra de cómo la técnica está siempre al servicio de la melodía.

Recomendado absolutamente, es uno de mis discos favoritos de una de mis bandas favoritas como, creo, podrán haber notado.

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Candlebox - Candlebox [1993]

01.Don't You

02.Change

03.You

04.No Sense

05.Far Behind

06.Blossom

07.Arrow

08.Rain

09.Mothers Dream

10.Cover Me

11.He Calls Home

Durante la primera mitad de los años noventa, en plena explosión del Grunge, hubo muchas bandas que se formaron dentro de ese periodo y que, dada su propuesta, fueron encasillados dentro de lo que se llamó Post-Grunge, término que cobraría mayor fuerza luego del fallecimiento de Kurt Cobain, líder de Nirvana. Una de las bandas más conocidas de este subgenero es Candlebox, formada en ese entonces por Kevin Martin (voz), Peter Klett (guitarra), Bardi Martin (bajo) y Scott Mercado (batería), quienes hacen su debut homónimo en 1993, consiguiendo cuatro discos de platino y, junto con ello, gran reconocimiento internacional.

"Candlebox" es un disco que reúne principalmente aspectos del Hard Rock con reminiscencias setenteras y aspectos cercanos al Blues, con un sonido contemporáneo a la época, pero mucho más melódico y suave en sus distorsiones, aunque no por ello menos enérgico y poderoso. Dentro del trabajo musical, destaca mucho la genial guitarra de Klett, tanto en su composición como en su feeling y la voz de Martin, que dota a cada tema de gran fuerza.

Entonces, revisando los temas más notables, el disco abre con uno que rápidamente puede atrapar al oyente, "Don't You" con unos poderosos riffs al comienzo y Martin recitando con energía cada verso que, más adelante, desemboca en un grandioso solo de gran feeling y con una melodía muy noventera, para luego terminar con mucha más fuerza. Excelente tema para comenzar, entretenido, enérgico, muy bueno.

Continuamos con "Change" de un suave estribillo hecho a base de unos arpegios y que aumenta su intensidad en el coro donde se escuchan fuertes riffs y una batería más pesada. Gran solo y potente interpretación. Sigue "You" algo similar a la anterior en estructura, aunque ahora suenan unos punteos muy pegajosos al comienzo y el tema posee una melodía muy memorable aunque menos intensa.

Luego viene "No Sense" una de mis favoritas que comienza con unos suaves arpegios y acordes, similares a "Change" y donde el bajo cobra mayor protagonismo. El coro también toma fuerza, pero mantiene en general una línea más relajada. Lo mejor es el solo donde unos finos punteos con aires blueseros comienzan a sonar para luego tomar un sonido mucho más rockero y donde la batería y el bajo se toman las bases en los cambios de ritmo. Muy buen tema, de los que más me gustan del disco.

"Far Behind" es un tema con aspecto a balada, bastante más lento que la gran mayoría, pero con mucha intensidad, aunque con un aire algo melancólico. El solo es uno de los mejores a mi gusto de todo el disco, lleno de puro feeling y una melodía buenísima, donde Klett demuestra su gran destreza. Gran tema, muy bueno.

Más adelante "Arrow" un tema muy rockero que se asemeja a "Don't You" aunque con más energía aún, geniales riffs, un ritmo constante y Martin cantando más fuerte aún. El solo también excelente, lleno de fuerza y de expléndida ejecución. Otro corte buenísimo, de los que más me gustan.

Continúa inmediatamente "Rain" un tema muy bluesero, toques que se notan sobre todo en la guitarra y en los tiempos utilizados. El tema abre muy tranquilo y va tomando fuerza mientras avanza, luego viene un solo muy bluesero donde queda una vez más demostrado la habilidad de Klett en las seis cuerdas. Posteriormente el la canción cambia de ritmo completamente y se torna mucho más rockera y donde la guitarra sigue teniendo enorme protagonismo con otro excelente solo. Espectacular corte, muy muy bueno.

"Mothers Dream" es un tema más pesado en general, donde también el bajo toma mucha importancia y Martin canta mucho más bajo de lo usual. Otro tema muy bueno, buena guitarra como siempre, energía, fuerza, etc. "Cover Me" es una especie de balada con toques acústicos, una intepretación bastante más suave y una melodía muy buena, bien memorable y para variar, un buen solo. Y dentro de la misma lína, finaliza el disco con "He Calls Home" de un grandioso trabajo musical, completamente acústico y relajado, la mejor forma de terminar con un disco buenísimo.

En resúmen, "Candlebox" es un trabajo muy notable, de composiciones muy bien trabajadas, donde destaca mucho la gran guitarra, melodías muy fáciles de escuchar y varias bien pegajosas. Independiente de las etiquetas, este disco me parece una muy buena muestra de Rock de la época. Muy recomendado.

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Radomir Mihajlovic "Tocak" - R. M. Tocak [1976]

01.Oro
02.Aria Daimond
03.Svrabez
04.Neki Paraziti
05.Organizam Blues
06.Modifans

Radomir Mihajlovic Tocak, guitarrista y fundador de la banda de Rock-Blues, Smak, a principios de los 70, es considerado uno de los músicos más influyentes dentro de la escena rockera de Yugoslavia, sobretodo por su gran virtuosismo y su técnica sin uñeta a la hora de tocar. Paralelamente al funcionamiento de su banda, comenzó una carrera solista a mediados de la misma década, lanzando el presente disco instrumental "R. M. Tocak", reuniendo a notables músicos como Slobodan Stojanovic "Kepa" en la batería, Zoran Milanovic con el bajo y Laza Ristovski en los teclados. Con este álbum demostró que no tan sólo es un grandioso guitarrista, sino que un versátil músico, consolidando aún más su nombre.

Cuando digo versátil es debido a que el disco logra explorar diversas texturas, ya sea del Hard Rock, toques de Blues, Jazz, Funk, Folk con una gran agilidad en la composición, no sólo al trabajar la guitarra, sino que el resto de los intrumentos que lo acompañanan, además de ciertos toques progresivos. El trabajo musical me parece sencillamente notable, donde hay una gran destreza técnica al servicio de la melodía, haciendo a este trabajo bastante interesante de escuchar.

Por lo mismo, pasando a revisar sus temas, el primero, "Oro", con ciertos toques Folk, es un tema que abre rapidísimo, construido con tiempos difíciles de seguir y una batería que parece estar marchando todo el tiempo y de un notable trabajo con los cambios. El trabajo de la guitarra también se luce, con unos punteos precisos y llenos de intensidad. Es un corte que no da tregua, muy bueno.

"Aria Diamond" es un corte muy melódico donde la guitarra adopta una lína musical bien definida y mucho más sencilla de seguir que el corte anterior. Notables los teclados que están siempre detrás de cualquier movimiento de la guitarra y con cierto sonido psicodélico, como también la batería que continúa demostrando maestría. Notables cambios de ritmo, sobretodo en desde el minuto 4:28 donde el tema parece otro. Muy muy bueno.

"Svrabez" parece mucho más funk donde el bajo se toma las bases y la guitarra ahora con un sonido más sucio, con el incansable trabajo de la batería. Genial el silencio para el solo donde Tocak se pasea por aspectos muy blueseros de manera notable. Más o menos en la misma línea viene "Neki Paraziti", pero con una mayor presencia del teclado. Ambos temas con harto groove, muy entretenidos y de genial trabajo musical.

Sigue "Organizam Blues" que, como podrán notar, es un tema bastante bluesero con una guitarra bastante melódica a lo largo de los siete minutos que dura. Acá hay concentración plena en las seis cuerdas, mientras que el resto de los instrumentos bajan las revoluciones. Un tema muy oreja y de estructura más sencilla, muy bueno también.

Finalizamos con "Modifans" tema que recupera el groove de "Svrabez" o "Neki Paraziti", con geniales cambios de ritmo. La batería como siempre espectacular, el teclado de repente adquiere protagonismo con pequeños solos y el bajo con geniales bases, mientras que la guitarra va oscilando, funcionando en algunos momentos atmosféricamente y, en otros, rompiendo todo con unos geniales punteos. Buenísimo corte para dar término a este fantástico álbum.

En resúmen, el primer disco de Radomir Mihajlovic "Tocak" es una excelente muestra donde la técnica y el feeling se unen, creando temas entretenidísimos, pero que además poseen un trabajo musical interesante por toda su construcción y composición, a veces bastante compleja. Un álbum buenísimo a mi gusto, genial para quienes disfrutan de bandas con un sonido a la Deep Purple y aspectos más progresivos. Ultra recomendado!

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Van Halen - 1984 [1983]

01.1984

02.Jump!

03.Panama

04.Top Jimmy

05.Drop Dead Legs

06.Hot For Teacher

07.I'll Wait

08.Girl Gone Bad

09.House Of Pain

Durante finales de los 70 y principios de los 80, una de las bandas que dio que hablar debido a su grandiosa versatilidad y virtuosismo a la hora de hacer Hard Rock fue Van Halen, quienes dejaron sorprendidos a muchos desde su debut en 1978. Fue justamente este primer periodo que abarcó desde el año antes mencionado hasta 1983 donde la banda cosechó su mayor éxito y es el lanzamiento del presente álbum, "1984" el último que sacarían antes de la salida del carismático David Lee Roth de la agrupación. El disco se convertiría en uno de los más vendidos de la banda, del cual se desprenden clásicos inmortales como "Jump!" o "Panama", temas considerados estandartes de la música popular de la ya lejana década de los ochenta.

El álbum conjuga de la mejor forma lo que Van Halen venía haciendo desde principios de su carrera: un Hard Rock directo a la vena, entretenido, de melodías muy memorables y con esos elementos musicales tan característicos de la banda. Destaca la siempre imponente y versátil guitarra de Eddie Van Halen, la poderosa batería de Alex Van Halen en la batería y grandiosa interpretación de David Lee Roth en la voz.

Aún así, la gran diferencia que presenta "1984" respecto de sus antecesores es la presencia constante del sintetizador. Si bien este elemento había sido utilizado en ciertos temas anteriores, aquí podemos escucharlo a lo largo de todos los temas del disco.

Entonces, pasando a revisar temas destacables, partimos con "Jump!", un temón que no tiene mayor presentación. Su comienzo es la mejor muestra del uso de sintetizadores, puesto que abren el tema y que incluso se toman un solo justo después del de guitarra. Gran melodía, un espectacular comienzo.

Continuamos con otro de mis cortes favoritos, "Panama", lleno de energía y feeling en esos riffs del comienzo y en ese ritmo que mantiene la batería durante prácticamente todo el tema. Genial el coro que recita con fuerza "Panama" donde el tema parece liberarse y el excelente solo en el que podemos disfrutar de la grandiosa habilidad de Eddie en las cuerdas. Un corte intenso y enérgico, entretenidísimo. En seguida viene "Top Jimmy", un tema que abre calmadamente con unos excelentes armónicos y que en el cobra fuerza en el estribillo y el coro, además de un genial solo con un cambio de ritmo en la batería muy bluesero. Muy buen tema, bien entretenido.

El siguiente sencillamente es uno de mis favoritos, "Hot For Teacher". Abre con unos redobles de batería con un ritmo muy jazzero y luego el poderoso tapping de Eddie, para pasar a unos potentes riffs. El tema en su construcción posee constantes cambios de ritmo, tanto en el coro como en el estribillo y el solo, que por cierto es uno de los mejores de todo el álbum. Aquí la batería sencillamente se luce por su gran trabajo y ejecución. Una canción entretenida, llena de aires de fiesta y muy genial musicalmente hablando.

Luego viene "Girl Gone Bad", un tema también intenso que demuestra mucho la versatilidad compositiva de la banda a la hora de cambiar ritmos y de tocar sus instrumentos. Poderoso el solo y esa batería implacable que lo acompaña. En fin, buenísimo como todos los anteriores.

Y seguimos finalmente con "House Of Pain" un tema más o menos pesado (claro, dentro de los parámetros de Van Halen) con unos buenos riffs que se repetirán a lo largo de este. Notables los cambios de ritmo tanto para el solo como para después de él. Otro temazo que me parece muy versátil en su composición.

En general, este álbum me ha parecido un excelente trabajo donde se reúnen tanto la técnica y el virtuosismo con mucho feeling y geniales melodías. Al escucharlo es fácil comprender por qué fue tan exitoso en su época y es que posee temas demasiado entretenidos y muy memorables, no es extraño de que aquí salieran aquellos clásicos mencionados anteriormente, realmente se lo tienen muy merecido. Ultra recomendado.

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Fuzzy Control - Chicken [2003]

01.Bakyarou

02.Indian Fu Chicken

03.Uk

04.Feel Your Mind

05.Woo!!!

06.Deirei

07.Hamori No Are - To Ball Now

08.You Get Away

Dentro del enorme cúmulo de bandas nuevas independientes en el país del sol naciente, Fuzzy Control, agrupación formada por JUON (guitarra, voz), SATOKO (batería) y JOE (bajo), es una de las que se ha hecho de un gran reconocimiento a lo largo de los pocos años que llevan de carrera. En 2003 sacan "Chicken" su primer disco, aunque su real debut no sería considerado sino hasta el lanzamiento de "First Control" de 2004, no obstante, en el presente disco ya muestran gran parte del potencial que tienen por ofrecer.

En Chicken la banda hace gala de temas inspiradísimos, con una gran vibra rockera, de harto groove y energía, compositivamente versátiles y creativas, que presentan una mezcla de estilos que van desde el Hard Rock, mucho Funk, Blues, Pop y alguno que otro toque Ska. Dejan notar en este aspecto, claras influencias de bandas como Rage Against The Machine, Red Hot Chili Peppers o Jimi Hendrix, entre otros. En cuanto a lo musical, a mi parecer la banda sorprende con un formidable desplante en cada uno de los instrumentos, con muy buena técnica y poderoso feeling que queda plasmado en cada tema.

Entonces, vamos con los temas destacables. "Bakyarou", un tema muy enérgico que entra con fuerza desde el principio y donde ya se notan los toques Funk y Hard Rockeros, sobretodo en el el trabajo de la guitarra y el bajo, además de una batería que le va dando intensidad al tema. Posee un estribillo bastante melódico y un coro entretenido que recita el nombre de la canción. Gran tema para partir, aunque es sólo una muestra.

"Indian Fu Chicken" es otro tema bastante entretenido, de una veta principalmente Rockera, donde destaca mucho el trabajo de la batería en el estribillo y el genial solo con harto groove y con una "suciedad" muy bluesera. Continuamos con "Feel Your Mind", un tema muy Funky en el que el bajo toma prácticamente toda la dirección, con notables cambios a lo largo de este, y una notable participación durante el estribillo, apoyado por una genial guitarra rítmica. Geniales los riffs y el solo que también suda Funk y la batería siempre presente con variados juegos de ritmo. Uno de mis temas favoritos por la agilidad que posee, muy muy bueno.

Sigue "Woo!!!" un corte que desde el comienzo muestra sin tapujos toques RATM en su estilo. Aquí hay mayor participación de las voces, donde tanto el guitarrista como el bajista y la baterista cantan sus fraseos con un leve toque a rap. Genial la fuerza que toma el tema en el coro y el solo acompañado de unos entretenidos wah wah, muy a la Tom Morello y lo mejor también viene justo cuando el tema parece terminar donde hay una sección muy Funk. Muy entretenido.

"Deirei" es otro de mis favoritos. El tema abre con unos riffs y un estribillo muy melódico con voz en eco, para luego pasar a unos riffs que de repente se cortan para dar paso a unos redobles de batería, juego que se irá repitiendo a lo largo del tema. Aqui la baterista se toma el tema, donde hace gala de una poderosa técnica y manejo, mucho redobles y contrapuntos con increíble energía que van variando. Genial también el solo, muy Funky para variar. Excelente tema, realmente me encanta.

"Hamori No Are - To Ball Now" un tema más relajado que abre con unos arpegios y una voz mucho más grave y muy melódica que desemboca en un coro con gran fuerza en los riffs y unas voces que recitan el nombre del tema. Lo mejor viene en el solo, con unos finos punteos, muy blueseros y que luego siguen en un genial solo, "sucio" y de un feeling maldito, sin dejar atrás la poderosa batería de fondo que sigue con esos juegos de ritmo tan constantes a lo largo de todo el disco y un bajo discreto pero siempre presente. También excelente, de mis favoritas máximas.

Como resúmen, "Chicken" es una muestra de energía, de frescura creativa y compositiva que sumado al feeling y poderoso groove en cada riff o en cada compás de la batería que además poseen una excelente ejecución por parte de cada músico. A mi gusto hay un gran equilibrio entre bajo, guitarra y batería que hace que todos destaquen por igual. Me parece un disco muy entretenido y fácil de escuchar, realmente lo recomiendo mucho.

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Screaming Trees - Dust [1996]

01.Halo Of Ashes
02.All I Know
03.Look At You
04.Dying Days
05.Make My Mind
06.Sworn And Broken
07.Witness
08.Traveler
09.Dime Western
10.Gospel Plow

Screaming Trees, una banda considerada por muchos como una de las forjadoras de lo que sería la escena Grunge y después de nunca haber tenido el éxito mediático de sus contemporáneos, lanza en 1996 la obra que se convertiría en su trabajo cúlmine, "Dust". El álbum en su momento pasó prácticamente desapercibido, obtuvo muy malas ventas lo que provocó que el sello no se interesara más por la banda, lo que terminaría más adelante con la disolución de la misma, pero que, increíblemente, hoy en día es considerado uno de los discos fundamentales de la década.

"Dust" es un disco que muestra el punto más álgido de la evolución de la banda, donde logran reunir de gran forma todas sus influencias que van desde la psicodelia sesentera de The Doors, con el Hard Rock de corte más Zeppelinesco con un aire moderno, al que se le suman toques de Gospel, Folk, etc. Por lo mismo, dentro del trabajo compositivo, podemos escuchar sonidos de clavicordios, pianos, acústicos, percusiones Indias, mellotrones y un sin fin de ricas capas sonoras que logran crear diversos matices.

Otro punto destacable son las notables melodías que convierten al álbum en algo muy efectista, de fácil escucha. Esto apoyado por el genial trabajo de la guitarra y bajo de los hermanos Conner, la sólida batería de Barrett Martin y la voz calma de Mark Lanegan, al que se suma el teclado de Benmont Tench, entre otros músicos invitados. Todo bajo la atenta mirada de George Drakoulias en la producción que logra dar cohesión a cada pieza del disco.

Entonces, siguiendo con la revisión de los temas más destacables, parto con el primer corte, "Halo Of Ashes", un grandioso comienzo donde se muestran rápidamente los sonidos poco convencionales que acompañarán a lo largo del disco. Con un aire hindú gracias al sonido del mellotron, la congas, el djembe, pero que es netamente rockera con los fuertes riffs y la batería constante y enérgica. Gran tema para ir adentrándose en el disco.

Continuamos con "All I Know", tema que fue single promocional. Aquí ya hay mayor fuerza en los riffs, acordes acústicos y un atmorférico teclado de sonido psicodélico. Este es uno de los mejores temas, de un gran sentido melódico y rítmico, y de coro muy memorable que a medida que avanza toma enorme intensidad. Maestrísimo.

"Dying Days" otro tema que abre con acordes acústicos y a Lanegan recitando las frases que forman parte del coro. Geniales son los riffs que antes del coro, le dan fuerza a la voz de Lanegan y las frases que dicen "All these dying days, I walk the ghost town, used to be mi city..." apoyado con las voces de los 21st Street Singers, para luego desembocar en un excelente solo, lleno de feeling de la mano de Mike McCready. Este es uno de los temas que instrumentalmente más me gustan: tiene teclados, acústicos, coros que dan energía, y el sonido de un piano eléctrico, etc, una joya de tema, de mis favoritos.

Seguimos con "Make My Mind", una canción con una excelente melodía y donde se logra apreciar más al cuarteto principal de músicos interpretando con gran maestría. Excelentísimo coro que recita "You make my mind, just wanna leave this world behind..." y el poderoso solo de Conner que sigue la melodía del coro. También de genial factura los coros que apoyan a Lanegan que luego toman protagonistmo al final del tema. Asombroso.

Con "Sworn And Broken" bajamos un poco las revoluciones. Un corte con aspecto a balada, en un comienzo bastante acústico y luego con energía más eléctrica, que además son apoyados con un cello y hermosos coros, que terminan un solo de teclado con ese aire sesentero característico de la banda. Un tema precioso en todo aspecto.

"Witness" vuelve al sonido más básico de la banda, recuperando la energía pero con una batería más incisiva aún. Maestrísimo el coro que es lo que más me gusta del tema y el solo de guitarra. Seguimos con "Dime Western", bastante más psicodélico que el resto. Con harto teclado atmosférico, percusiones y a Lanegan cantando más bajo de lo acostumbrado. Notable.

Cerramos con "Gospel Plow", otro tema con aires indios donde escuchamos el sonido de tablas, harmonio y un bajo que va marcando la pauta. Genial es luego el desarrollo del tema, que sigue con ese bajo constante y unas guitarras con poder que finaliza luego de la misma forma que empezó.

En resúmen, "Dust" es un disco que reúne un trabajo instrumental y compositivo impresionante con melodías memorables que pueden fácilmente encantar a cualquiera que quiera escucharlo. Me parece un grandioso disco que sólo el tiempo le daría la justicia que merecía, una lástima puesto que si hubiese sido así desde un principio, probablemente la historia sería otra. Es de los mejores discos de Rock que he escuchado ahora último, como podrán haber notado, me gustó demasiado, es para mi una obra maestra. Totalmente recomendado.

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Volcano - Violent [2000]

01.The Present

02.Kill All Of Me

03.Ghost

04.Brain Dance

05.Fear Of The Scarlet

06.I Am "What"?

07.Cloud Covers

08.Devil May Care Boy

09.The Prayer

10.Volcano

11.Unchained

Volcano es el proyecto de banda que el guitarrista She-Ja (ex Animetal, ex Gargoyle) comenzaría por allá en el año 1994, pero fue sino hasta la llegada del 2000 que la banda pudo registrar su primer largaduración cosechando muy buena crítica, sobretodo en Europa. Y no es para menos, considerando que dentro de su formación, la banda cuenta con notables músicos como Katsuji (Gargoyle, Animetal) en la batería, Akira (Youthquake) en el bajo y Nov (ex-Aion, Z-Sect) en las voces.

"Violent" es una placa que en términos de estilo, logra reunir con gran versatilidad elementos del Thrash Metal con algunos toques Neo Clásicos, aunando así la potencia y la furia de los riffs con un gran sentido melódico en cada uno de sus temas. Musicalmente el disco presenta un trabajo compositivo sólido aunque de estructura más convencional, muy variado en cuanto a sonidos ya que introduce elementos como teclados y acústicos generando contrastes. Destaca en este aspecto la grandiosa construcción de la guitarra, muy buenos riffs, excelentes solos, muy cuidados y trabajados en todas las aristas tanto técnicas como melódicas además del feeling.

Entonces, comentando los temas a mi parecer más destacables de la placa, parto con "The Present" un instrumental que da introducción al disco y donde una voz masculina recita unos versos que finaliza con un genial "Welcome to this world!" dando paso al siguiente tema. "Kill All Of Me", el segundo corte, abre con unos redobles para tomar un ritmo intenso que se mantendrá a lo largo de todo el tema. Bastante potencia y rapidez, un genial corte que llega a su clímax justo en el solo con esas notas alargadas y una batería imparable. Buenísimo.

"Ghost" es un tema más pesado que continúa más o menos con el mismo tempo del anterior. Geniales son los coros que se escuchan en el estribillo y que apoyan a la voz de Nov, impregnando de más fuerza a los riffs. El solo de guitarra es tan genial como en el primer tema donde demuestra ya sus toques Neo Clásicos, en especial al final con unos poderosos punteos. Otro gran tema.

"Fear Of The Scarlet" ya no es tan rápida como las anteriores aunque mantiene ese aire pesado de los otros. Posee un gran trabajo en la melodía, que se nota tanto en la guitarra como en la voz. Notable es el momento antes del solo donde hay un cambio de ritmo y se escucha un genial teclado acompañado de arpegios acústicos y los gritos de Nov que dan paso a un espectacular solo, muy melódico, técnicamente impecable, genial, es la mejor parte de todo el tema. Y siguiendo en cierto sentido el mismo plan del anterior, "I Am "What?"" es un tema donde creo que Nov hace uno de sus mejores trabajos del disco. La canción es pesada de todas formas, pero sigue sin aumentar el tempo y destaca mucho esa batería bien marcada y el genial solo.

"Cloud Covers" otro tema denso, pero que toma un poco más de intensidad que los anteriores. Aquí Nov hace a mi parecer su mejor interpretación de todo el disco, sobretodo el el coro y en los fraseos de antes del solo que como ya es costumbre en este álbum, es buenísimo, aunque ahora apoyado por unos acordes menos distorsionados. Continuamos con "Devil May Care Boy" que aumenta la velocidad a raudales abiendo con unos blast beats y con un trabajo notable del doble bombo y los riffs en los estribillos que luego pasan a un coro bastante melódico. Para qué decir del resto, impresionante.

"The Prayer" uno de mis favoritos de la placa. Abre con unos tappings que luego introducen la potencia de la batería y unos fuertes riffs. Sencillamente espectacular el momento antes del solo donde se escucha la voz de un niño recitando un poema, apoyado por unos coros de fondo que al momento de llegar a lo más alto, She-Ja se manda un solo de esos espectaculares que abundan en toda la placa, para volver a los tappings del comienzo. Sublime, es un tema buenísimo. "Volcano" sigue manteniendo la velocidad, la fuerza y la potencia de los otros temas. Notables los riffs apoyados con los coros y lo mejor es la sección instrumental antes del solo donde un violín junto a unos sonidos acústicos contrastan la pesadez general, para luego pasar a otro grandioso solo, melódico, lleno de feeling, técnicamente impecable, en fin, maestrísimo.

Finalizamos con "Unchained" un instrumental acústico de hermosa melodía que muestra un gran complemento entre ambas guitarras. Una lástima que sea tan corto, pero que corona de forma soberbia al disco.

"Violent" es un disco redondo a mi parecer, tiene un desplante musical asombroso, melodías muy memorables, una guitarra sencillamente espectacular, etc. Es un trabajo muy cuidado en la composición y en sus arreglos que, como habrán podido notar, me gustó en demasía, es uno de mis discos fundamentales. Total y absolutamente recomendado.

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Whitesnake - 1987 [1987]

01.Still Of The Night

02.Bad Boys

03.Give Me All Your Love

04.Looking For Love

05.Crying In The Rain

06.Is This Love

07.Straight For The Heart

08.Don't Turn Away

09.Children Of The Night

10.Here I Go Again 1987

11.You're Gonna Break My Heart Again

Whitesnake, la banda liderada por el ex Deep Purple, David Coverdale comenzaba poco a poco a acercarse al mercado estadounidense durante los 8o. Pero no fue hasta la salida del presente álbum "1987" con el que la banda daría el salto definitivo hacia la fama en aquel país, realizando junto con ello un cambio de estilo tanto musical como estético que los acercaría los movimientos imperantes de aquella época como el Metal y el Hard Rock melódico. De este modo, resultó un trabajo que no sólo está muy ad hoc con lo que sonaba en ese entonces, sino que también marcaría pauta, saliendo de allí muchos de sus temas más famosos y recordados.

Junto con músicos como John Skye en la guitarra, Aynsley Dunbar en la batería, Neil Murray en el bajo y Don Airey con los teclados, "1987" es un disco muy inspirado que a pesar de utilizar los típicos elementos del Hard Rock melódico, posee una gran creatividad en la composición de los temas, un trabajo cuidado en las guitarras, un increíble desplante vocal y melodías a mi parecer, tan bien pensadas que lo hacen muy fácil de escuchar, entretenido y muy memorable.

Revisando los temas más destacables, el álbum abre con "Still Of The Night", un tema enérgico que comienza con la potente voz de Coverdale y que sigue de un riff muy pegajoso y una batería con un compás bien marcado, algo que se mantendrá a lo largo de todo el tema, llegando a un notable solo, primero de teclado y luego de guitarra. El tema me encanta, es uno que rápidamente logra enganchar y deja ver claramente la dirección del disco.

"Bad Boys" es otro tema potente que mantiene un poco la lína del anterior en ese aspecto, pero mucho más rápido y con un trabajo melódico notable, sobretodo en el coro. Buenísimo corte también, entretenidísimo y lleno de feeling. Continuamos con "Give Me All Your Love Tonight" que baja un poco la intensidad, pero mantiene un rítmo constante y puede notarse mayor participación del teclado, además de un Coverdale que sigue interpretando con maestría cada frase de las líricas.

La siguiente canción, "Looking For Love" es una balada que baja completamente las revoluciones donde se sigue apreciando lo buen cantantante que es Coverdale, apoyado de finos arpegios, una batería muy marcada y un teclado que funciona de forma atmosférica. Notable el final donde la guitarra agarra mayor intensidad con unos punteos, notándose un genial trabajo por parte de Skye. Y continuando en la misma línea, "Is This Love" es otra balada que posee una melodía endemoniadamente pegajosa, donde el bajo y el teclado crean un aire muy calmo y la guitarra pone una cuota de emotividad en los solos. Buenísimo, sinceramente ese tema es uno de los que más me encanta de la placa.

"Straight For The Heart" recupera la energía de los primeros temas y ya partimos con un estribillo intenso que desemboca en un coro que va tomando más fuerza y luego un solo de complejos punteos y gran feeling. "Children Of The Night" mucho más agresiva, tanto en los riffs como en la batería constante. Notable es el coro que recita "Are You Ready To Rock? Children Of The Night" donde dan ganas de decir "Yeah!!!". Otro de mis favoritos, realmente genial.

El siguiente tema "Here I Go Again 87" lleva ese nombre, puesto que es una nueva versión del mismo, aparecido en uno de sus anteriores trabajos "Saint And Sinners". Su trabajo es espectacular, abre con un un emotivo solo de teclado y la voz de Coverdale, para luego introducir la guitarra y la batería llevando al tema a ser uno netamente de Hard Rock. Gran corte también, muy buena versión.

Terminamos con "You're Gonna Break My Heart Again", rápida y con una dirección melódica muy clara. Gran trabajo en el coro y en la guitarra, me parece un genial tema que cierra de forma magistral el álbum.

No puedo escatimarme en elogios para este potente trabajo. Posee energía, ritmos que siguen una línea definida, pero que logran variar lo suficiente, un trabajo musical muy destacable, melodías pegajosas que convierten a "1987" en un disco entretenido y directo, de esos que rápidamente pueden quedar dando vueltas en tu cabeza. A mi realmente me encantó, creo que es una excelente muestra de Hard Rock y como siempre, lo recomiendo mucho, de seguro puede sorprenderlos.

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Gruntruck - Push [1992]

01.Tribe
02.Machine Action
03.Racked
04.Crazy Love
05.Above Me
06.Gotta Believe
07.Break
08.Slow Scorch
09.Follow
10.Body Farm
11.Lose
12.Push

Luego del lanzamiento de su primer LP de 1990, titulado "Inside Yours" y tras haber alcanzado un cierto renombre, la banda formada por el ex Skin Yard, Ben McMillian (voz, guitarra), Tommy Niemeyer (guitarra), Tim Paul (bajo) y Norman Scott (batería), saca su segundo álbum titulado "Push" dos años después, con el que obtendrían por fin un mayor reconocimiento. Respaldados por el boom del Grunge en esos tiempos, la banda se haría un espacio importante, aunque sin llegar a la exposición mediática de sus contemporáneos.

Con este disco la banda toma un rumbo musical mucho más agresivo y pesado en relación al anterior, donde se logra apreciar una orientación hacia los riffs, de sonidos cercanos al Metal, y ritmos en general más rápidos. También destaca el trabajo general de la composición, con temas a mi gusto bien construidos, sencillos y con un resultado potente.

Revisando las canciones detacable, el tema que abre el disco "Tribe" muestra claramente esta línea musical descrita anteriormente. Abre con unos fuertes riffs en los que pareciera estar escuchando alguna banda de Thrash Metal, pero ya en el estribillo el tema adquiere este sabor de Rock Alternativo de los 90. Posee una genial melodía y un coro muy pegajoso, en general, es un tema ideal para dejarse llevar por el álbum.

"Racked" abre con unos compases de la batería, para luego ingresar un riff que se repetirá a lo largo del tema y que luego cambiará en el coro. Entretenido solo y una interpretación vocal de mucha fuerza, uno de mis temas favoritos del disco. Y siguiendo en la misma línea está "Crazy Love" un tema que atrapa, tanto por su melodía como por sus riffs, sencillos y pesados, pero muy memorables. Notable la parte dedicada al solo, donde los riffs aumentan su intensidad. Gran tema, otro de mis favoritos.

El corte siguiente, "Above Me" tampoco es la excepción, algo más lento que el anterior, pero igualmente pesado. Posee un memorable coro con una genial armonía de voces. Buenísimo. "Gotta Believe" también es otro tema que me gusta, aunque no se diferencia mayormente de lo ya escuchado hasta este momento en el disco. Como mucho los constantes riffs del estribillo con Palm Mute y la voz llena de energía.

"Slow Scorch" con es otro tema que baja las revoluciones, pero no suaviza. Abre con unas notas del bajo y unos pesados riffs. Posee uno de los coros más melódicos del disco y la voz en general alcanza tonos más bajos que los anteriores. Buenísimo también, otro de los que más me gustan. "Follow" es otro tema que me agrada. Abre con unos riffs que aumentan su intensidad y desembocan en un solo . Tampoco tiene mucho de distinto a las canciones pasadas, aunque aqui se puede escuchar con mayor presencia el solo de guitarra.

Dentro de la misma línea anterior está "Body Farm", otro tema que me agrada mucho por su fuerza sobretodo en el coro y en su solo con efectos de eco. Finalmente "Lose" es otro corte de mi agrado, buena melodía, buen coro, en general es un tema estándar en el disco pero igualmente destacable. Me gusta mucho el trabajo del bajo y la guitara en el solo. Notable, buen tema.

En general el disco presenta una línea tan marcada, que no varía mucho en realidad, pero aún así no me parece monótono. Los temas tienen momentos notables y melodías entretenidas, además de un trabajo musical más que aceptable, lo que lo convierte a mi parecer en un buen álbum, muy destacable. Lo recomiendo mucho, sobretodo para quienes gusten del Rock Alternativo de los 90 y quieran salirse de lo más conocido.

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