viernes, 3 de octubre de 2008

(the) Melvins - (A) Senile Animal [2006]



01.The Talking Horse
02.Blood Witch
03.Civilized Worm
04.A History Of Drunks
05.Rat Faced Granny
06.The Hawk
07.You've Never Been Right
08.A History Of Bad Men
09.The Mechanical Bride
10.A Vast Filthy Prison


Melvins, la original banda de Seattle, considerada de las pioneras en el sonido del Sludge Metal, Stoner Rock y de gran influencia para el Grunge y Rock Alternativo de las últimas décadas, sigue sacando material que da mucho que hablar y el presente lanzamiento "(A) Senile Animal" no se queda atrás. Para esta ocasión, Buzz Osbourne (voz - guitarra) y Dale Crover (voz - batería), unen fuerzas con los chicos de Big Business, Jared Warren (bajo) y Coady Willis (batería), con quienes siguen experimentando y renovando su música aún con sus más de 20 años de carrera, además de cambiar su nombre a (the) Melvins.

En este disco, la música de Melvins se orienta a temas bastante rápidos y enérgicos en general, que contrastan con la usual creación de atmósferas densas y lentas que tanto los caracterizan, sumado a una fuerte presencia de pesados riffs de la mano de Buzz Osborne y a un trabajo vocal intenso, en el que todos los músicos hacen su aporte. Sin embargo, lo más interesante del disco es la composición hecha a base de dos baterías, con variadas secciones de constantes solos y juegos entre ellas, dándoles un inusitado protagonismo y convirtiendo al sonido en algo mucho más demoledor aún. Es este último aspecto el que le da el toque más innovador a la propuesta de la banda.

Entonces, revisando los temas más destacables del disco, partimos con el primer la genial "The Talking Horse" que abre con unas distorsionadas notas del bajo y la introducción de ambas baterías y las imponentes voces de los coros. Es un tema de fuertes riffs y de un ritmo muy pegajoso, en donde ya podemos escuchar bastante el trabajo en las percusiones, siendo este uno de sus puntos más altos. Excelente comienzo.

"Blood Witch" comienza con unos tiempos más irregulares que son difíciles de seguir en donde las baterístas siguen marcando la pauta, a cuyo trabajo va agregando progresivamente nuevos sonidos, con buenos cambios de ritmo. También hay bastantes cortes entre los riffs donde podemos escuchar más de las percusiones. Buenísimo tema. Continúa "Civilized Worms" que abre para variar, con compases de la batería pero con un ritmo más relajado, algo que también dejan notar los melódicos riffs. Un tema de una melodía de un feeling muy noventero con un buenísimo solo de guitarra, así como los cambios ya cerca del final de la canción donde toma más intensidad y que finaliza con una avalancha de redobles. Excelente también.

El siguiente tema, "A History Of Drunks" es uno de mis favoritos, de un ritmo mucho más rápido y demasiado pegajoso, que a medida que avanza hacia al coro va aumentando su energía hasta desembocar en unos riffs muy gancheros y un solo buenísimo. Genial, de las canciones más entretenidas del disco. Avanzamos con "Rat Faced Granny", bastante más pesado, con riffs mucho más fuertes aún y más rápida que las anteriores. El rabajo de la batería destaca bastante en el puente y a lo largo del tema que sigue experimentando con nuevos sonidos. Notable además los cambios de ritmo hacia el final y el término, donde las baterías se roban la atención con unos buenos redobles. Grandioso.

"The Hawk" parece seguir la línea planteada por la canción anterior, con bastante pesadez en los riffs y baterías que no se detienen ante nada. Aquí también el trabajo de la guitarra sobresale sobretodo por su creatividad para generar melodías atrapantes, sin olvidar la fuerza que impregnan las voces. El final también tiene una mención especial, donde ambas baterías hacen un solo jugando con los compases. Cada vez mejor.

Comienza imediatamente "You've Never Been Right" que sigue el mismo rastro dejado por las dos anteriores. El ritmo pegajoso, muy buenos riffs y el trabajo en la percusión que sigue sorprendiendo. Hacia el final el ritmo se torna mucho más intenso y da gusto escuchar esa interacción entre los riffs y los redobles, muy entretenido por lo demás, que finaliza con otro muro de caja, bombos y platillos. Grandioso tema, sigue mostrando la inspiradísima composición que ronda al álbum en general.

Con "A History Of Bad Men" bajamos las revoluciones y curiosamente, la banda reproduce prácticamente la misma melodía del bajo de su conocido tema "Night Goat" de su aclamado disco de 1993, "Houdini", como una especide de auto homenaje, pero claramente el tema toma otra dirección. Acá las voces tienen mucha mayor presencia y las baterías siguen probando redobles y experimentando detrás de los riffs arrastrados. Muy buen tema.

"The Mechanical Bride" recupera esa lentitud y densidad de Melvins, con esa oscuridad tan característica, voces tétricas y mayor distorsión. Aún así, hay cabida para los momentos donde las baterías prueban con redobles y sonidos. Buen tema, el más largo de todo el álbum. Y finalmente "A Vast Filthy Prison" continúa la misma línea aunque menos lenta, pero con más cambios de ritmo y juegos con los tiempos.

En resúmen, "(A) Senile Animal" nos muestra que Melvins puede romper sus propios esquemas y sorprender con cosas nuevas, que si bien, han sido utilizadas por otras bandas (como las dos baterías), ellos lo hacen con una creatividad y originalidad que sencillamente da gusto. Composiciones inspiradísimas y a la vena, con buenos riffs y ritmos intensos, hacen a este disco algo muy entretenido e interesante. Sí es bueno apuntar que para apreciar en detalle todos los aspectos del trabajo de las baterías, escúchenlo con audífonos, pueden ir descubriendo muchas cosas, sobretodo si le dan más vueltas al álbum. Totalmente recomendado.

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jueves, 18 de septiembre de 2008

Yoon Do Hyun Band - Vol. 2 - Long Journey [1997]



01.Gin Yeohaeng
02.Harusari
03.Ittange Salgi
04.Cheoeum Cheoreom
05.Kkumkkuneun Sonyeo
06.Garijijom Ma
07.Bada
08.Sesangsogeui Ai
09.Cheolmuneul Yeoreo
10.Meoriapa
11.Dasi Hanbeon
12.Eodiro


Con sólo algunos años de actividad y luego del éxito de su debut en 1994, Yoon Do Hyun Band, agrupación formada por Yoon Do Hyun (voz, guitarra), Huh Jun (guitarra), Park-Tae-hee (bajo) y Kim Jin-won (batería), saca su segundo álbum, que como siempre, tiene la presión de igualar o superar al primero. Es así como aparece "Vol. 2 - Long Journey" en 1997 con el que la banda consigue una mayor recepción aún, instalando su nombre como uno de los más representativos del Rock en Corea del Sur.

El disco básicamente presenta un Hard Rock y Rock n' Roll de un sonido muy a la Deep Purple, de composiciones versátiles con notables cambios de ritmo y constantes balances entre lo eléctrico y lo acústico, logrando variados matices, con un excelente trabajo instrumental donde todos destacan por igual. También el aspecto melódico destaca de sobremanera, muy creativo e inspirado, hace del disco algo muy entretenido y accesible.

Dentro de los temas notables, tenemos "Harusari", tema de poderosa interpretación vocal, construida con una base de bajo que se repite constantemente y que introduce el sonido de trompetas que apoyan los riffs de la guitarra. Geniales cambios de ritmo durante su desarrollo, sobretodo cerca del final donde la adopta un sonido más duro y la batería con el teclado toman mayor intensidad, para finalizar con un genial falsetto de Yoon Do Hyun. Notable, grandioso corte.

Continúa "Ittange Salgi", más pesado en los riffs y con la voz mucho más raspada que es apoyada por unos coros de dan más fuerza al tema. Genial el solo de teclado y el final con el cambio de ritmo más acelerado. Buenísimo tema. Le sigue "Cheoeum Cheoreom", mucho más lento y con unos suaves acordes acústicos, donde Yoon Do Hyun utiliza una voz mucho más grave variando su registro y un buenísimo trabajo en batería de Kim Jim-won que va marcando la pauta en los cambios de ritmo constantemente. Lo mejor viene con el solo de teclado y el excelente solo de Huh Jun, para finalizar con mucha mayor intensidad. Excelente canción, de composición exquisita.

"Kkumkkuneun Sonyeo" es una buenísima balada, principalmente acústica, donde se puede apreciar muy bien la genial voz de Yoon Do Hyun. Genial el solo y la progresiva introducción de instrumentos. Inmediatamente viene "Garijijom Ma" donde introducen el sonido de la harmónica, geniales slaps del bajo y como siempre, la impresionante voz, que llena de vida al tema. Huh Jun se luce con otro buenísimo solo y notable es el cambio al final, donde los riffs se tornan más pesados y con un grandioso solo de teclado. Un corte lleno de energía, de mis favoritos.

Luego viene "Bada" similar a "Garijijom Ma", pero con más presencia de los riffs en los estribillos y coro. Genial el cambio de ritmo, donde la guitarra toma más suavidad, para luego llegar al clímax con un enérgico solo con teclado incluído y esa batería que impregna fuerza. Entretenido tema. "Sesangsogeui Ai" es otra balada que abre con un solo de guitarra lleno de feeling, para después pasar a unos toques más acústicos dejando notar una grandiosa melodía, inspiradísima donde para variar, la voz se luce tanto por su técnica como por su interpretación. Hermoso tema.

Y sin descanso sigue "Cheolmuneul Yeoreo" que mantiene la línea Hard Rockera típica de la banda, con buenos riffs, un ritmo intenso y un coro enérgico. Algo muy destacable es el poderoso solo, de buenísimos punteos, donde Huh Jun sigue demostrando su grandiosa habilidad y sensibilidad. "Meoriapa" toma aspectos más cercanos al Rock n' Roll, con gran presencia del teclado y de un ritmo más acelerado que de costumbre. El solo también brilla, como todos los anteriores y el término, donde aumenta aún más la velocidad. Energía, fuerza, etc, gran tema.

"Dasi Hanbeon", otra balada de una hermosa melodía y toques más blueseros en su composición. Genial el coro, al que se van sumando voces que le dan más intensidad. Buenísimo tema.

En resúmen, "Vol. 2 - Long Journey" es un excelente disco, con grandiosos temas uno detrás de otro sin parar, que muestran un Rock potente, de una composición exquisita y variada, además de melodías para el recuerdo. Las baladas son otro punto notable, no tienen ningún desperdicio. En general me parece un disco grandioso, absolutamente recomendado.

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martes, 9 de septiembre de 2008

King's X - Dogman [1994]



01.Dogman
02.Shoes
03.Pretend
04.Flies And Blue Skies
05.Black The Sky
06.Fool You
07.Dont' Care
08.Sunshine Rain
09.Complain
10.Human Behavior
11.Cigarettes
12.Go To Hell
13.Pillow
14.Manic Depression


King's X, el power trio formado por Doug Pinnick (voz y bajo), Ty Tabor (voz y guitarra) y Jerry Gaskill (batería), es una de esas bandas que, a pesar de contar con un gran reconocimiento de la crítica que los sitúa como una de las bandas fundamentales en definir el sonido del Grunge y Rock Alternativo en los 90, nunca ha tenido el suficiente éxito comercial que los haga conocidos a nivel masivo. Sin embargo, uno de los discos que logró darles un mayor empuje fue "Dogman" aparecido en 1994, el cual mostró cambios a nivel del sonido de la banda, mucho más acordes con la época y es considerado hoy como uno de sus clásicos.

Si bien la banda desde sus inicios en "Out Of The Silent Planet" de 1988, ha mostrado una genial combinación de elementos entre el Hard Rock, Metal, Funk Gospel, Blues, Soul y toques Progresivos, en "Dogman", sin dejarlos de lado, toman un sonido mucho más pesado y metalizado, algo que recae principalmente en los fuertes riffs de la guitarra y en la batería mucho más marcada, sumado a un creativo trabajo en la composición musical y melódico, de buenísimas armonías vocales. Sin olvidar la importante participación Brendan O'Brien (Pearl Jam, Stone Temple Pilots) quien supo darle al disco el toque necesario para que enganchara con lo que se escuchaba en ese entonces.

Entonces vamos con los temas más destacables a mi juicio del disco.

Partimos con el primer track, "Dogman" que es una grandiosa muestra del nuevo sonido del grupo. El tema no se da rodeos en comenzar intensamente con un fuerte riff y Pinnick recitando ya los primeros versos con su estilo muy Soul, lo que ya deja notar la energía y fuerza de la banda. Excelente trabajo melódico, sobretodo en el coro y en la guitarra que hará de la delicias de quienes disfrutan del Grunge. Gran tema y un poderoso comienzo.

Avanzamos un poco y tenemos a "Pretend" algo más relajado en sus riffs, pero de gran energía y una melodía que atrapa al instante, algo que se refleja bastante en coro que fácilmente puede quedarte dando vueltas en la cabeza. El solo también es otro aspecto notable, donde Tabor muestra gran parte de su virtuosismo y la batería que sigue un ritmo constante durante todo el tema. Buenísimo.

Continuamos con "Black The Sky" un tema bastante pesado donde Tabor utiliza una guitarra de siete cuerdas, trabajando con ello unos riffs y acordes con otros patrones que alcanzan nuevas posibilidades sonoras. El aspecto melódico tan excelente como costumbre, en el que Pinnick se sigue luciendo, tanto con su voz profunda y limpia que contrasta genialmente con el estruendo de los riffs, además de un trabajo sublime en el bajo. Buenísimo tema que muestra aspectos musicales aún más innovadores en el sonido de la banda.

Inmediatamente sigue "Fool You" con un cierto parecido a "Pretend" pero algo más suave en su sonido. Acá destaca sobretodo el inspiradísimo coro, donde Pinnick se sigue luciendo, pero además creando hermosas armonías vocales y con una sensibilidad melódica que sigue asombrando. Genial tema, de mis favoritos. Después tenemos "Don't Care", mucho más cercano al Metal, con una batería más pesada y una guitarra de notas más arrastradas, pero manteniendo su lado melódico caracterísitico. Genial es el final con esos coros que recitan "Ohh Yeah" con gran intensidad y el alargue que repite los patrones iniciales de la guitarra, donde Jerry Gaskill destaca por su trabajo en la batería. Otro tema espectacular.

Más adelante está "Complain" con un toque bastante Hard Rockero, que suda energía por cada una de sus notas. Notable coro, ultra melódico, de esos que también pueden quedar rondando en tu cabeza con facilidad y el solo maestrísimo de Tabor. Entretenidísimo corte, de esos que suben el ánimo por su aire a fiesta.

"Human Behavior" es otro tema con pesados riffs arrastrados y pequeños espacios donde la voz suena sin acompañamiento, lo que recuerda a ciertos aspectos del Blues. Excelente corte, con un aire muy Grunge y poderoso trabajo en la guitarra. Seguimos con "Cigarettes", la canción más lenta de todo el disco, de un aire mucho más melancólico en relación al resto, pero con fuerza de todas maneras y una melodía exquisita, que se deja ver bastante en el coro. Lo más destacable es el trabajo en la guitarra, con un solo espectacular y que también muestra la capacidad de Tabor para crear atmósferas ya para el final del tema. Buenísimo, rompe un poco el esquema.

Y tenemos a "Pillow" otro con toques en la guitarra que rápidamente pueden recordar al sonido metalizado de Alice In Chains por ejemplo. Aquí podemos escuchar otro trabajo armónico en las voces de lujo y riffs que crean un muro sónico apoyados de una batería pausada, pero a la vez pesada. Genial tema.

En general, "Dogman" de King's X es a mi parecer un trabajo excelente, con un trabajo musical que impresiona por su versatilidad y creatividad, además de un trabajo melódico que destaca de sobremanera, con el que muchos temas atrapan de forma instantánea, por lo menos conmigo así resultó. Lo recomiendo absolutamente, me encantó rápidamente a la primera escucha y con él conocí a la que ahora forma parte de mis bandas favoritas.

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jueves, 14 de agosto de 2008

SIAM SHADE - SIAM SHADE VI [2000]




Side I
01.GET A LIFE
02.Fine Weather Day
03.Outsider
04.Shangri-La
05.Allergy
06.BLACK
07.SEXUAL SNIPER
08.Triptych

Side II
01.Fly High
02.MOON
03.Setsunasa Yorimo Tooku e (Album Version)
04.I Am I
05.1999
06.Heaven
07.LOVE IS POWER
08.Kumori Nochi Hare


Hacia finales de los años 90 y durante el año 2000, Siam Shade se encontraba en su momento de máxima popularidad, cosechando gran éxito con sus lanzamientos desde 1997 e inscribiendo su nombre como una de las bandas más reconocidas de la escena Rockera japonesa. Dentro de este contexto, sale a la luz su sexto larga duración titulado "SIAM SHADE VI" con el que seguirían manteniendo su vigencia en ese entonces, consiguiendo incluso participar en el "Pusan International Rock Festival" en Corea, convirtiéndose en la primera banda de Rock japonesa en tocar en ese país. Lamentablemente, este sería su último disco de estudio antes de su separación en el 2002.
En "SIAM SHADE VI", la banda muestra dos aspectos de sí misma y por eso que el disco se divida en dos partes. El Side I es el lado más agresivo donde la banda explora sonidos mucho más estridentes que se acercan sin pudor a estilos como el Metal o el Hardcore que, si bien es posible escuchar algo de eso en anteriores trabajos, aquí se hace mucho más patente. Por otra parte, el Side II es el lado más melódico bastante característico de la banda, abarcando estilos como el Hard Rock, Funk, un poco de Soul y Pop. Contrastes, a mi juicio, muy bien llevados, que enseñan tanto las nuevas como las antiguas líneas musicales por las que ha transitado la agrupación a lo largo de su carrera.
En este sentido, destaca también el impecable trabajo en la composición de los temas que, musicalmente hablando, son muy ágiles y versátiles, donde los músicos demuestran una grandiosa habilidad técnica con sus instrumentos, existiendo mucho equilibrio entre los mismos. Por otra parte, el aspecto melódico es, a mi parecer otro de los puntos más notables, muy bien pensado, de muy fácil escucha, que hacen al disco algo muy memorable y de rápido enganche.
Ahora vamos con los temas más destacables según mi parecer.
En el Side I, partimos, "Get A Life" un temazo bastante pesado que te vuela la cabeza con sus fuertes riffs iniciales, su potente batería, la voz de Hideki, más raspada que de costumbre y con una notable influencia del Metal. Un tema poderoso, rápido y enérgico, con un genial coro que grita con fuerza "Don't you fuck with me!" y un excelentísimo solo de Daita, lleno de feeling, apoyado por una guitarra rítmica asombrosa, llena de cambios. Un buenísimo tema, de mis favoritos.
Seguimos con "Outsider" algo más extraño que abre con unos geniales slaps del bajo y una batería constante, con cambios de ritmo en el coro, con riffs mucho más pesados. Lo mejor es el solo, donde el tema cambia abruptamente a una sección de Jazz, para luego retomar los riffs pesados. Excelente. Sigue "Shangri-La" que continúa con esta veta más pesada, aunque aquí la voz es mucho más relajada en general, sobretodo en el coro. Acá nuevamente tenemos un poderoso solo y una guitarra rítmica notable. Otro grandioso tema, muy bueno.
Continúa "Allergy" que se acerca mucho al Hardcore, por sus riffs y los coros que utiliza. Genial es el solo que va pasando por distintos cortes y cambios de ritmo con mucha agilidad y más pesadez en los riffs y la batería, que dan ganas de cabecear. Un tema intenso, rápido y enérgico, de mis favoritos.
Más adelante está "SEXUAL SNIPER", que abre con la batería y que va introduciendo de a poco unos riffs que luego desembocan en otros mucho más pesados. El estribillo está construido con unos tiempos bastante extraños y que varían al acercarse al coro. Por su parte, el solo también es algo extraño, no muy convencional, apoyado de una genial base de bajo, unas capas sónicas bastante curiosas y cambios de ritmo constantes, donde se nota un gran trabajo en la batería de Junji Sakuma. Gran tema, otro de mis favoritos.
Para finalizar el Side I, viene "Triptych" un instrumental con un sonido bastante "satrianizado", que deja notar la maestría de Daita en las seis cuerdas. Un tema tecnicamente impecable, de una melodía muy ganchera y mucho feeling. Buenísimo.
En el Side II, tenemos a "MOON" un tema con las revoluciones más bajas, con la voz de Hideki bastante más relajada con la que realmente se luce, muy melódica, pero igualmente rockera. El coro también es un punto fuerte, bien memorable y pegajoso, con unos buenos riffs de fondo y el climax llega en el momento del solo, uno de los que más me gusta el disco, en el que el resto de los instrumentos también se luce. Excelente.
Continúa rápidamente "Setsunasa Yorimo Tooku e" uno de los singles del disco, que continúa la senda más melódica, pero mucho más rápida que la anterior. El tema tiene una estructura bastante Pop, con un coro muy pegajoso y construida a base de un tapping que suena constantemente. El solo genial, sencillo, pero inspiradísimo. Avanzamos y aparece "I Am I", un corte que recuerda bastante a "MOON", donde Kazuma se toma las voces. Bastante melódico, de buenos riffs y un solo con un genial tapping. Buenísimo tema.

Mas adelante, "Heaven" con el lado más Soul y Funk de la banda. Aquí se introducen trompetas, unas voces femeninas que apoyan el coro y pulsos constantes del bajo. El coro demasiado pegajoso y el solo excelente, otro de los mejores del disco. Genial es el trabajo general de los intrumentos, musicalmente este tema es una de las joyas del disco.

Finalizamos con "Kumori Nochi Hare", corte mucho más tranquilo y lento que la gran mayoría, pero ultra melódico, sobretodo el coro y el solo, de bases algo blueseras. Una gran canción que finaliza de la mejor forma el disco.

En fin, "SIAM SHADE VI", me parece un disco redondísimo, lleno de excelentes temas, todos musicalmente muy versátiles, que abarcan distintos estilos que lo hacen muy variado, donde hay fuerza, energía y una poderosa vibra rockera. En general, creo que este disco es una gran muestra de cómo la técnica está siempre al servicio de la melodía.

Recomendado absolutamente, es uno de mis discos favoritos de una de mis bandas favoritas como, creo, podrán haber notado.


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miércoles, 23 de julio de 2008

Candlebox - Candlebox [1993]



01.Don't You
02.Change
03.You
04.No Sense
05.Far Behind
06.Blossom
07.Arrow
08.Rain
09.Mothers Dream
10.Cover Me
11.He Calls Home


Durante la primera mitad de los años noventa, en plena explosión del Grunge, hubo muchas bandas que se formaron dentro de ese periodo y que, dada su propuesta, fueron encasillados dentro de lo que se llamó Post-Grunge, término que cobraría mayor fuerza luego del fallecimiento de Kurt Cobain, líder de Nirvana. Una de las bandas más conocidas de este subgenero es Candlebox, formada en ese entonces por Kevin Martin (voz), Peter Klett (guitarra), Bardi Martin (bajo) y Scott Mercado (batería), quienes hacen su debut homónimo en 1993, consiguiendo cuatro discos de platino y, junto con ello, gran reconocimiento internacional.

"Candlebox" es un disco que reúne principalmente aspectos del Hard Rock con reminiscencias setenteras y aspectos cercanos al Blues, con un sonido contemporáneo a la época, pero mucho más melódico y suave en sus distorsiones, aunque no por ello menos enérgico y poderoso. Dentro del trabajo musical, destaca mucho la genial guitarra de Klett, tanto en su composición como en su feeling y la voz de Martin, que dota a cada tema de gran fuerza.

Entonces, revisando los temas más notables, el disco abre con uno que rápidamente puede atrapar al oyente, "Don't You" con unos poderosos riffs al comienzo y Martin recitando con energía cada verso que, más adelante, desemboca en un grandioso solo de gran feeling y con una melodía muy noventera, para luego terminar con mucha más fuerza. Excelente tema para comenzar, entretenido, enérgico, muy bueno.

Continuamos con "Change" de un suave estribillo hecho a base de unos arpegios y que aumenta su intensidad en el coro donde se escuchan fuertes riffs y una batería más pesada. Gran solo y potente interpretación. Sigue "You" algo similar a la anterior en estructura, aunque ahora suenan unos punteos muy pegajosos al comienzo y el tema posee una melodía muy memorable aunque menos intensa.

Luego viene "No Sense" una de mis favoritas que comienza con unos suaves arpegios y acordes, similares a "Change" y donde el bajo cobra mayor protagonismo. El coro también toma fuerza, pero mantiene en general una línea más relajada. Lo mejor es el solo donde unos finos punteos con aires blueseros comienzan a sonar para luego tomar un sonido mucho más rockero y donde la batería y el bajo se toman las bases en los cambios de ritmo. Muy buen tema, de los que más me gustan del disco.

"Far Behind" es un tema con aspecto a balada, bastante más lento que la gran mayoría, pero con mucha intensidad, aunque con un aire algo melancólico. El solo es uno de los mejores a mi gusto de todo el disco, lleno de puro feeling y una melodía buenísima, donde Klett demuestra su gran destreza. Gran tema, muy bueno.

Más adelante "Arrow" un tema muy rockero que se asemeja a "Don't You" aunque con más energía aún, geniales riffs, un ritmo constante y Martin cantando más fuerte aún. El solo también excelente, lleno de fuerza y de expléndida ejecución. Otro corte buenísimo, de los que más me gustan.

Continúa inmediatamente "Rain" un tema muy bluesero, toques que se notan sobre todo en la guitarra y en los tiempos utilizados. El tema abre muy tranquilo y va tomando fuerza mientras avanza, luego viene un solo muy bluesero donde queda una vez más demostrado la habilidad de Klett en las seis cuerdas. Posteriormente el la canción cambia de ritmo completamente y se torna mucho más rockera y donde la guitarra sigue teniendo enorme protagonismo con otro excelente solo. Espectacular corte, muy muy bueno.

"Mothers Dream" es un tema más pesado en general, donde también el bajo toma mucha importancia y Martin canta mucho más bajo de lo usual. Otro tema muy bueno, buena guitarra como siempre, energía, fuerza, etc. "Cover Me" es una especie de balada con toques acústicos, una intepretación bastante más suave y una melodía muy buena, bien memorable y para variar, un buen solo. Y dentro de la misma lína, finaliza el disco con "He Calls Home" de un grandioso trabajo musical, completamente acústico y relajado, la mejor forma de terminar con un disco buenísimo.

En resúmen, "Candlebox" es un trabajo muy notable, de composiciones muy bien trabajadas, donde destaca mucho la gran guitarra, melodías muy fáciles de escuchar y varias bien pegajosas. Independiente de las etiquetas, este disco me parece una muy buena muestra de Rock de la época. Muy recomendado.

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jueves, 12 de junio de 2008

Radomir Mihajlovic "Tocak" - R. M. Tocak [1976]



01.Oro
02.Aria Daimond
03.Svrabez
04.Neki Paraziti
05.Organizam Blues
06.Modifans



Radomir Mihajlovic Tocak, guitarrista y fundador de la banda de Rock-Blues, Smak, a principios de los 70, es considerado uno de los músicos más influyentes dentro de la escena rockera de Yugoslavia, sobretodo por su gran virtuosismo y su técnica sin uñeta a la hora de tocar. Paralelamente al funcionamiento de su banda, comenzó una carrera solista a mediados de la misma década, lanzando el presente disco instrumental "R. M. Tocak", reuniendo a notables músicos como Slobodan Stojanovic "Kepa" en la batería, Zoran Milanovic con el bajo y Laza Ristovski en los teclados. Con este álbum demostró que no tan sólo es un grandioso guitarrista, sino que un versátil músico, consolidando aún más su nombre.

Cuando digo versátil es debido a que el disco logra explorar diversas texturas, ya sea del Hard Rock, toques de Blues, Jazz, Funk, Folk con una gran agilidad en la composición, no sólo al trabajar la guitarra, sino que el resto de los intrumentos que lo acompañanan, además de ciertos toques progresivos. El trabajo musical me parece sencillamente notable, donde hay una gran destreza técnica al servicio de la melodía, haciendo a este trabajo bastante interesante de escuchar.

Por lo mismo, pasando a revisar sus temas, el primero, "Oro", con ciertos toques Folk, es un tema que abre rapidísimo, construido con tiempos difíciles de seguir y una batería que parece estar marchando todo el tiempo y de un notable trabajo con los cambios. El trabajo de la guitarra también se luce, con unos punteos precisos y llenos de intensidad. Es un corte que no da tregua, muy bueno.

"Aria Diamond" es un corte muy melódico donde la guitarra adopta una lína musical bien definida y mucho más sencilla de seguir que el corte anterior. Notables los teclados que están siempre detrás de cualquier movimiento de la guitarra y con cierto sonido psicodélico, como también la batería que continúa demostrando maestría. Notables cambios de ritmo, sobretodo en desde el minuto 4:28 donde el tema parece otro. Muy muy bueno.

"Svrabez" parece mucho más funk donde el bajo se toma las bases y la guitarra ahora con un sonido más sucio, con el incansable trabajo de la batería. Genial el silencio para el solo donde Tocak se pasea por aspectos muy blueseros de manera notable. Más o menos en la misma línea viene "Neki Paraziti", pero con una mayor presencia del teclado. Ambos temas con harto groove, muy entretenidos y de genial trabajo musical.

Sigue "Organizam Blues" que, como podrán notar, es un tema bastante bluesero con una guitarra bastante melódica a lo largo de los siete minutos que dura. Acá hay concentración plena en las seis cuerdas, mientras que el resto de los instrumentos bajan las revoluciones. Un tema muy oreja y de estructura más sencilla, muy bueno también.

Finalizamos con "Modifans" tema que recupera el groove de "Svrabez" o "Neki Paraziti", con geniales cambios de ritmo. La batería como siempre espectacular, el teclado de repente adquiere protagonismo con pequeños solos y el bajo con geniales bases, mientras que la guitarra va oscilando, funcionando en algunos momentos atmosféricamente y, en otros, rompiendo todo con unos geniales punteos. Buenísimo corte para dar término a este fantástico álbum.

En resúmen, el primer disco de Radomir Mihajlovic "Tocak" es una excelente muestra donde la técnica y el feeling se unen, creando temas entretenidísimos, pero que además poseen un trabajo musical interesante por toda su construcción y composición, a veces bastante compleja. Un álbum buenísimo a mi gusto, genial para quienes disfrutan de bandas con un sonido a la Deep Purple y aspectos más progresivos. Ultra recomendado!


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lunes, 2 de junio de 2008

Van Halen - 1984 [1983]



01.1984
02.Jump!
03.Panama
04.Top Jimmy
05.Drop Dead Legs
06.Hot For Teacher
07.I'll Wait
08.Girl Gone Bad
09.House Of Pain


Durante finales de los 70 y principios de los 80, una de las bandas que dio que hablar debido a su grandiosa versatilidad y virtuosismo a la hora de hacer Hard Rock fue Van Halen, quienes dejaron sorprendidos a muchos desde su debut en 1978. Fue justamente este primer periodo que abarcó desde el año antes mencionado hasta 1983 donde la banda cosechó su mayor éxito y es el lanzamiento del presente álbum, "1984" el último que sacarían antes de la salida del carismático David Lee Roth de la agrupación. El disco se convertiría en uno de los más vendidos de la banda, del cual se desprenden clásicos inmortales como "Jump!" o "Panama", temas considerados estandartes de la música popular de la ya lejana década de los ochenta.

El álbum conjuga de la mejor forma lo que Van Halen venía haciendo desde principios de su carrera: un Hard Rock directo a la vena, entretenido, de melodías muy memorables y con esos elementos musicales tan característicos de la banda. Destaca la siempre imponente y versátil guitarra de Eddie Van Halen, la poderosa batería de Alex Van Halen en la batería y grandiosa interpretación de David Lee Roth en la voz.

Aún así, la gran diferencia que presenta "1984" respecto de sus antecesores es la presencia constante del sintetizador. Si bien este elemento había sido utilizado en ciertos temas anteriores, aquí podemos escucharlo a lo largo de todos los temas del disco.

Entonces, pasando a revisar temas destacables, partimos con "Jump!", un temón que no tiene mayor presentación. Su comienzo es la mejor muestra del uso de sintetizadores, puesto que abren el tema y que incluso se toman un solo justo después del de guitarra. Gran melodía, un espectacular comienzo.

Continuamos con otro de mis cortes favoritos, "Panama", lleno de energía y feeling en esos riffs del comienzo y en ese ritmo que mantiene la batería durante prácticamente todo el tema. Genial el coro que recita con fuerza "Panama" donde el tema parece liberarse y el excelente solo en el que podemos disfrutar de la grandiosa habilidad de Eddie en las cuerdas. Un corte intenso y enérgico, entretenidísimo. En seguida viene "Top Jimmy", un tema que abre calmadamente con unos excelentes armónicos y que en el cobra fuerza en el estribillo y el coro, además de un genial solo con un cambio de ritmo en la batería muy bluesero. Muy buen tema, bien entretenido.
El siguiente sencillamente es uno de mis favoritos, "Hot For Teacher". Abre con unos redobles de batería con un ritmo muy jazzero y luego el poderoso tapping de Eddie, para pasar a unos potentes riffs. El tema en su construcción posee constantes cambios de ritmo, tanto en el coro como en el estribillo y el solo, que por cierto es uno de los mejores de todo el álbum. Aquí la batería sencillamente se luce por su gran trabajo y ejecución. Una canción entretenida, llena de aires de fiesta y muy genial musicalmente hablando.
Luego viene "Girl Gone Bad", un tema también intenso que demuestra mucho la versatilidad compositiva de la banda a la hora de cambiar ritmos y de tocar sus instrumentos. Poderoso el solo y esa batería implacable que lo acompaña. En fin, buenísimo como todos los anteriores.
Y seguimos finalmente con "House Of Pain" un tema más o menos pesado (claro, dentro de los parámetros de Van Halen) con unos buenos riffs que se repetirán a lo largo de este. Notables los cambios de ritmo tanto para el solo como para después de él. Otro temazo que me parece muy versátil en su composición.
En general, este álbum me ha parecido un excelente trabajo donde se reúnen tanto la técnica y el virtuosismo con mucho feeling y geniales melodías. Al escucharlo es fácil comprender por qué fue tan exitoso en su época y es que posee temas demasiado entretenidos y muy memorables, no es extraño de que aquí salieran aquellos clásicos mencionados anteriormente, realmente se lo tienen muy merecido. Ultra recomendado.

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