King's X - Dogman [1994]

01.Dogman
02.Shoes
03.Pretend
04.Flies And Blue Skies
05.Black The Sky
06.Fool You
07.Dont' Care
08.Sunshine Rain
09.Complain
10.Human Behavior
11.Cigarettes
12.Go To Hell
13.Pillow
14.Manic Depression


King's X, el power trio formado por Doug Pinnick (voz y bajo), Ty Tabor (voz y guitarra) y Jerry Gaskill (batería), es una de esas bandas que, a pesar de contar con un gran reconocimiento de la crítica que los sitúa como una de las bandas fundamentales en definir el sonido del Grunge y Rock Alternativo en los 90, nunca ha tenido el suficiente éxito comercial que los haga conocidos a nivel masivo. Sin embargo, uno de los discos que logró darles un mayor empuje fue "Dogman" aparecido en 1994, el cual mostró cambios a nivel del sonido de la banda, mucho más acordes con la época y es considerado hoy como uno de sus clásicos.

Si bien la banda desde sus inicios en "Out Of The Silent Planet" de 1988, ha mostrado una genial combinación de elementos entre el Hard Rock, Metal, Funk Gospel, Blues, Soul y toques Progresivos, en "Dogman", sin dejarlos de lado, toman un sonido mucho más pesado y metalizado, algo que recae principalmente en los fuertes riffs de la guitarra y en la batería mucho más marcada, sumado a un creativo trabajo en la composición musical y melódico, de buenísimas armonías vocales. Sin olvidar la importante participación Brendan O'Brien (Pearl Jam, Stone Temple Pilots) quien supo darle al disco el toque necesario para que enganchara con lo que se escuchaba en ese entonces.

Entonces vamos con los temas más destacables a mi juicio del disco.

Partimos con el primer track, "Dogman" que es una grandiosa muestra del nuevo sonido del grupo. El tema no se da rodeos en comenzar intensamente con un fuerte riff y Pinnick recitando ya los primeros versos con su estilo muy Soul, lo que ya deja notar la energía y fuerza de la banda. Excelente trabajo melódico, sobretodo en el coro y en la guitarra que hará de la delicias de quienes disfrutan del Grunge. Gran tema y un poderoso comienzo.

Avanzamos un poco y tenemos a "Pretend" algo más relajado en sus riffs, pero de gran energía y una melodía que atrapa al instante, algo que se refleja bastante en coro que fácilmente puede quedarte dando vueltas en la cabeza. El solo también es otro aspecto notable, donde Tabor muestra gran parte de su virtuosismo y la batería que sigue un ritmo constante durante todo el tema. Buenísimo.

Continuamos con "Black The Sky" un tema bastante pesado donde Tabor utiliza una guitarra de siete cuerdas, trabajando con ello unos riffs y acordes con otros patrones que alcanzan nuevas posibilidades sonoras. El aspecto melódico tan excelente como costumbre, en el que Pinnick se sigue luciendo, tanto con su voz profunda y limpia que contrasta genialmente con el estruendo de los riffs, además de un trabajo sublime en el bajo. Buenísimo tema que muestra aspectos musicales aún más innovadores en el sonido de la banda.

Inmediatamente sigue "Fool You" con un cierto parecido a "Pretend" pero algo más suave en su sonido. Acá destaca sobretodo el inspiradísimo coro, donde Pinnick se sigue luciendo, pero además creando hermosas armonías vocales y con una sensibilidad melódica que sigue asombrando. Genial tema, de mis favoritos. Después tenemos "Don't Care", mucho más cercano al Metal, con una batería más pesada y una guitarra de notas más arrastradas, pero manteniendo su lado melódico caracterísitico. Genial es el final con esos coros que recitan "Ohh Yeah" con gran intensidad y el alargue que repite los patrones iniciales de la guitarra, donde Jerry Gaskill destaca por su trabajo en la batería. Otro tema espectacular.

Más adelante está "Complain" con un toque bastante Hard Rockero, que suda energía por cada una de sus notas. Notable coro, ultra melódico, de esos que también pueden quedar rondando en tu cabeza con facilidad y el solo maestrísimo de Tabor. Entretenidísimo corte, de esos que suben el ánimo por su aire a fiesta.

"Human Behavior" es otro tema con pesados riffs arrastrados y pequeños espacios donde la voz suena sin acompañamiento, lo que recuerda a ciertos aspectos del Blues. Excelente corte, con un aire muy Grunge y poderoso trabajo en la guitarra. Seguimos con "Cigarettes", la canción más lenta de todo el disco, de un aire mucho más melancólico en relación al resto, pero con fuerza de todas maneras y una melodía exquisita, que se deja ver bastante en el coro. Lo más destacable es el trabajo en la guitarra, con un solo espectacular y que también muestra la capacidad de Tabor para crear atmósferas ya para el final del tema. Buenísimo, rompe un poco el esquema.

Y tenemos a "Pillow" otro con toques en la guitarra que rápidamente pueden recordar al sonido metalizado de Alice In Chains por ejemplo. Aquí podemos escuchar otro trabajo armónico en las voces de lujo y riffs que crean un muro sónico apoyados de una batería pausada, pero a la vez pesada. Genial tema.

En general, "Dogman" de King's X es a mi parecer un trabajo excelente, con un trabajo musical que impresiona por su versatilidad y creatividad, además de un trabajo melódico que destaca de sobremanera, con el que muchos temas atrapan de forma instantánea, por lo menos conmigo así resultó. Lo recomiendo absolutamente, me encantó rápidamente a la primera escucha y con él conocí a la que ahora forma parte de mis bandas favoritas.

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SIAM SHADE - SIAM SHADE VI [2000]

Side I

01.GET A LIFE

02.Fine Weather Day

03.Outsider

04.Shangri-La

05.Allergy
06.BLACK

07.SEXUAL SNIPER

08.Triptych

Side II

01.Fly High

02.MOON

03.Setsunasa Yorimo Tooku e (Album Version)

04.I Am I

05.1999

06.Heaven

07.LOVE IS POWER

08.Kumori Nochi Hare

Hacia finales de los años 90 y durante el año 2000, Siam Shade se encontraba en su momento de máxima popularidad, cosechando gran éxito con sus lanzamientos desde 1997 e inscribiendo su nombre como una de las bandas más reconocidas de la escena Rockera japonesa. Dentro de este contexto, sale a la luz su sexto larga duración titulado "SIAM SHADE VI" con el que seguirían manteniendo su vigencia en ese entonces, consiguiendo incluso participar en el "Pusan International Rock Festival" en Corea, convirtiéndose en la primera banda de Rock japonesa en tocar en ese país. Lamentablemente, este sería su último disco de estudio antes de su separación en el 2002.

En "SIAM SHADE VI", la banda muestra dos aspectos de sí misma y por eso que el disco se divida en dos partes. El Side I es el lado más agresivo donde la banda explora sonidos mucho más estridentes que se acercan sin pudor a estilos como el Metal o el Hardcore que, si bien es posible escuchar algo de eso en anteriores trabajos, aquí se hace mucho más patente. Por otra parte, el Side II es el lado más melódico bastante característico de la banda, abarcando estilos como el Hard Rock, Funk, un poco de Soul y Pop. Contrastes, a mi juicio, muy bien llevados, que enseñan tanto las nuevas como las antiguas líneas musicales por las que ha transitado la agrupación a lo largo de su carrera.

En este sentido, destaca también el impecable trabajo en la composición de los temas que, musicalmente hablando, son muy ágiles y versátiles, donde los músicos demuestran una grandiosa habilidad técnica con sus instrumentos, existiendo mucho equilibrio entre los mismos. Por otra parte, el aspecto melódico es, a mi parecer otro de los puntos más notables, muy bien pensado, de muy fácil escucha, que hacen al disco algo muy memorable y de rápido enganche.

Ahora vamos con los temas más destacables según mi parecer.

En el Side I, partimos, "Get A Life" un temazo bastante pesado que te vuela la cabeza con sus fuertes riffs iniciales, su potente batería, la voz de Hideki, más raspada que de costumbre y con una notable influencia del Metal. Un tema poderoso, rápido y enérgico, con un genial coro que grita con fuerza "Don't you fuck with me!" y un excelentísimo solo de Daita, lleno de feeling, apoyado por una guitarra rítmica asombrosa, llena de cambios. Un buenísimo tema, de mis favoritos.

Seguimos con "Outsider" algo más extraño que abre con unos geniales slaps del bajo y una batería constante, con cambios de ritmo en el coro, con riffs mucho más pesados. Lo mejor es el solo, donde el tema cambia abruptamente a una sección de Jazz, para luego retomar los riffs pesados. Excelente. Sigue "Shangri-La" que continúa con esta veta más pesada, aunque aquí la voz es mucho más relajada en general, sobretodo en el coro. Acá nuevamente tenemos un poderoso solo y una guitarra rítmica notable. Otro grandioso tema, muy bueno.

Continúa "Allergy" que se acerca mucho al Hardcore, por sus riffs y los coros que utiliza. Genial es el solo que va pasando por distintos cortes y cambios de ritmo con mucha agilidad y más pesadez en los riffs y la batería, que dan ganas de cabecear. Un tema intenso, rápido y enérgico, de mis favoritos.

Más adelante está "SEXUAL SNIPER", que abre con la batería y que va introduciendo de a poco unos riffs que luego desembocan en otros mucho más pesados. El estribillo está construido con unos tiempos bastante extraños y que varían al acercarse al coro. Por su parte, el solo también es algo extraño, no muy convencional, apoyado de una genial base de bajo, unas capas sónicas bastante curiosas y cambios de ritmo constantes, donde se nota un gran trabajo en la batería de Junji Sakuma. Gran tema, otro de mis favoritos.

Para finalizar el Side I, viene "Triptych" un instrumental con un sonido bastante "satrianizado", que deja notar la maestría de Daita en las seis cuerdas. Un tema tecnicamente impecable, de una melodía muy ganchera y mucho feeling. Buenísimo.

En el Side II, tenemos a "MOON" un tema con las revoluciones más bajas, con la voz de Hideki bastante más relajada con la que realmente se luce, muy melódica, pero igualmente rockera. El coro también es un punto fuerte, bien memorable y pegajoso, con unos buenos riffs de fondo y el climax llega en el momento del solo, uno de los que más me gusta el disco, en el que el resto de los instrumentos también se luce. Excelente.

Continúa rápidamente "Setsunasa Yorimo Tooku e" uno de los singles del disco, que continúa la senda más melódica, pero mucho más rápida que la anterior. El tema tiene una estructura bastante Pop, con un coro muy pegajoso y construida a base de un tapping que suena constantemente. El solo genial, sencillo, pero inspiradísimo. Avanzamos y aparece "I Am I", un corte que recuerda bastante a "MOON", donde Kazuma se toma las voces. Bastante melódico, de buenos riffs y un solo con un genial tapping. Buenísimo tema.

Mas adelante, "Heaven" con el lado más Soul y Funk de la banda. Aquí se introducen trompetas, unas voces femeninas que apoyan el coro y pulsos constantes del bajo. El coro demasiado pegajoso y el solo excelente, otro de los mejores del disco. Genial es el trabajo general de los intrumentos, musicalmente este tema es una de las joyas del disco.

Finalizamos con "Kumori Nochi Hare", corte mucho más tranquilo y lento que la gran mayoría, pero ultra melódico, sobretodo el coro y el solo, de bases algo blueseras. Una gran canción que finaliza de la mejor forma el disco.

En fin, "SIAM SHADE VI", me parece un disco redondísimo, lleno de excelentes temas, todos musicalmente muy versátiles, que abarcan distintos estilos que lo hacen muy variado, donde hay fuerza, energía y una poderosa vibra rockera. En general, creo que este disco es una gran muestra de cómo la técnica está siempre al servicio de la melodía.

Recomendado absolutamente, es uno de mis discos favoritos de una de mis bandas favoritas como, creo, podrán haber notado.

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Candlebox - Candlebox [1993]

01.Don't You

02.Change

03.You

04.No Sense

05.Far Behind

06.Blossom

07.Arrow

08.Rain

09.Mothers Dream

10.Cover Me

11.He Calls Home

Durante la primera mitad de los años noventa, en plena explosión del Grunge, hubo muchas bandas que se formaron dentro de ese periodo y que, dada su propuesta, fueron encasillados dentro de lo que se llamó Post-Grunge, término que cobraría mayor fuerza luego del fallecimiento de Kurt Cobain, líder de Nirvana. Una de las bandas más conocidas de este subgenero es Candlebox, formada en ese entonces por Kevin Martin (voz), Peter Klett (guitarra), Bardi Martin (bajo) y Scott Mercado (batería), quienes hacen su debut homónimo en 1993, consiguiendo cuatro discos de platino y, junto con ello, gran reconocimiento internacional.

"Candlebox" es un disco que reúne principalmente aspectos del Hard Rock con reminiscencias setenteras y aspectos cercanos al Blues, con un sonido contemporáneo a la época, pero mucho más melódico y suave en sus distorsiones, aunque no por ello menos enérgico y poderoso. Dentro del trabajo musical, destaca mucho la genial guitarra de Klett, tanto en su composición como en su feeling y la voz de Martin, que dota a cada tema de gran fuerza.

Entonces, revisando los temas más notables, el disco abre con uno que rápidamente puede atrapar al oyente, "Don't You" con unos poderosos riffs al comienzo y Martin recitando con energía cada verso que, más adelante, desemboca en un grandioso solo de gran feeling y con una melodía muy noventera, para luego terminar con mucha más fuerza. Excelente tema para comenzar, entretenido, enérgico, muy bueno.

Continuamos con "Change" de un suave estribillo hecho a base de unos arpegios y que aumenta su intensidad en el coro donde se escuchan fuertes riffs y una batería más pesada. Gran solo y potente interpretación. Sigue "You" algo similar a la anterior en estructura, aunque ahora suenan unos punteos muy pegajosos al comienzo y el tema posee una melodía muy memorable aunque menos intensa.

Luego viene "No Sense" una de mis favoritas que comienza con unos suaves arpegios y acordes, similares a "Change" y donde el bajo cobra mayor protagonismo. El coro también toma fuerza, pero mantiene en general una línea más relajada. Lo mejor es el solo donde unos finos punteos con aires blueseros comienzan a sonar para luego tomar un sonido mucho más rockero y donde la batería y el bajo se toman las bases en los cambios de ritmo. Muy buen tema, de los que más me gustan del disco.

"Far Behind" es un tema con aspecto a balada, bastante más lento que la gran mayoría, pero con mucha intensidad, aunque con un aire algo melancólico. El solo es uno de los mejores a mi gusto de todo el disco, lleno de puro feeling y una melodía buenísima, donde Klett demuestra su gran destreza. Gran tema, muy bueno.

Más adelante "Arrow" un tema muy rockero que se asemeja a "Don't You" aunque con más energía aún, geniales riffs, un ritmo constante y Martin cantando más fuerte aún. El solo también excelente, lleno de fuerza y de expléndida ejecución. Otro corte buenísimo, de los que más me gustan.

Continúa inmediatamente "Rain" un tema muy bluesero, toques que se notan sobre todo en la guitarra y en los tiempos utilizados. El tema abre muy tranquilo y va tomando fuerza mientras avanza, luego viene un solo muy bluesero donde queda una vez más demostrado la habilidad de Klett en las seis cuerdas. Posteriormente el la canción cambia de ritmo completamente y se torna mucho más rockera y donde la guitarra sigue teniendo enorme protagonismo con otro excelente solo. Espectacular corte, muy muy bueno.

"Mothers Dream" es un tema más pesado en general, donde también el bajo toma mucha importancia y Martin canta mucho más bajo de lo usual. Otro tema muy bueno, buena guitarra como siempre, energía, fuerza, etc. "Cover Me" es una especie de balada con toques acústicos, una intepretación bastante más suave y una melodía muy buena, bien memorable y para variar, un buen solo. Y dentro de la misma lína, finaliza el disco con "He Calls Home" de un grandioso trabajo musical, completamente acústico y relajado, la mejor forma de terminar con un disco buenísimo.

En resúmen, "Candlebox" es un trabajo muy notable, de composiciones muy bien trabajadas, donde destaca mucho la gran guitarra, melodías muy fáciles de escuchar y varias bien pegajosas. Independiente de las etiquetas, este disco me parece una muy buena muestra de Rock de la época. Muy recomendado.

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Radomir Mihajlovic "Tocak" - R. M. Tocak [1976]

01.Oro
02.Aria Daimond
03.Svrabez
04.Neki Paraziti
05.Organizam Blues
06.Modifans

Radomir Mihajlovic Tocak, guitarrista y fundador de la banda de Rock-Blues, Smak, a principios de los 70, es considerado uno de los músicos más influyentes dentro de la escena rockera de Yugoslavia, sobretodo por su gran virtuosismo y su técnica sin uñeta a la hora de tocar. Paralelamente al funcionamiento de su banda, comenzó una carrera solista a mediados de la misma década, lanzando el presente disco instrumental "R. M. Tocak", reuniendo a notables músicos como Slobodan Stojanovic "Kepa" en la batería, Zoran Milanovic con el bajo y Laza Ristovski en los teclados. Con este álbum demostró que no tan sólo es un grandioso guitarrista, sino que un versátil músico, consolidando aún más su nombre.

Cuando digo versátil es debido a que el disco logra explorar diversas texturas, ya sea del Hard Rock, toques de Blues, Jazz, Funk, Folk con una gran agilidad en la composición, no sólo al trabajar la guitarra, sino que el resto de los intrumentos que lo acompañanan, además de ciertos toques progresivos. El trabajo musical me parece sencillamente notable, donde hay una gran destreza técnica al servicio de la melodía, haciendo a este trabajo bastante interesante de escuchar.

Por lo mismo, pasando a revisar sus temas, el primero, "Oro", con ciertos toques Folk, es un tema que abre rapidísimo, construido con tiempos difíciles de seguir y una batería que parece estar marchando todo el tiempo y de un notable trabajo con los cambios. El trabajo de la guitarra también se luce, con unos punteos precisos y llenos de intensidad. Es un corte que no da tregua, muy bueno.

"Aria Diamond" es un corte muy melódico donde la guitarra adopta una lína musical bien definida y mucho más sencilla de seguir que el corte anterior. Notables los teclados que están siempre detrás de cualquier movimiento de la guitarra y con cierto sonido psicodélico, como también la batería que continúa demostrando maestría. Notables cambios de ritmo, sobretodo en desde el minuto 4:28 donde el tema parece otro. Muy muy bueno.

"Svrabez" parece mucho más funk donde el bajo se toma las bases y la guitarra ahora con un sonido más sucio, con el incansable trabajo de la batería. Genial el silencio para el solo donde Tocak se pasea por aspectos muy blueseros de manera notable. Más o menos en la misma línea viene "Neki Paraziti", pero con una mayor presencia del teclado. Ambos temas con harto groove, muy entretenidos y de genial trabajo musical.

Sigue "Organizam Blues" que, como podrán notar, es un tema bastante bluesero con una guitarra bastante melódica a lo largo de los siete minutos que dura. Acá hay concentración plena en las seis cuerdas, mientras que el resto de los instrumentos bajan las revoluciones. Un tema muy oreja y de estructura más sencilla, muy bueno también.

Finalizamos con "Modifans" tema que recupera el groove de "Svrabez" o "Neki Paraziti", con geniales cambios de ritmo. La batería como siempre espectacular, el teclado de repente adquiere protagonismo con pequeños solos y el bajo con geniales bases, mientras que la guitarra va oscilando, funcionando en algunos momentos atmosféricamente y, en otros, rompiendo todo con unos geniales punteos. Buenísimo corte para dar término a este fantástico álbum.

En resúmen, el primer disco de Radomir Mihajlovic "Tocak" es una excelente muestra donde la técnica y el feeling se unen, creando temas entretenidísimos, pero que además poseen un trabajo musical interesante por toda su construcción y composición, a veces bastante compleja. Un álbum buenísimo a mi gusto, genial para quienes disfrutan de bandas con un sonido a la Deep Purple y aspectos más progresivos. Ultra recomendado!

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Van Halen - 1984 [1983]

01.1984

02.Jump!

03.Panama

04.Top Jimmy

05.Drop Dead Legs

06.Hot For Teacher

07.I'll Wait

08.Girl Gone Bad

09.House Of Pain

Durante finales de los 70 y principios de los 80, una de las bandas que dio que hablar debido a su grandiosa versatilidad y virtuosismo a la hora de hacer Hard Rock fue Van Halen, quienes dejaron sorprendidos a muchos desde su debut en 1978. Fue justamente este primer periodo que abarcó desde el año antes mencionado hasta 1983 donde la banda cosechó su mayor éxito y es el lanzamiento del presente álbum, "1984" el último que sacarían antes de la salida del carismático David Lee Roth de la agrupación. El disco se convertiría en uno de los más vendidos de la banda, del cual se desprenden clásicos inmortales como "Jump!" o "Panama", temas considerados estandartes de la música popular de la ya lejana década de los ochenta.

El álbum conjuga de la mejor forma lo que Van Halen venía haciendo desde principios de su carrera: un Hard Rock directo a la vena, entretenido, de melodías muy memorables y con esos elementos musicales tan característicos de la banda. Destaca la siempre imponente y versátil guitarra de Eddie Van Halen, la poderosa batería de Alex Van Halen en la batería y grandiosa interpretación de David Lee Roth en la voz.

Aún así, la gran diferencia que presenta "1984" respecto de sus antecesores es la presencia constante del sintetizador. Si bien este elemento había sido utilizado en ciertos temas anteriores, aquí podemos escucharlo a lo largo de todos los temas del disco.

Entonces, pasando a revisar temas destacables, partimos con "Jump!", un temón que no tiene mayor presentación. Su comienzo es la mejor muestra del uso de sintetizadores, puesto que abren el tema y que incluso se toman un solo justo después del de guitarra. Gran melodía, un espectacular comienzo.

Continuamos con otro de mis cortes favoritos, "Panama", lleno de energía y feeling en esos riffs del comienzo y en ese ritmo que mantiene la batería durante prácticamente todo el tema. Genial el coro que recita con fuerza "Panama" donde el tema parece liberarse y el excelente solo en el que podemos disfrutar de la grandiosa habilidad de Eddie en las cuerdas. Un corte intenso y enérgico, entretenidísimo. En seguida viene "Top Jimmy", un tema que abre calmadamente con unos excelentes armónicos y que en el cobra fuerza en el estribillo y el coro, además de un genial solo con un cambio de ritmo en la batería muy bluesero. Muy buen tema, bien entretenido.

El siguiente sencillamente es uno de mis favoritos, "Hot For Teacher". Abre con unos redobles de batería con un ritmo muy jazzero y luego el poderoso tapping de Eddie, para pasar a unos potentes riffs. El tema en su construcción posee constantes cambios de ritmo, tanto en el coro como en el estribillo y el solo, que por cierto es uno de los mejores de todo el álbum. Aquí la batería sencillamente se luce por su gran trabajo y ejecución. Una canción entretenida, llena de aires de fiesta y muy genial musicalmente hablando.

Luego viene "Girl Gone Bad", un tema también intenso que demuestra mucho la versatilidad compositiva de la banda a la hora de cambiar ritmos y de tocar sus instrumentos. Poderoso el solo y esa batería implacable que lo acompaña. En fin, buenísimo como todos los anteriores.

Y seguimos finalmente con "House Of Pain" un tema más o menos pesado (claro, dentro de los parámetros de Van Halen) con unos buenos riffs que se repetirán a lo largo de este. Notables los cambios de ritmo tanto para el solo como para después de él. Otro temazo que me parece muy versátil en su composición.

En general, este álbum me ha parecido un excelente trabajo donde se reúnen tanto la técnica y el virtuosismo con mucho feeling y geniales melodías. Al escucharlo es fácil comprender por qué fue tan exitoso en su época y es que posee temas demasiado entretenidos y muy memorables, no es extraño de que aquí salieran aquellos clásicos mencionados anteriormente, realmente se lo tienen muy merecido. Ultra recomendado.

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Fuzzy Control - Chicken [2003]

01.Bakyarou

02.Indian Fu Chicken

03.Uk

04.Feel Your Mind

05.Woo!!!

06.Deirei

07.Hamori No Are - To Ball Now

08.You Get Away

Dentro del enorme cúmulo de bandas nuevas independientes en el país del sol naciente, Fuzzy Control, agrupación formada por JUON (guitarra, voz), SATOKO (batería) y JOE (bajo), es una de las que se ha hecho de un gran reconocimiento a lo largo de los pocos años que llevan de carrera. En 2003 sacan "Chicken" su primer disco, aunque su real debut no sería considerado sino hasta el lanzamiento de "First Control" de 2004, no obstante, en el presente disco ya muestran gran parte del potencial que tienen por ofrecer.

En Chicken la banda hace gala de temas inspiradísimos, con una gran vibra rockera, de harto groove y energía, compositivamente versátiles y creativas, que presentan una mezcla de estilos que van desde el Hard Rock, mucho Funk, Blues, Pop y alguno que otro toque Ska. Dejan notar en este aspecto, claras influencias de bandas como Rage Against The Machine, Red Hot Chili Peppers o Jimi Hendrix, entre otros. En cuanto a lo musical, a mi parecer la banda sorprende con un formidable desplante en cada uno de los instrumentos, con muy buena técnica y poderoso feeling que queda plasmado en cada tema.

Entonces, vamos con los temas destacables. "Bakyarou", un tema muy enérgico que entra con fuerza desde el principio y donde ya se notan los toques Funk y Hard Rockeros, sobretodo en el el trabajo de la guitarra y el bajo, además de una batería que le va dando intensidad al tema. Posee un estribillo bastante melódico y un coro entretenido que recita el nombre de la canción. Gran tema para partir, aunque es sólo una muestra.

"Indian Fu Chicken" es otro tema bastante entretenido, de una veta principalmente Rockera, donde destaca mucho el trabajo de la batería en el estribillo y el genial solo con harto groove y con una "suciedad" muy bluesera. Continuamos con "Feel Your Mind", un tema muy Funky en el que el bajo toma prácticamente toda la dirección, con notables cambios a lo largo de este, y una notable participación durante el estribillo, apoyado por una genial guitarra rítmica. Geniales los riffs y el solo que también suda Funk y la batería siempre presente con variados juegos de ritmo. Uno de mis temas favoritos por la agilidad que posee, muy muy bueno.

Sigue "Woo!!!" un corte que desde el comienzo muestra sin tapujos toques RATM en su estilo. Aquí hay mayor participación de las voces, donde tanto el guitarrista como el bajista y la baterista cantan sus fraseos con un leve toque a rap. Genial la fuerza que toma el tema en el coro y el solo acompañado de unos entretenidos wah wah, muy a la Tom Morello y lo mejor también viene justo cuando el tema parece terminar donde hay una sección muy Funk. Muy entretenido.

"Deirei" es otro de mis favoritos. El tema abre con unos riffs y un estribillo muy melódico con voz en eco, para luego pasar a unos riffs que de repente se cortan para dar paso a unos redobles de batería, juego que se irá repitiendo a lo largo del tema. Aqui la baterista se toma el tema, donde hace gala de una poderosa técnica y manejo, mucho redobles y contrapuntos con increíble energía que van variando. Genial también el solo, muy Funky para variar. Excelente tema, realmente me encanta.

"Hamori No Are - To Ball Now" un tema más relajado que abre con unos arpegios y una voz mucho más grave y muy melódica que desemboca en un coro con gran fuerza en los riffs y unas voces que recitan el nombre del tema. Lo mejor viene en el solo, con unos finos punteos, muy blueseros y que luego siguen en un genial solo, "sucio" y de un feeling maldito, sin dejar atrás la poderosa batería de fondo que sigue con esos juegos de ritmo tan constantes a lo largo de todo el disco y un bajo discreto pero siempre presente. También excelente, de mis favoritas máximas.

Como resúmen, "Chicken" es una muestra de energía, de frescura creativa y compositiva que sumado al feeling y poderoso groove en cada riff o en cada compás de la batería que además poseen una excelente ejecución por parte de cada músico. A mi gusto hay un gran equilibrio entre bajo, guitarra y batería que hace que todos destaquen por igual. Me parece un disco muy entretenido y fácil de escuchar, realmente lo recomiendo mucho.

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Screaming Trees - Dust [1996]

01.Halo Of Ashes
02.All I Know
03.Look At You
04.Dying Days
05.Make My Mind
06.Sworn And Broken
07.Witness
08.Traveler
09.Dime Western
10.Gospel Plow

Screaming Trees, una banda considerada por muchos como una de las forjadoras de lo que sería la escena Grunge y después de nunca haber tenido el éxito mediático de sus contemporáneos, lanza en 1996 la obra que se convertiría en su trabajo cúlmine, "Dust". El álbum en su momento pasó prácticamente desapercibido, obtuvo muy malas ventas lo que provocó que el sello no se interesara más por la banda, lo que terminaría más adelante con la disolución de la misma, pero que, increíblemente, hoy en día es considerado uno de los discos fundamentales de la década.

"Dust" es un disco que muestra el punto más álgido de la evolución de la banda, donde logran reunir de gran forma todas sus influencias que van desde la psicodelia sesentera de The Doors, con el Hard Rock de corte más Zeppelinesco con un aire moderno, al que se le suman toques de Gospel, Folk, etc. Por lo mismo, dentro del trabajo compositivo, podemos escuchar sonidos de clavicordios, pianos, acústicos, percusiones Indias, mellotrones y un sin fin de ricas capas sonoras que logran crear diversos matices.

Otro punto destacable son las notables melodías que convierten al álbum en algo muy efectista, de fácil escucha. Esto apoyado por el genial trabajo de la guitarra y bajo de los hermanos Conner, la sólida batería de Barrett Martin y la voz calma de Mark Lanegan, al que se suma el teclado de Benmont Tench, entre otros músicos invitados. Todo bajo la atenta mirada de George Drakoulias en la producción que logra dar cohesión a cada pieza del disco.

Entonces, siguiendo con la revisión de los temas más destacables, parto con el primer corte, "Halo Of Ashes", un grandioso comienzo donde se muestran rápidamente los sonidos poco convencionales que acompañarán a lo largo del disco. Con un aire hindú gracias al sonido del mellotron, la congas, el djembe, pero que es netamente rockera con los fuertes riffs y la batería constante y enérgica. Gran tema para ir adentrándose en el disco.

Continuamos con "All I Know", tema que fue single promocional. Aquí ya hay mayor fuerza en los riffs, acordes acústicos y un atmorférico teclado de sonido psicodélico. Este es uno de los mejores temas, de un gran sentido melódico y rítmico, y de coro muy memorable que a medida que avanza toma enorme intensidad. Maestrísimo.

"Dying Days" otro tema que abre con acordes acústicos y a Lanegan recitando las frases que forman parte del coro. Geniales son los riffs que antes del coro, le dan fuerza a la voz de Lanegan y las frases que dicen "All these dying days, I walk the ghost town, used to be mi city..." apoyado con las voces de los 21st Street Singers, para luego desembocar en un excelente solo, lleno de feeling de la mano de Mike McCready. Este es uno de los temas que instrumentalmente más me gustan: tiene teclados, acústicos, coros que dan energía, y el sonido de un piano eléctrico, etc, una joya de tema, de mis favoritos.

Seguimos con "Make My Mind", una canción con una excelente melodía y donde se logra apreciar más al cuarteto principal de músicos interpretando con gran maestría. Excelentísimo coro que recita "You make my mind, just wanna leave this world behind..." y el poderoso solo de Conner que sigue la melodía del coro. También de genial factura los coros que apoyan a Lanegan que luego toman protagonistmo al final del tema. Asombroso.

Con "Sworn And Broken" bajamos un poco las revoluciones. Un corte con aspecto a balada, en un comienzo bastante acústico y luego con energía más eléctrica, que además son apoyados con un cello y hermosos coros, que terminan un solo de teclado con ese aire sesentero característico de la banda. Un tema precioso en todo aspecto.

"Witness" vuelve al sonido más básico de la banda, recuperando la energía pero con una batería más incisiva aún. Maestrísimo el coro que es lo que más me gusta del tema y el solo de guitarra. Seguimos con "Dime Western", bastante más psicodélico que el resto. Con harto teclado atmosférico, percusiones y a Lanegan cantando más bajo de lo acostumbrado. Notable.

Cerramos con "Gospel Plow", otro tema con aires indios donde escuchamos el sonido de tablas, harmonio y un bajo que va marcando la pauta. Genial es luego el desarrollo del tema, que sigue con ese bajo constante y unas guitarras con poder que finaliza luego de la misma forma que empezó.

En resúmen, "Dust" es un disco que reúne un trabajo instrumental y compositivo impresionante con melodías memorables que pueden fácilmente encantar a cualquiera que quiera escucharlo. Me parece un grandioso disco que sólo el tiempo le daría la justicia que merecía, una lástima puesto que si hubiese sido así desde un principio, probablemente la historia sería otra. Es de los mejores discos de Rock que he escuchado ahora último, como podrán haber notado, me gustó demasiado, es para mi una obra maestra. Totalmente recomendado.

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