Rodo's Music Corner

Supafuzz - All About The Rock [2000]

2011-02-23T21:28:00.000-08:00

01.Fool No More

02.I Am The King

03.Sick Of It

04.Tonic & Cigarettes

05.Confession

06.Subsonic

07.Arguing With God

08.And Then She Blooms

09.Anesthesia

10.Blame

11.We're Alright

12.Bottomed Out

13.Fade

Otro Power-Trio...pero qué Power en todo caso, Supafuzz es una banda originaria de Kentucky, Estados Unidos y formada por David Angstrom (voz, guitarra), Jason Groves (bajo) y Chris Leathers (batería), comenzó sus andadas por la escena musical a mediados de los 90, despachándose un potente homónimo en 1998. Sin embargo, los niveles fueron aún más altos y algunos años después lanzaron "All About The Rock", un combo rockero que mejoró (según mi apreciación) muchos aspectos de su debut (aún cuando es un discazo) y de toda su carrera. Actualmente se encuentran disueltos o en "hiatus" e información sobre ellos es escasa, tampoco fueron un grupo popular, pero alcanzaron el estatus de banda de culto y son tremendamente respetados dentro de la fanaticada Stoner.

Entonces, tal como mencionaba, en este disco, el estilo de la banda es básicamente Stoner Rock, a veces puramente Hard Rock, de pronto con un ligero saborcillo Grunge, de guitarras potentísimas, llenas de un groove que contagia, además de melodías muy creativas y directas al hueso, sin dejar de lado la fuerza vocal de Angstrom que aporta con la emoción necesaria. Si hubiese algún referente para comparar, es similar a Unida (de hecho Angstrom y John García unen fuerzas en Hermano).

"Fool No More" es el primer track y no hay piedad, Angstrom no se guarda nada y grita con energía los primeros versos del tema para ofrecernos un riffs demoledor, un coro al instante y luego un pequeño solo, todo de una. No te darás ni cuenta cuando te quedes escuchando el disco completo. La banda ya sorprende por una consistencia que habla por sí sola, ellos solos te demuestran por qué tienen el pequeño, pero férreo respeto de sus seguidores.

Y la fiesta no se acaba, ahora viene "I Am The King" que también arranca con fuertísimos guitarreos, para pasar a un verso más cadencioso y luego explotar en el estribillo con más fuerza aún. Enérgico e incansable, de hecho, aún cuando el tema termina, sigue sonando las guitarras, como que no quisieran que esto terminara nunca.

Pero esto no acaba acá, "Sick Of It" es otro tema potentísimo, con un riffeo y la fuerza del bajo de Groves, importante para crear ese sonido tan demoledor. A estas alturas, se nota por qué Angstrom destaca en su papel vocal. No olvidemos el solo que es realmente notable. Un tema que te sacudirá, no quedarás indiferente.

"Tonic & Cigarettes" más relajada y muestra a Angstrom en una faceta más melódica al cantar. Lo mejor son esas guitarras fuzzeras que se escuchan y bien Stoner. Todo un agrado de canción, ganchera hasta la última nota.

El siguiente tema, "Confession" sí que es más calmo, que posee un inicio con apenas el sonido del teclado y Angstrom cantando con un registro mucho más grave e intimista.

"Subsonic" se hace de algunos samplers en su inicioy que se juntan con las fuertes guitarras. Acá también hay un coro fuertísimo y algunos cambios de ritmo hacia el final, con otros enérgicos riffs. Buen tema, pero dentro del promedio del disco (lo que no significa menos calidad).

La frescura retorna con "Arguing With God", para variar, un corte lleno de energía, guitarras pesadas y el groove no se hace esperar. Un ritmo constante, buenas guitarras para variar, gran desempeño vocal, estos tipos saben donde y cuando meter un riff para dejarte sin aire.

El próximo track "And Then She Blooms" abre relajadamente, donde parece que nos encontraremos con otro tema lento, pero las fuerza guitarrera vuelve a aparecer, haciéndose acompañar de ciertos pasajes electroacústicos. Notable.

Siguiente track y es "Anesthesia", ahora sí un tanto lento, pero hasta por ahí no más. Un ejercicio medio Nirvanero en algunos aspectos para que se entienda de qué les estoy hablando.

"Blame" también posee el groove característico de la banda. Muy buen tema, que sigue explorando en los terrenos en los que la banda ya nos ha paseado.

Pero de esta tirada de temas, creo que uno de los más notables y pegadizos es "We're Alright", con, otra vez, buenísimos guitarreos y un estribillo que repite el nombre de la canción y con algunas bases de teclado. Entretenido y enérgico para variar.

El penúltimo tema, "Bottomed Out" es otro tema con menos revoluciones. Angstrom canta casi con un susurro, mostrando nuevamente la versatilidad que posee. De alguna manera es un corte que envuelve con su atmósfera.

Y el final corre a cargo de "Fade", uno de mis temas favoritos, donde se resume todo lo que es Supafuzz, con una potente introducción que van mostrando esas poderosas guitarras y la batería de Leathers que suena con más fuerza que nunca. Gran melodía, un solo espectacular y muy buen clímax, perfecto cierre para un gran álbum.

Definitivamente este es un disco que se debe escuchar, los tipos saben dónde colocar un buen riff en el momento preciso y cómo patear traseros con ello, porque así es, esta placa desde un comienzo te da feroz patada de la que difícilmente se podrá arrancar. Se nota inspiración, hay energía y virtuosismo, es un disco muy redondo a mi juicio y donde la banda se muestra en uno de sus mejores momentos. Recomendadísimo, simplemente a dejarse llevar y rockear un buen rato.

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Nudeswirl - Nudeswirl [1993]

2011-02-13T20:25:00.000-08:00

01.Gordon's Corner
02.F Sharp
03.Sooner Or Later
04.Disappear
05.Buffalo
06.Potato Trip
07.Dogfood
08.When I'm Dead
09.Now Nothing
10.Three
11.Damned
12.Ringworm

En mi obsesivo afán de mostrar aquellas bandas que en algún momento hicieron ruido durante los 90, pero que el paso del tiempo hizo que quedaran en el olvido, una de ellas indiscutidamente es Nudeswirl, otra de esas con un increíble potencial, pero que tuvieron muy poca vida y dejaron sólo un registro para la posteridad.

Cuando el Grunge estaba en su máximo peak, Nudeswirl hace aparición con un disco homónico en 1993 bajo el sello Megaforce Records. Si bien a grandes rasgos, el disco presenta muchos terrenos comunes con lo que sonaba en esa época, sí aparecen elementos bastante interesantes en su música, como las constantes guitarras atmosféricas que crean un ambiente un tanto oscuro y envolvente, pero sin dejar la potencia del Hard Rock y el Heavy Metal, con algunos elementos de Psicodelia y harto "wah-wah".

El primer tema es "Gordon's Corner" que tiene una forma de abrir que pronto te puede recordar a bandas como Alice In Chains, aunque rápidamente cambia a unos riffs intensos que muestran una veta cercana al Punk (pero entiéndase de un modo cercano a lo que hacía Nirvana, guardando las respectivas diferencias). La banda lanza parte de su mejor arsenal: una melodía adictiva con un estribillo memorable, sin olvidarse de ese solo. Fácilmente este tema podría haber sido un clásico de los 90.

Siguiente tema y nos encontramos con "F Sharp", un tema enérgico, muy radial, con una buena muestra de "wah-wah" sobre todo en el verso. Acá la banda muestra aún mas de su potencial como músicos, realmente notable, donde cada instrumento destaca. Gran melodía, a mi parecer un corte con una potencia similar a los primeros temas de Pearl Jam, por algo fue seleccionada como single del disco.

En "Sooner Or Later" tenemos un toque mucho más lento, bastante relajado, pero de igual fuerza que las anteriores canciones, como una melodía un tanto melancólica. Lo mejor es ese solo, lleno de feeling que te toma por asalto. Se respira un aire a 90's en cada una de sus notas. Buenísimo.

El próximo es "Dissapear" que abre con unas guitarras atmosféricas muy envolventes, pero que continúan con el aire melancólico. Avanzando el tema, aparecen algunas distorsiones, pero que se mantienen muy a raya. Muy buen tema, demasiado ad hoc con el estilo predominante en aquella época.

Y acá viene uno de mis temas favoritos: "Buffalo", qué canción, excelente melodía y unas guitarras inspiradas, con ese toque "grunge" imposible de describir. Los retazos heavy metaleros aparecen en los riffeos, un solo genial. Nuevamente, la banda tiende a recordar a Alice In Chains, sobretodo por los guitarreos.

Continúa "Potato Trip", nombre extraño, pero genial corte que juega con la intensidad o lo calmo en varios momentos. El bajo destaca por la consistente base que arma. Hay mucha energía de todas formas y los solos totalmente destacables. Buenísimo, otro punto alto del disco.

El próximo es "Dogfood" que abre con unas profundas guitarras, pero que de un momento a otro arremeten unos riffs bastante rápidos y consistentes. El estribillo es muy intenso, posiblemente uno de los más fuertes del disco (dentro del estilo de Nudeswirl claro). El solo es puro Hard Rock y en general, otra canción alta del disco.

Pero la calidad no baja, porque viene "When I'm Dead", tema que posee una de las bases de bajo más pegajosas del todo el disco, pero que en ella se sustena todo el tema, con esas fuertes guitarras. El ritmo no varía en lo absoluto, pero que te deja con ganas de seguir moviendo la cabeza.

"Now Nothing" es un tema completamente calmado, con algunos arpegios y un sonido como alejado, pero que luego hace figura con unos distorsionados riffs, para pasar a suaves melodías de la guitarra. Me gusta el solo, bastante sencillo, pero sentido. Muy bueno.

"Three" abre con guitarras sucias, para de a poco ir tomando forma y mostrar otro de los pesos pesados del álbum. La energía retorna y sorprende escuchar a Shane gritando en algunas partes. Los ligeros cambios de ritmo acá son notables. Escuchando cosas como estas es difícil responder por qué estos tipos no resaltaron mayormente dentro de la escena.

El siguiente tema "Damned" posee nuevamente esas guitarras medio AIC, pero con un muy buen estribillo con los típicos "wah-wah". No hay nada especialmente nuevo, sólo la calidad que han mostrado durante todo el disco.

Último tema que cierra este discazo es "Ringworm" y para variar, buenísimo. Potentes guitarras, sobretodo las del estribillo y el puente. También hay unos cambios de ritmo notables, donde aparecen las guitarras atmosféricas, los excelentes solos, etc. En fin, este tema resume todo lo que es Nudeswirl.

Este disco es totalmente una joya, temones por doquier, musicalmente muy bien trabajado y el feeling que aparece en cada una de las canciones. Un disco que recomiendo totalmente y hace pensar en la cantidad de buenísimas bandas que, por asuntos de mercado, conflictos, etc, se pierden en el tiempo.. hay que rescatarlos ahora ya. Volada de cabeza asegurada.

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My Head - Endless Bummer [1996]

2010-12-30T20:27:00.000-08:00

01.Carnasaur

02.Killer Hair

03.Point Of View

04.Fall

05.Humbucker

06.Positive
07.Sonrisa
08.I Don't Want Nothing
09.Nesbitts
10.Don't Waste My Time
11.Log
12.Teenage Foxes (Bonus Track)

My Head fue un power trío estado unidense formado por Adam Siegel (guitarra y voz), Dave Silva (bajo) y Greg Saenz (batería), a principios de los noventa, pero nunca fue una banda muy conocida, a pesar de su enorme potencial como músicos. Sin embargo nos dejaron para la posteridad su primer y único álbum titulado "Endless Bummer", lanzado en 1996 que es una joyita de aquellas que por alguna extraña razón pasaron desapercibidas, pero ahora es momento de rescatarla.

"Endless Bummer" no es un disco muy distante a lo ya escuchado en la época. Posee un estilo que toma mucha influencia del Hard Rock más clásico, donde aparecen ciertas influencias tanto del Blues como del Funk, pero con un sonido más moderno, cercano al Grunge, tanto en las guitarras, como en la voz de Siegel, que tiende a recordar a Kurt Cobain, así como las melodías que tienen un sabor muy noventero. El aspecto instrumental es realmente impecable, las guitarras son frescas e imaginativas y el apartado rítmico es tremendamente sólido. Simplemente es un disco de esos que se disfruta de principio a fin.

El primer track "Carnasaur" ya nos muestra mucho, puesto que después del sonido de unos motores hacen aparición unos buenísimos riffs que te pueden atrapar de entrada, para luego pasar a un curioso cambio de ritmo, pero que no entorpece para nada el tema. Notable energía y fuerza, sobretodo en el coro, sin olvidar el solo que siendo sencillo, tiene tremendo feeling y la voz de Siegel que transmite furia. Buen comienzo.

"Killer Hair" es menos fuerte, pero con un ritmo intenso de todas formas. El color de las guitarras cambia bastante, mostrando el por qué de la versatilidad en este sentido, lo que crea un tema con una dirección musical bastante diferente .

En "Point Of View" tenemos una introducción que fácilmente nos puede recordar a Soundgarden o al Silverchair del "Frogstomp". Un tema con una melodía y una estructura que fácilmente podrían haberla convertido en un single radial. Muy buenas guitarras, la voz de Siegel enérgica y el estribillo realmente memorable, sin olvidar esos pequeños punteos que adornan el tema por los que puedes quedar totalmente enganchado.

El siguiente tema "Fall" es de una veta mucho más Hard Rockera y otra vez con esos sutiles acordes, que se transforman en fuertes riffeos con una lógica muy bien armada, algo que destaca mucho en todos los temas del disco. El estribillo es otro de esos memorables y el solo, wow! Siegel muestra cada vez más una habilidad notable, aunque en un principio no lo parezca.

Pero si de cortes adictivos se trata, "Humbucker" se lleva todos los honores, por algo fue el single promocional del álbum. Una canción relajada, pero con una potentísima base rítmica, donde destaca mucho el bajo. Pero lo mejor definitivamente es su estructura melódica, el estribillo buenísimo, el solo espectacular y unos punteos en los puentes. Realmente mi tema favorito del disco, toda la madera para ser un clásico de los noventas.

"Positive" tiene un ligero aire Stoner en su comienzo. También es un tema relajado en general, pero posee un coro potente, además de unos tiempos en la batería diferentes a los antes escuchados. Otro buen tema.

Le sigue "Sonrisa" una canción muy variada, puesto que tiene la sensibilidad de temas como "Killer Hair", con pasajes electroacústicos, que vuelven a cambiar el color del tema, pero que no dejan de lado los riffeos pesados. La voz de Siegel destaca de sobremanera, mostrando otros registros. Buenísimo.

Las influencias Punk aparecen en "I Don't Want Nothing", que es dentro de lo más "pesado" del disco (dentro de los parámetros de la banda), con una batería intensa y el bajo discreto pero constante. Altamente cotagioso, será imposible no mover la cabeza.

"Nesbitts" continúa con los toques más pesados. Acá hay unos riffeos más furiosos, un coro que tampoco se queda atrás y una sección instrumental que acentúa el mismo aspecto. Del mismo modo "Don't Waste My Time" sigue un poco la misma línea, quizás menos fuerte, pero con mucha fuerza de todas formas.

"Log", me recuerda al Soundgarden del "Down On The Upside". Tiene ciertos toques experimentales y es principalmente instrumental a pesar de algunos versos que se recitan constantemente. También hay pesadez y nuevamente la banda muestra otra faceta en su manera de hacer música.

Y el bonus track es con "Teenage Foxes", canción con ciertos toques a Punk Pop que también quiebra la orientación que estaba siguiendo el disco a sus cierre. Entretenido y positivo. Aún así no dejan de sorprender con algunos efectos medio psicodélicos en el solo. Notable.

Como pueden ver, este disco de My Head me gusta demasiado. Globalmente es un disco que se siente muy inspirado, hay estructuras muy bien armadas, cada guitarreo parece muy bien pensado, por algo cada uno de los temas tiene algo interesante que aportar y hacen que el disco se deje escuchar con facilidad. Además, las melodías son muy oreja por lo que varias de ellas se quedan dando vueltas, irremediablemente, en tu cabeza.

Si bien el estilo que manejan es similar a lo conocido en la época, logran darle un toque propio, principalmente por la versatilidad en su sonido, pero sin perder la línea.

Para mi es un disco notable, uno que tiene que ser reconocido más como se merece. No se decepcionarán para nada.

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Sir Lord Baltimore - Kingdom Come [1970]

2010-12-13T18:14:00.000-08:00

01.Master Heartache

02.Hard Rain Fallin'

03.Lady Of Fire

04.Lake Isle Innisfree

05.Pumped Up

06.Kingdom Come

07.I Got A Woman

08.Hell Hound

09.Helium Hound (I Got A Love)

10.Ain't Got Hung On You

Buscando por ahí acerca de clásicas bandas que hayan sido influencia del Rock de mi agrado, me topé con Sir Lord Baltimore, un trío proveniente de Nueva York conformado por John Garner (voz/batería), Louis Dambra (guitarra) y Gary Justin (bajo). Si bien tuvieron una corta carrera que inició en 1968 hasta 1976, dejaron una importante huella en la historia del Rock con "Kingdom Come", su único LP que es considerado hoy un clásico del Proto-Heavy Metal.

Y tal como suena, "Kingdom Come" es un disco a la vena, lleno de guitarras sucias y distorsionadas, con un sonido similar a Black Sabbath (como referencia), donde también aparecen claros elementos del Rock n' Roll, Blues y algo de Jazz, pero con un sonido más duro y temas rápidos. Además, Garner hace gala de una poderosa voz, de recurrentes falsetes que le dan una energía mayor a cada corte.

El primer tema, "Master Heartache", es el mejor ejemplo de lo mencionado anteriormente, un tema trepidante y sucio, con unos riffs tan al hueso que definitivamente se nota por qué hicieron escuela. Además, ese coro que grita "Womaaaan..." es para quedarse pegado en tu cabeza todo el día, con una energía desbortante. Realmente es un corte de puro Rock, una cachetada para despertarte y comenzar a escuchar este fantástico disco.

En la línea de lo anterior viene "Hard Rain Fallin'", que no se queda en potencia. Siguen esas guitarras desprolijas y una base de bajo contagiosa que lleva toda la rítmica del tema. No olvidemos el espléndido trabajo en los tambores, puesto que acá hay unos redobles que te harán mover el cuerpo aunque no quieras.

Luego sigue "Lady Of Fire", continúa con la intensidad. Acá la guitarra destaca de sobremanera, con unos solos muy bien puestos. También Garner destaca por su "desesperada" forma de cantar, lo que también añade fuerza al tema.

"Lake Isle Of Innisfree" es un tema más relajado hecho sólo con una base de órgano que de pronto le da un aire antiguo, como si hubiese sido grabado en otra época. Garner muestra una voz más limpia y armoniosa. Buen tema, otorga otros matices al grueso del disco.

De todas maneras, en "Pumped Up" nos abre con un desgarrado y sucio riff, para adentrarnos en un tema con un ritmo abrupto que tiene unos cambios de ritmo muy repentinos. La guitarra simplemente se luce, además se puede escuchar uno de los mejores solos del disco. Estos tipos parecieran destrozar sus instrumentos con cada acorde que tocan.

Ahora, el tema que da nombre al disco, "Kingdom Come". Las guitarras como siempre fuertísimas, aunque este no sea un corte rápido y la voz destaca mucho más. Tiene un estribillo muy potente, posiblemente uno de los más gancheros del álbum. Un excelentísimo solo da final a otro buenísimo track.

"I Got A Woman" suena tan a Rock Clásico, que parece de esos que tocarían una y otra vez en los bares. La base bluesera es innegable y la batería hace uno de sus mejores trabajos y más aún en la sección rítmica cerca del final. Realmente notable.

"Hell Hound" es una de mis canciones favoritas y por la que conocí a Sir Lord Baltimore. Unas guitarras rabiosas que exhudan inspiración por todos lados, una melodía contagiosa a más no poder y en general un trabajo instrumental buenísimo. A mi parecer uno de los temas más dinámicos, donde todo suena equilibrado y destacan por igual. La potencia misma, creo que en un poco más de 3 minutos quedan resumidas todas las bases del Hard Rock actual.

Similar es lo que sucede con "Helium Hound (I Got A Love)", que posee una melodía memorable y una batería...wow! El estribillo no puede ser mejor, donde todo tiene un aire a fiesta. Nuevamente el trabajo instrumental es impecable y no escatima en potencia. Si con esto no dan ganas de saltar, no sé qué lo hará.

Para cerrar el álbum está "Ain't Got Hung On You", otro corte enérgico que para nada parece ser final del álbum. La base rítmica es más que destacable y suele repetirse a lo largo del tema que, lejos de aburrir, inyecta más ganas de seguir disfrutando. Parece que estos tipos no pueden parar su propia máquina y así como llegaron, se van, dejando la vara muy en alto y con ganas de escuchar aún más.

Este disco es realmente una aplanadora, lleno de energía y potencia, que combinados con aires a celebración, hacen que sea tremendamente adictivo. Además posee un sonido demoledor que te deja sin aliento, repleto de guitarras sucias y bases rítmicas dementes. Creo que es un must, si eres seguidor del Rock setentero, este disco DEBE estar en tu colección. Absolutamente recomendado.

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Clutch - From Beale Street To Oblivion [2007]

2010-09-13T23:12:00.000-07:00

01.You Can't Stop Progress
02.Power Player
03.The Devil And Me
04.White's Ferry
05.Child Of The City
06.Electric Worry
07.One Eye $
08.Rapture Of Riddley Walker
09.When Vegans Attack
10.Opossum Minister
11.Black Umbrella
12.Mr. Shiny Cadillackness

Clutch sencillamente una banda que no necesita mayor presentación. Una fructífera carrera de 20 años con 9 discos bajo el brazo, los avala como una de esas bandas de culto que ayudaron a forjar un estilo y son influencia de varias, sin tener el absoluto reconocimiento masivo que merecen, pero que siempre están allí, sorprendiendo lanzamiento tras lanzamiento.

"From Beale Street To Oblivion" es el octavo disco de la banda y que sigue la senda evolutiva de la misma en los últimos años, donde ha incorporado elementos del Blues y Funk, aunque sin dejar de lado el Hard Rock, y el Stoner, alejándose del sonido más pesado y furioso de los primeros trabajos. A eso sumémosle un proceso compositivo muy inspirado, un feeling que pone los pelos de punta y una ejecución realmente sublime, que convierten a este LP en un clásico instantáneo.

La aventura comienza con la excelente "You Can't Stop Progress" que abre con unos redobles y la voz grave de Neil Fallon que te echa encima toda la caballería del Blues en unos pocos acordes. La explosión viene en el estribillo, con un coro fuerte y enérgico queno da respiro. Excelente tema, si no te dan ganas de continuar con esto, definitivamente no sé qué puede hacerlo.

Sigue "Power Player" que abre con un intenso riff y un ritmo altamente contagioso. Una melodía enérgica se apodera de todo el corte, sin olvidar el estribillo que tiene una fuerza impresionante. El solo para qué decir, es espectacular. Una de mis canciones favoritas.

"The Devil And Me" es mucho más relajada, pero conserva las buenas guitarras y esas melodías tan bien armadas. Es importante mencionar el espectacular trabajo de los teclados y en este tema le dan cierto toque psicodélico, sobretodo en el estribillo. Muy buen tema.

Continúa "White's Ferry", que comienza muy suave con unos punteos blueseros, para luego llegar a un coro mucho más intenso. Lo mejor del corte sin duda son las guitarras, muy bien armadas y en el solo llegan a un genialísimo clímax. "Child Of The City" tiene unos riffeos bien Stoner y un coro muy melódico. Acá aparecen ciertos toques Funk, que hacen el tema mucho más entretenido. Buenísimo.

Y se viene uno de mis favoritos, "Electric Worry", un tema que a mi parecer resume todo el concepto de Clutch en este disco. Un Blues/Rock de tomo y lomo, con un coro que ya escucho siendo cantado en bares por grupos de amigos y una demostración de versatilidad tremenda, con un solo de harmónica de mano de Eric Oblander de Five Horse Johnson, uno de guitarra y luego uno de batería donde Jean Paul Gaster se luce. Pegado a este tema, casi como continuación viene "One Eye $" que tiene un riff genalísimo, totalmente vieja escuela, además de un ritmo demasiado contagioso. Dos grandes cortes al hilo.

El siguiente es "Rapture Of Riddley Walker" calma las aguas un poco, sin dejar de sonar fuerte. Me llama la atención la forma de cantar de Fallon que de pronto tiene un fraseo muy afroamericano. Acá también la avalancha bluesera se viene contra ti: buen coro, buenos riffs, gran solo, etc. Lo mismo con el siguiente tema, "When Vegans Attack" es otro tema muy Blues, pero con unos toques ligeramente Southern y una melodía más alegre.

"Opposum Minister" posee fuerza y energía, aunque es un tema dentro de la media del disco, aunque no quiere decir que tenga desperdicio. "Black Umbrella" es otro ejercicio Blues/Rockero notable, donde vuelve a aparecer la harmónica y los teclados psicodélicos.

"Mr. Shiny Cadillackness" es un cierre brillante, con una base de bajo que se convierte en todo el cuerpo del tema. Aquí Fallon recita algunos versos antes de entrar en la melodía que tiene un explosivo coro, con unos certeros riffs y buenísimos solos, sobretodo cerca del final. La energía vocal acá es notable, Fallon sabe dotar de fuerza a los cortes. Es increíble que este sea el último tema, quedan ganas de seguir escuchando más.

En resumen, este octavo disco de Clutch es uno de esos discos que se disfruta globalmente como álbum. El disco mantiene un nivel alto en todos sus temas y unos momentos de brillantez más que notables. Además, muchos temas tienen una corta duración, por lo que es difícil perder la atención, una vez que puedes enganchar con el primer tema, no lo sueltas más.

Absolutamente recomendado, un álbum que deben escuchar y quienes no la conocen aún, es una excelente manera de partir con esta grandiosa banda.

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Corrosion Of Conformity - Deliverance [1994]

2010-09-06T20:22:00.000-07:00

01.Heaven's Not Overflowing
02.Albatross
03.Clean My Wounds
04.Without Wings
05.Broken Man
06.Señor Limpio
07.Mano de Mono
08.Seven Days
09.#2121313
10.My Grain
11.Deliverance
12.Shake Like You
13.Shelter
14.Pearls Before Swine

Hay discos a los que se le tiene un cariño especial, independiente de todos los argumentos que se den en cuanto a lo musical para destacar su valía, sino que simplemente marcó algún momento en la vida. Y ahi es cuando entra este álbum que fue uno de los primeros que me introdujeron en el Stoner Rock, me refiero a "Deliverance" de Corrosion Of Conformity, esta mega banda oriunda de Carolina del Norte, un referente importantísimo del Crossover, Heavy y Sludge Metal, que ha.

Salido en 1994, "Deliverance" es un álbum que marca un cambio radical en el sonido de la banda, que se aleja del estilo más Thrasero de sus primeros álbums, para tomar claras influencias a la Black Sabbath y del Heavy Rock setentero, como también por los primeros trabajos de bandas como Soundgarden o Kyuss, añadiéndole un toque muy propio que incluso ha servido de referencia para bandas posteriores. El disco es uno de los más populares de la banda y es considerado todo un clásico de los 90.

Así empezamos con "Heaven's Not Overflowing" que abre con unos certeros riffs que nos introducen en una melodía rabiosa que de entrada muestra ese gustillo setentero, pero con el toque propio que ya mencionaba. Mucho power, sin olvidar ese espectacular solo de sumo buen gusto, es una gran manera de iniciar.

Le sigue uno de los temas emblemas del disco y personalmente uno de mis favoritos: "Albatross", con un riff enfermamente hipnotizante, una batería lenta y un toque que huele a desierto por todos lados, de esos que te imaginas a un montón de gente saltando en cámara lenta. Excelentes solos, interpretados tanto por Weatherman como por Keenan, con un genial feeling.

"Clean My Wounds" es otro de los temas reconocidos de este disco. Buenos guitarreos, un estribillo notable, buenos solos, muy bien armados, en general tiene todos los elementos que ya se han venido mostrando con anterioridad. Continúa "Without Wings" un instrumental electroacústico exquisito, muy suave que da un pequeño respiro.

Luego de la suavidad, vienen los pesados riffeos de "Broken Man", de una lentitud y forma de cantar que ligeramente puede recordar a Melvins. Otra vez hay un sublime trabajo en los solos y algunos cambios de ritmo. Muy bueno.

"Señor Limpio" recupera la velocidad, pero además le suma un poco de groove a las guitarras unido a esa marca registrada de Keenan para cantar. Un estribillo explosivo que toma más intensidad y pesadez aún. Un tema desbodante energía, sin duda uno de los puntos más altos del disco. Y para volver a relajarnos un poco, "Mano de Mono" vuelve a tomar las guitarras electroacústicas, como una continuación de "Without Wings", pero sumándole una ligera guitarra eléctrica y teclados.

Y de pronto aparece "Seven Days" con esas guitarras tan Stoner que me hace sacar una agradable sonrisa. Todo es como lento y arrastrado, pero no aburre en lo absoluto. Otro corte buenísimo que expele "noventas" por todos lados. "#2121313" es otro instrumental, pero no destaca como los anteriores.

Viene "My Grain" y vuelve la pesadez, con la voz más dura de Keenan. Acá destaca mucho el trabajo rítmico, el bajo y la batería realmente se lucen. Los solos cada vez mejores, la dupla de guitarras suena poderosa. Otro corte memorable.

En "Deliverance", los wa-wa se toman la canción para darle un potente groove. Fuerte coro, bien enérgico, todo directo al hueso, nada más que decir. Los solos cercas del final son de lujo. Después viene "Shake Like You" con un sonido saturado en las guitarras que de pronto suenan muy Sabbathicas, para pasar a otro tipo de riff más pesado con la ya característica voz de Keenan con efecto megáfono. Genial tema, simplemente tiene todo lo que ofrece COC a estas alturas.

Posteriormente comienza "Shelter", una canción relajada, con unos suaves acordes y la voz de Keenan cantando muy bajo, pero con un limpio desempeño. Muy notable, sobretodo por esa capacidad de mostrar otro tipo de sensibilidad.

Y el último tema "Pearls Before Swine" que abre con un suave bajo y un pequeño toque bluesero en las guitarras. De un discreto verso, pasamos a un estribillo potente, con una melodía que inevitablemente me recuerda a "Search With Eyed Closed" de Soundgarden y con unos coros Melvinianos que suena casi a tributo. Buenísimo track.

"Deliverance" es un disco a mi parecer, notable. Está lleno de poderosas melodías y un estilo que si bien se notan de manera muy marcada sus influencias, logra crear algo original, con un sonido muy propio y que se transformará posteriormente en marca registrada. Personalmente lo recomiendo, a mi gusto tiene todo lo que un buen álbum de Rock debe ofrecer y además, tiene ese gustillo noventero que a más de alguno puede agradar.

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Alabama Thunderpussy - Fulton Hill [2004]

2010-07-13T16:50:00.000-07:00

01.Such Is Life
02.R.R.C.C.
03.Wage Slave
04.Three Stars
05.Beat Bating
06.Infested
07.Alone Again
08.Lunar Eclipse
09.Blasphemy
10.Do Not
11.Sociopath Shitlist
12.Struggling For Balance

Si hay una banda unida con el único y noble propósito de patear traseros con su música, esa es Alabama Thunderpussy, un combo provenido de Richmond, Virginia, formados en 1996 y que tuvieron una fructífera carrera hasta su disolución el 2008. Dentro de los registros que inmortalizaron está "Fulton Hill" el 2004, que vino acompañado de un cambio de vocalista, después de años de estar con Johnny Throckmorton, ahora es Johnny Weils quien toma su lugar.

Además de la voz, el sonido de la banda tiene un ligero cambio, posiblemente más orientado al Heavy Metal más pesado, de pronto más Thrash si se puede decir de alguna manera, aunque nunca dejando de lado el aspecto más cercano al Stoner y ciertos toques Southern y en este disco en particular, lanzaron toda la carne a la parrilla, ya que está plagado de temas más que memorables, tanto por sus melodías, como por sus afilados riffs.

El comienzo de este disco, "Such Is Life", es un instrumental bastante calmo en un comienzo, pero que al avanzar toma más fuerza y suenan un muy buen solo, con unos riffs un tanto pesados de base. Si bien acá aparecen los toques más metaleros, no es para nada un anticipo de lo que se viene después, pero calienta los motores de algún modo.

El siguiente track es una avalancha que te cae encima, "R.R.C.C." arranca de una manera muy abrupta, con Weils cantando con furia y unos riffs exquisitos, esos que siguen un poco la escuela del Heavy Metal más clásico, pero de sonido moderno, además de un ritmo "in your face". Un tema que engancha a cualquiera y es la mejor forma de empezar.

Pero esto no queda ahí, porque "Wage Slave", si bien no es tan rápida, posee unos riffs metaleros de alta factura, que más gancheros no pueden ser. También los cambios de ritmo son notables, los solos muy bien colocados, una melodía que podría definir como épica, etc, absolutamente todo. Un tema que se me ha quedado dando vueltas por mucho tiempo, lejos uno de mis favoritos y de los mejores del álbum.

En "Three Stars" curiosamente cambia la tónica, donde suenan mucho menos pesados y el aire más Country se toma todo el tema, adornado con el sonido de órganos y pasajes acústicos que muestran otro tipo de sensibilidad musical, pero que no deja de lado la fuerza y energía. Realmente genial.

"Bear Bating" tiene unos guitarreos que, insisto, son inspiradísimos y siguen con la misma línea de los temas anteriores, donde la furia no se agota para nada. Ya cerca del final hay unos riffeos más Sludge, de aires Melvinianos muy bien logrados. Lo mismo con "Infested", aunque el canto de Weils se acerca a lo más gutural y con algunos arpegios más distendidos en el estribillo. Lo mejor viene con los riffs cerca del solo, pesados, sucios, ideales para cabecear.

"Alone Again" comienza bien tranquila y la guitarra posee un efecto que por alguna razón me recuerda a los inicios de temas de Alice In Chains. Acá por primera vez escuchamos a Weils cantando más limpio y armónicamente, lo que descoloca porque tiene otro registro. También suenan unos teclados que suavizan el sonido de las estridente de los riffs y el solo que acá se escucha es espectacular.

Pero retomamos las guitarras pesadas y gancheras con "Lunar Eclipse" donde los "Alabama" demuestran nuevamente su buen hacer en este sentido. Buen ritmo, fuerza, creatividad y otra vez el Heavy Metal se toma todo. También es uno de mis favoritos.

En "Blasphemy" aparecen unos riffs un tanto más Hardcore, más rápidos y certeros, directos a la cara. Ya por la mitad del tema, aparecen nuevamente los toques medio Sludge, aunque no tan patentes como antes.

"Do Not" retoma la calma con unas suaves guitarras acústicas para comenzar y un aire bastante melancólico, un estilo que de todas maneras calza con el disco. La voz de Weils cumple inesperadamente, igual como lo hiciera con "Alone Again". Un bonito corte, aunque suene un tanto extraño.

El contraste que llega con "Sociopath Shitlist" es más que notable, porque acá, luego del sonido de un bajo lúgubre, aparecen unos riffs fuertísimos, arrastrados y voces guturales, siendo posiblemente el tema más pesado del disco. Buenísimo, nada que decir y el solo, genial.

"Struggling For Balance", la canción con la que cierra el disco, demuestra otra vez por qué estos tipos deben ser escuchados. Un tema de 13 minutos, con un comienzo muy Stoner, que luego se torna en un estilo medio Sabbathico de lujo, donde hay una larga sección de un solo más atmosférico que mantiene la atención y va tomando gran instensidad. Cambios de ritmo, riffeos más arrastrados, buenos solos, etc. En general, este tema resume un poco lo que es este disco.

Y bueno, "Fulton Hill" es un discazo, de esos que te pueden dejar una sensación de conformidad total, puesto que es absolutamente redondo. Si bien los riffs pesados son la especialidad, hay mucha variedad en cuanto a ritmos y sonidos, demuestran mucha versatilidad, pero con una dirección muy clara. Si quieres algo que te vuele la cabeza, con temas inspirados y mucha furia, este es tu disco. Recomendadísimo.

Link en comentarios.

The Fluid - Purplemetalflakemusic [1993]

2010-07-05T20:40:00.000-07:00

01.My Kind
02.One Eye Out
03.She Don't Understand
04.7-14
05.Pill
06.Wasn't My Idea
07.On My Feet
08.Lies
09.Mister Blameshifter
10.Said That I'm Through
11.Change
12.Hand In Hand

The Fluid es una banda originaria de Denver, Estados Unidos, formada prácticamente a mediados de los 80 y fue una de las primeras agrupaciones fuera de Seattle que ficharon con Sub Pop. También fueron considerados parte del movimiento Grunge de principios de los 90, pero como muchas bandas, fueron un acto bastante discreto para las masas.

Tuvieron una fructífera carrera desde su primer lanzamiento en 1986 titulado "Punch N' Judy" e inmortalizaron registros tan notables como "Glue" de 1990. No obstante, el que es por lejos uno de los mejores y favorito personal es "Purplemetalflakemusic" de 1993, álbum que se convertiría en el último, ya que posteriormente se disolverían, pero donde también demostrarían toda la solidez musical alcanzada con los años.

En este disco, al igual que en los anteriores, The Fluid muestra su estilo híbrido que mezcla algo de Punk, con un aire a Garage sesentero, pero que de pronto suena a ese toque medio "surfista" por decirlo así, destacando mejores arreglos y temas muy bien armados, con una energía notable. Aún así, este disco podría considerarlo como el más relajado de la banda, sobretodo si lo comparo con el anterior, "Glue", pero eso no le quita que tenga la potencia suficiente para hacerte saltar.

El álbum comienza con "My Kind" que abre con unos energéticos redobles y nos introduce en una canción muy melódica y entretenidísima, con ciertos toques Punk. El coro es una cosa que se te pega al instante, muy efectivo y dan ganas de cantarlo con un grupo de amigos. Gran tema que es pura fiesta, da la impresión de que se divierten y lo contagian.

"One Eye Out" tiene unos riffs más sucios y la veta más Hard Rockera hace aparición y la fuerza no se detiene por nada. Destaca mucho el solo de guitarra, de los más sencillitos que he escuchado pero wow, queda tan bien. Otro tema que se disfruta.

El siguiente tema, "She Don't Understand" posee un ritmo un tanto más reposado, con unos riffs de sonido más "grungy" por decirlo de algún modo. Sigue más o menos la misma línea del anterior. En el siguiente, "7/14" aparecen unos guitarreos más potentes y una batería más marcada aún, con una cierta lentitud que lo hace más pesado que otros temas. Ambos muy buenos cortes.

"Pill" retoma la energía, con un ritmo muy entretenido y un estribillo demasiado notable, muy buenos riffs, donde aparece un poco el aire más garagero. Notables son los arreglos que hacen notar muy bien al bajo, que tiene una presencia arrolladora, tanto aquí como en todos los temas.

La fuerza y diversión del primer track aparecen acá nuevamente con "Wasn't My Idea", tema que posee unos tiempos más irregulares, pero con un ritmo que te hace saltar y realmente destaca por el buen hacer de estos tipos (los guitarreos, la batería y el bajo que uf, acá sí que suena potente), que no se entiende cómo no tuvieron más relevancia. Buenísimo tema, de los mejores del álbum.

El siguiente corte es "On My Feet" que posee esos coros muy marca registrada de la casa, con esas bases rifferas más punkys y un solo muy bueno.

"Lies" es otro tema cantado a puro coro, de esos que dan ganas de cantar con tus amigos. Muy buena melodía y con guitarras más Rock n' Rolleras, donde aparece un poco ese toque "surfista" del que hablo. Gran canción, una que con el tiempo se convirtió en una de mis favoritas.

Nuevamente el aire Punk aparece de la mano de "Mister Blameshifter" con un coro potente que recita el título del tema y la energía rodea todo el tema. Robinson canta con más fuerza, a veces parece rabioso. Otro track emblemático de este disco.

Inmediatamente viene "Said That I'm Through" que también es otro de los que más me gusta. Más apacible que el resto de temas y un coro muy bien hecho. Por alguna extraña razón me parece un tema relajante, aunque no sea lento o algo así.

Inesperadamente comienza "Change" que rompe la "calma" del tema anterior, por su ritmo trepidante y fuerza que te toma por asalto, con unos geniales guitarreos y solos otra vez bien Rock n' Roll. Potentísima y entretenida.

Y el tema final es "Hand In Hand" que curiosamente es bastante lenta, con una melodía más melancólica, algo que podría desentonar con todo el resto del disco, pero dada la uniformidad en el sonido, encaja perfectamente. Buen tema.

"Purplemetalflakemusic" no sé si será un disco esencial de la escena Grunge, tampoco sé si es considerado el mejor de la banda, no lo sé...pero de que es un gran trabajo, por supuesto, tiene todos los elementos a mi juicio para destacar y fácilmente ser un clásico, tiene un puñado de temas realmente geniales y accesibles a todo oído. Yo lo recomiendo absolutamente, es un disco altamente contagioso.

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Jack Endino - Endino's Earthworm [1992]

2010-06-07T21:20:00.000-07:00

01.How Much Time
02.Talk Yourself Blind
03.American Nightmare (Revisited)
04.Someone
05.Eat Your Friends
06.See Righ Through Me
07.Inside My Head
08.Fly On Your Windshield (Demo Version)
09.Suspension Of Disbelief

Jack Endino es toda una figura. Aún al haber sido guitarrista de Skin Yard, importante banda que influenció a gran parte de la movida del Grunge, su trabajo más reconocido es como productor musical, faceta que lo ha llevado a firmar discos hoy considerados de suma importancia como "Bleach" de Nirvana, "Screaming Life" de Soundgarden, "Dry As A Bone" de Green River, "Superfuzz Bigmuff" de Mudhoney, "God's Balls" de TAD, y así con gente como Screaming Trees, Babes In Toyland, Gruntruck, etc, etc. Por algo es conocido como "el padrino del Grunge" y no es raro que en los documentales dedicados a la escena, aparezca él dando sus puntos de vista.

Pero el señor Endino también ha tenido una discreta carrera solista que ha resultado en 3 discos de estudio y el que quiero destacar en esta oportunidad es "Endino's Earhworm", lanzado en 1992 y uno de mis favoritos. Para este trabajo, Endino contó con la colaboración de grandes músicos como Barrett Martin (Skin Yard, Screaming Trees), Rob Skinner (Coffin' Break), Greg Gilmore (Mother Love Bone), Daniel House y también el mismo Jack toca otros instrumentos además de la guitarra.

Su estilo difiere de lo hecho en Skin Yard, hay un Hard Rock menos pesado, pero con el sonido sucio que caracteriza sus producciones, unas guitarras muy bien construidas y sólidas bases rítmicas, con un acento en el bajo notable.

Así empezamos con "How Much Time", un relajado tema, bien melódico en el estribillo y con una genial línea de bajo, que en realidad es la base de todo el corte. Un ejercicio Hard Rockero de muy buen gusto, pero que no demuestra todo lo que se viene.

El siguiente es uno de los puntos más altos del disco, "Talk Yourself Blind", un tema que inicia de una forma bastante calma y con unos ligeros riffs, pero luego cambia el ritmo, donde Endino se luce con un solo de guitarra buenísimo, muy bien colocado, lleno de ese efecto wa-wa y con una excelente base rítmica. Gran tema, uno de los mejores.

"American Nightmare (Revisited)" aumenta más la velocidad en relación a los anteriores y Endino canta con mayor fuerza aún. No puedo dejar de destacar el trabajo en las bases que sigue siendo notable, a veces la guitarra funciona como una manera de darle más potencia al tema, pero no se queda con todo el protagonismo. También acá hay un solo genial, sencillito, pero efectivo.

En "Someone", Endino es quien toca todos los instrumentos con un resultado más que destacable, aunque es la voz la que suena bastante lejana y hay apenas algunos fraseos. Acá todo suena muy cohesionado, nada destaca por sobre otra cosa, donde hay momentos de brillantez notables.

"Eat Your Friends", con ese título extraño comienza este tema, el más pesado del disco, donde resaltan más aires a Skin Yard, sobretodo por esa manera que tiene de hacer esos pequeños solos y creo que acá la guitara destaca mucho más. Hay unos cuantos cambios de rimos, con una batería que hace un trabajo espectacular de parte de Barrett Martin. Genial tema.

Este es otro de mis temas favoritos, "See Right Through Me", que tiene un sonido muy Grunge, que se notan desde los guitarreos del inicio. Endino vuelve a tocar todos los instrumentos y en la voz suena bastante parecido a Mark Lanegan. El tema tiene una melodía muy ganchera y gran potencia, se te puede quedar pegada en tu cabeza.

"Inside My Head" es un instrumental con guitarras melódicas, pero sucias, a la usanza de Endino. La base rítmica también tiene mucho que decir, sobretodo ese bajo que es incansable, lo notable es cómo a pesar de que son diferentes bajistas, este aspecto destaque tanto. Un tema con una dirección melódica muy definida, muy bien armado, etc. Buenísimo.

El toque más Rock n' Roll del disco lo trae "Fly On Your Windshield", una canción muy melódica y enérgica, de muy buenos riffs y geniales cambios de ritmo. También se introduce a Greg Gilmore en la batería, quien hace un trabajo espectacular, demuestra un manejo realmente impresionante. Lo mejor es cuando el tema se alarga y ahi es donde Gilmore se luce. Notable, aunque el sonido es algo extraño, pero es entendible puesto que es la versión demo.

Y tema final es "Suspension Of Disbelief", el tema instrumental más largo del disco, unos 10 minutos que parecen de pura improvisación y por lo que tengo entendido, es "en vivo", de ahi que tenga un sonido tan natural. Acá hay aspectos mucho más experimentales, la guitarra de Endino suena mucho más atmosférica y pareciera probar sonidos, mientras Gilmore le saca el jugo a esa batería. Espectacular y así se cierra este grandioso disco.

Simplemente queda decir que este disco de Jack Endino no dejará indiferente a nadie, tiene temas muy bien armados, equilibrados, bien creativos, enérgicos y que muestran lo versátil que es Endino como músico. Creo que el nombre de Endino debería sonar aún más cuando se habla de la escena Rockera noventera, ya que gran parte de ese sonido se lo debemos a él y en este registro queda más que comprobado. Aún al haber salido en pleno apogeo Grunge, pasó bastante discreto.

Si te gustan todas las bandas antes mencionadas, este es tu disco, yo lo recomiendo totalmente.

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Sonic Flower - Sonic Flower [2003]

2010-05-31T19:36:00.000-07:00

01.Cosmic Highway
02.Black Sunshine
03.Astroqueen
04.Sonic Flower
05.Indian Summer
06.Going Down

Buscando un disco "in your face" de Stoner Rock, de pronto me encontré con esta banda Sonic Flower, formada por miembros de la conocidísima Church Of Misery, y que sólo han editado un disco a la fecha, pero suficiente para demostrar potencia, creatividad y feeling, en sólo 6 temas y todo en poco menos de media hora.

Este homónimo, de sólo temas instrumentales, en general tiene todos esos elementos clásicos del Stoner, con su base en el rock setentero a la Black Sabbath, Budgie, entre otros y ciertos toques a Jimi Hendrix, ensalzados con una fuerte distorsión, una batería pesadísima, logrando un sonido que igual se acerca a Church Of Misery, pasando por Monster Magnet o Eternal Elysium. Acá encontramos unos riffs demasiado kick-ass, solos inspirados y estructuras dinámicas, pero con una dirección melódica definida.

Así partimos con "Cosmic Highway" que sólo su guitarreo inicial ya te dice de qué estoy hablando, sin dejar de lado esa batería pesada con unos tiempos algo abruptos, además de esos solos fuzzeros que dan gusto. Geniales cambios de ritmo y una energía desbordante, realmente puedes quedar atrapado sin réplica.

"Black Sunshine" es menos pesada y con una melodía muy ganchera, donde la influencia setentera rebalsa por todos lados. Muy buenos redobles y un presente bajo, que a pesar de toda la distorsión y esos efectos medio Noise, igual toma presencia. Gran tema.

El tercer track con ese nombre medio espacial, "Astroqueen" sigue dándote bofetadas en la cara con ese riffeo buenísimo y una base de bajo distorsionada genial, que se repiten constantemente durante todo el tema. Acá lo que destacan son los solos que se escuchan por un lado y por otro. Espectacular.

"Sonic Flower", posiblemente sea el tema emblema, puesto que da nombre al disco y es el mismo de la banda. Acá nos encontramos con una onda cercana a la de The Atomic Bitchwax, con una muralla de platillos potentísima y un tiempo algo más pausado, sin olvidarse de esos buenos solos.

Con "Indian Summer" tiene un inicio bastante calmo, con aires blueseros, pero que luego se tornan nuevamente en unos fuertes riffs, nuevamente con ese sabor setentero y sobretodo al primer cambio de ritmo, toma una fuerza notable. Buenísimo.

Y finaliza el álbum con otra muestra de power y feeling con "Going Down", con esos riffs más Sabbathicos que nunca y el fuzz y creo que este tema tiene uno de los mejores del disco, con una entrada exquisita. Acá el bajo tampoco deja opacarse y la batería hace uno de sus mejores trabajos. Nada mejor que cerrar de esta manera.

Es una lástima que este sea el único registro que exista y que además sea tan corto, pero de lo poco bueno, porque realmente se disfruta de principio a fin, es un disco lleno de potencia, energía, feeling, etc. Definitivamente estos viejos saben cómo rockear. Recomendado absoluta y encarecidamente.

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Mindfunk - Dropped [1993]

2010-05-03T17:48:00.000-07:00

01.Goddess
02.Closer
03.Drowning
04.In The Way Eye
05.Zootiehead
06.Wisteria
07.Mama, Moses and Me
08.11 Ton Butterfly
09.Hogwallow
10.Billygoat
11.Hollow

Y siguiendo nuevamentre dentro de todo lo que es la movida Grunge/Rock Alternativo de los 90 y más específicamente en esas grandes bandas, esas de las que todos hablan, pero que por alguna extraña razón no tuvieron la suficiente fama, tenemos a una que podríamos considerar como un supergrupo, puesto que está integrada por músicos de otras agrupaciones, muchas de renombre como Ministry, Celtic Frost, Chemical Waste, entre otras, me refiero a Mindfunk.

Mindfunk se formó a principios de a de los 90 por Patrick Dubar (voz), Louis Svitek (guitarra), Jason Coppola (guitarra), John Monte (bajo) y Reed St. Mark (batería). Con la partida de Coppola y Mark de la banda, reclutaron a Shawn Johnson en el bajo y a Jason Everman en la guitarra, conocido por haber sido la segunda guitarra de Nirvana y bajista de Soundgarden. Esta nueva alineación lanzaría "Dropped" en 1993, un buenísimo registro que ahora es considerado todo un clásico.

La banda en sus comienzos tendría un estilo bastante orientado al Funk Metal, sin embargo, para la salida de "Dropped", cambiarían drásticamente su sonido hacia algo mucho más cercano al Grunge, con ciertos toques Stoner, pesadísimos riffs y una atmósfera más melancólica, bastante ad hoc con la tónica de esos tiempos.

El disco parte con "Goddess", el tema más emblemático del disco y de la banda en general, que con esos potentes riffs de entrada ya te dice por qué. Un corte muy bien hecho, bastante pesado , con un muy buen solo de guitarra, que toma un poco del estilo Funk Metal, pero donde ya se nota esa orientación más Stoner. Buenísimo, ideal para comenzar a introducirse.

Sigue "Closer", algo más lenta, pero igualmente pesada, más o menos dentro de la misma línea del tema anterior y con bastante intensidad en el estribillo. Muy buenas guitarras, un tanto arrastradas y genial muralla de bajo.

Luego viene "Drowning" que posee un aire más angustioso,, algo que se refleja mucho en la voz de Dubar y en las letras. Comienza calmadamente y después toma fuerza en el estribillo, con un coro muy melódico. Notable tema, que podría fácilmente estar dentro de un disco de Alice In Chains.

Continúa "In The Way Eye", un tema con una distorsión Stoner y con una potencia a la vena. Otra vez un trabajo en la guitarra que sobresale, además de los pesados riffs. La batería acá destaca y también los cambios de ritmo, con un muy buen solo. Otro tema representativo, lejos uno de los mejores.

Manteniendo la misma línea, "Zootiehead" sigue reafirmando la potencia de Mindfunk y es difícil decir algo que no se haya dicho antes, sino que seguir aplaudiendo el buen trabajo en las seis cuerdas y el poderosísimo coro. También el solo de guitarra es excelente y su base rítmica no se queda atrás. Genial.

"Wisteria" es un corte bastante largo que tiene un sonido muy Soundgarden en algunos momentos. Posee un ritmo más lento, sin muchos cambios en su desarrollo, pero bueno de todas formas. Después viene otro de los buenos temas, "Mama, Moses and Me" que toma unos riffs a galope típicos del Heavy Metal. El solo me gusta mucho, además de ese efecto wawa, los arpeggios de base son exquisitos. Este tema es más enérgico, más Hard Rockero y no tan melancólico.

Con "11 Ton Butterfly" retomamos la calma con arpeggios relajantes, pero sólo al comienzo, porque luego la canción toma una intensidad notable en el estribillo, con pesadas guitarras. Otra vez, gran tema, muy bien armado, genial solo, en fin.

"Hogwallow" no es muy distinta del resto de temas, pero sigue con gran energía. y muy bien compuesto. Destaco mucho el solo que es genial, esas guitarras son buenísimas. El siguiente corte, "Billygoat" tiene ese toque Grunge por todos lados, con un comienzo que me recuerda a "Down In a Hole" de Alice In Chains con ese sonido y acordes, aunque en el estribillo cambie por completo. Muy bueno.

El cierre viene con "Hollow" que tiene otra vez esos suaves arpeggios al comienzo tan adictivos, estos tipos saben cómo hacer melodías lentas que enganchen. Las guitarras espectaculares y potente coro y no nos podemos olvidar del solo que para variar, es muy bueno.

Nada más puedo decir de este disco, sino que reiterar lo buenísimo que es, tiene un trabajo instrumental notable, una guitarras muy bien armadas que da gusto, geniales melodías y todo ese toque noventero difícil de describir, pero que se sabe una vez que se escucha. A pesar de que puede recordar mucho a otras bandas como Soundgarden o Alice In Chains, posee un sonido muy propio que de seguro gustara a cualquier fan de estas bandas.

Totalmente recomendado.

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J - Blood Muzik [2001]

2010-04-22T20:55:00.000-07:00

01.Commencement
02.Die For You
03.Resist Bullet
04.Alone
05.Stoned Step (Interlude)
06.Same Pain, Same Night
07.Lost
08.Twisted Dreams
09.Perfect World (Album Version)
10.Deaden (Interlude)
11.Route 666
12.Heaven
13.Decode (Interlude)
14.Gabriel
15.Recommencement

Hacía ya un buen tiempo que quería reseñar este disco, que es uno de los más notables que he escuchado de Jun Onose, más conocido como J, el otrora bajista de la famosa banda Luna Sea.

"Blood Muzik" es el segundo disco de la carrera de J, cuando se inicia definitivamente como solista luego de la disolución de Luna Sea en el 2000. Años antes, cuando la banda se dio un receso, lanzó "PYROMANIA" en 1997, mostrando un estilo radicalmente distinto al de su agrupación, sin embargo, esto quedó congelado una vez que se volvieron a reunir.

Musicalmente "Blood Muzik" es una continuación natural de su debut, donde toma elementos del Hard Rock, Punk y con un ligero toque Grunge con una notoria influencia de Nirvana. Sobresalen los buenísimos riffs, con harto groove y la voz de J que se escapa al típico registro japonés.

Comienza con "Commencement", una introducción instrumental donde suenan algunos coros y una voz femenina y luego J presenta su disco. Luego viene "Die For You" tema que patea traseros con sus riffs enérgicos y donde ya muestra su orientación al Punk. Realmente dan ganas de saltar y cabecear, porque suda feeling por cada una de sus notas. Gran entrada, pero no es nada aún.

Sigue uno de mis temas favoritos por años, "Resist Bullet" que creo resume muy bien todo lo que es J donde otra vez tenemos unos veloces riffs que se mezclan con unos armónicos bien creativos y J rebalsando fuerza. Si a esto le sumamos un solo que es uno de los más potentes del discos. Son 4 minutos y medio donde no dejarás de mover la cabeza.

Con "Alone" bajamos la velocidad y acá tenemos un tema algo más relajado y donde se nota aún más la voz extraña de J. El tema de pronto cambia el ritmo y entra una sección un tanto rapeada. También uno de los buenos temas, que además fue uno de los singles del álbum.

A continuación "Stoned Step" es un interludio instrumental con aire medio urbano (por alguna razón a J le encanta esta onda). Y luego de esos sonidos me experimentales, sigue otro de los himnos del álbum, "Same Pain Same Night" no tan rápido, pero de contundentes riffs y un estribillo pegajosísimo con un destacable uso del bajo, además de un sencillo solo, pero lleno de feeling y justo en el clímax de la canción. Buenísima.

Con "Lost" aparecen esos toques más a Nirvana y Bush. También es una canción más lenta, pero no por eso menos potente. Acá el bajo vuelve a relucir y el solo muy bien puesto. Otro gran corte.

"Twisted Dreams" una más representativa del disco, es un tema muy sencillo, hecho a base de unos repetitivos riffs y apoyado de una base rítmica con la batería muy notable, con un solo de guitarra bien kick-ass. La belleza de lo simple.

Viene inmediatamente "Perfect World" donde vuelven a salir las influencias urbanas de J. Buenos riffs, buen estribillo, en general nada muy diferente de lo ya mostrado, pero muy buen tema de todas maneras. Pegada a ella viene "Deaden", un interludio más donde se escuchan voces, risas, bajo y batería.

En "Route 666", tema enérgico, rápido, de buenos guitarreos y ligeros cambios de ritmo. Luego viene la ralajada "Heaven" y J canta más suave que de costumbre, además hay samplers de apoyo y a veces suena la voz de una mujer que apoya el coro. Ambos temas muy buenos, pero mantienen la línea.

Para variar, "Decode" es otro interludio y al igual que los otros, son inentendibles. "Gabriel" es uno de los buenos temazos del disco, volviendo a tomar un poco de la energía de los primeros cortes. Hay un riff que se repite constantemente y el groove del bajo de J es más que notable. El estribillo es contagioso, además que se apoyan de varias voces y volvemos a escuchar otro notable solo de guitarra. Gran canción, de las mejores del álbum.

Y "Recommencement" finaliza de la misma manera con que abre el disco y en el que aparece J recitando unas palabras, asegurando que esto va a continuar, para después despedirse con su frase favorita "Peace...Mother Fucker".

En general este es un potente disco, J exhuda energía y feeling por todos lados, los temas son contagiosos, muy bien armados, geniales riffs y solos, bien efectistas, etc. Quizás lo único malo es tanto interludio que realmente están de sobra, fuera de eso, todo el resto está genial, por algo se convirtió en uno de mis favoritos del bajista. Yo lo recomiendo mucho, es un disco que se deja disfrutar solo.

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Skin Yard - Inside The Eye [1993]

2010-04-05T12:17:00.000-07:00

01.Inside The Eye
02.Miss You
03.Not In Love
04.Undertow
05.Wait For More
06.Fight
07.Western Wall
08.Across The Wind
09.Blindfold
10.Slowdive

Introduciéndome un poco más dentro de las bandas consideradas Pre-Grunge, es imposible no toparse con Skin Yard, banda formada en 1985 y se disolvió en 1992., importantes en la conformación del sonido del Grunge. Ellos participaron en el clásico disco omnibus "Deep Six" donde aportaron con 2 temas y compartieron lugar con los recientes Melvins, Soundgarden, Malkfushun, entre otros.

En la banda militaban Ben McMillan como frontman (quien también formó Gruntruck a principios de los 90), Jack Endino en la guitarra, conocido también por su faceta de productor musical, teniendo a su haber discos como "Screaming Life" de Soundgarden, "Buzz Factory" de Screaming Trees, "Bleach" de Nirvana, etc; y para antes de disolverse contaban con la participación de Barrett Martin (Screaming Trees) en la batería y Pat Pedersen en el bajo.

El álbum que nos ocupa ahora, "Inside The Eye", es el último de su carra, salido en 1993, un poco después de anunciar su separación definitiva. En este disco, la banda sigue la senda cultivada en sus anteriores trabajos, pero con el sonido un tanto más pesado, aunque sin acercarse al Metal. Esto va dentro de la evolución que fueron mostrando desde el "Fist Sized Chunks" sólo que con mejores arreglos y destacando principalmente las bien armadas guitarras, una sólida batería y la interpretación siempre notable de McMillan

El disco parte con "Inside The Eye", poderoso tema que abre con unos contagiosos riffs, una enérgica batería y McMillan cantando cantando con la calidad de siempre. Y nada más que un buen solo para coronar un genial corte, ideal para ser single del disco, pero está lejos de mostrar todo lo que ofrece.

Sigue "Miss You" bastante rápido y con un curioso ritmo en el verso, para luego pasar a esos riffs un tanto arrastrados y los buenos solos de guitarra por parte de Endino. Simplemente este es un tema con un sonido muy a Skin Yard, como marca registrada y del que se nota que otras bandas tomaron influencia, como Alice In Chains.

Continúa "Not In Love", una canción más pesada y lenta que las otras, con riffs algo más arrastrados y McMillan cantando más lúgubre. Acá a mi parecer Endino se luce en las seis cuerdas y también el trabajo en la construcción de la misma es notable, realmente un gran tema y al igual que el anterior, muy Skin Yard.

En "Undertow" se retoma un poco la velocidad donde suena constantemente unas notas sostenidas de la guitarra con el clásico efecto wa-wa. Nada muy diferente a lo ya escuchado, pero buena canción de todas maneras.

"Wait For More" es una de mis favoritas. Abre con unos pesados riffs y el ya mencionado efecto wa-wa que le da más potencia aún. McMillan sigue luciéndose con su sobria interpretación vocal, ligeramente más rabiosa, y destaca el uso de congas en el puente y al final.

Justo después viene "Fight", de riffs más Punk y un ritmo más rápido que los otros cortes y que se acelera antes del estribillo. Buenísima canción, bien furiosa y que también muestra la faceta más agresiva de la banda.

Y la ira continúa con "Western Wall", otro tema de fuertes guitarrazos, sobretodo en el estribillo que toma intensidad a medida que avanza, sobre todo cuando McMillan grita "behind the western wall" en el coro. Gran canción.

Con "Across The Wind", la banda suena muy "Grunge", con esas guitarras medio sucias, además que vuelven a los rimos pausados y con un coro más melancólico, de pronto con un aire a Soundgarden en sus primeros años.

Luego, "Blindfold" tiene una introducción que en nada se parece a lo que viene luego, con otros riffs pesados que se repiten constantemente durante todo el corte. También, no muy distinto a lo ya escuchado antes, pero no deja de tener power y se disfruta como cualquier otro.

Y finalmente "Slowdive" cierra de forma más que notable, con un ritmo diferente al resto de los temas y cambios del mismo al avanzar, donde podemos escuchar otro de los geniales solos de Endino que demuestra su gran manejo con la guitarra. Nada más que decir, simplemente una excelente canción.

A modo de resúmen, este disco final de Skin Yard es un must, sobretodo si te gustan bandas como Alice In Chains, Soundgarden, TAD o Screaming Trees. Tiene geniales temas, muy bien compuestos con muy buenas guitarras, a los que les sobra la energía, la furia, etc, son de esos que te patean el trasero a la primera escucha.

Es a mi parecer un discazo que debería ser más mencionado cuando se habla de clásicos de la época Grunge, más aún si hablamos de una banda pionera en ese sonido. Total y absolutamente recomendado.

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Pearl Jam - Vs [1993]

2010-03-19T12:01:00.000-07:00

01.Go
02.Animal
03.Daughter
04.Glorified G
05.Dissident
06.W.M.A.
07.Blood
08.Rearviewmirror
09.Rats
10.Elderly Woman Behind The Counter In A Small Town
11.Leash
12.Indifference

A prinicipios de los noventas en Estados Unidos, algunos de los nuevos actos del Rock se estaban haciendo un espacio en el mainstream a pasos agigantados y uno de ellos eran los conocidos Pearl Jam, quienes en 1991 obtuvieron un arrollador éxito comercial con su placa debut, "Ten". Si bien esto ya los conformaba como un acto de renombre, llegando a ser considerados como parte importante en la conformación del Grunge, su segundo álbum "Vs", lanzado en 1993, fue la consolidación definitiva de la banda que, a pesar de no tener una promoción al nivel del primer disco (sobretodo porque la agrupación decidió no filmar más videos), tuvo una recepción tan poderosa como su antecesor, llegando a estar en el primer lugar de ventas durante cinco semanas. Actualmente, "Vs" ha sido certificado con siete discos de platino.

La creación de este álbum trajo bastantes cambios, tanto de forma como de fondo. Primero, el cambio de baterista, que en esta ocasión corrió por parte de Dave Abbruzzese, en reemplazo de Dave Krusen; segundo, el productor del disco fue Brendan O'Brien, lo que trajo mejoras en la producción y masterización del sonido. También, en lo que se refiere a la dirección musical, la banda suena mucho más agresiva y pesada, sin atmósferas muy melancólicas, con iluminadas composiciones y unas melodías que vuelan la cabeza.

El primer tema "Go" ya es un ejemplo de lo mencionado con anterioridad. Una canción rápida, con unos certeros riffs y Eddie Vedder cantando como si estuviese a punto de explotar. Nada mejor que ese buen coro con esas guitarras y esos solos sucios llenos de furia. En general un poderoso tema para enganchar de entrada.

Luego viene "Animal", también con agresividad en esos riffs, aunque con un ritmo un tanto más pausado y la voz desgarrada de Vedder y otros solos de esos que patean la cara. Gran canción, aunque un tanto corta.

Con "Daughter" nos tranquilizamos un poco, sobretodo al oir esos acordes acústicos, bastante suaves, pero que no pierden energía, sobretodo en el coro. También destaca la buenísima melodía, es uno de esos temas que pueden quedarse rayando en tu cabeza por bastante rato.

"Glorified G" es uno de mis favoritos, lleno de vitalidad y fiereza, donde la batería cobra notable fuerza y los riffs van ganando dureza . Acá me gusta sobretodo la finalización, con un buen clímax, justo donde Vedder grita y viene ese poderosísimo solo y la batería que no descansa, que dan ganas de cabecear un buen rato.

Y sigue la grandiosa "Dissident", una canción que por alguna razón me gusta mucho, quizás sea por esa melodía que toca la guitarra tan llena de feeling al comienzo y que se repite constantemente, así como la voz de Vedder que lo deja todo. Si bien en cuanto a ritmo es más lenta que las anteriores, no pierde para nada la fuerza. Muy, muy bueno.

En seguida vine "W.M.A.", hecho a base de percusiones, unas líneas rítmicas de bajo. y guitarras atmosféricas. Un tema un tanto extraño dentro de todo, que suena casi a experimento, pero no desentona para nada el resultado global del disco. A continuación "Blood" recupera de un momento a otro la pesadez, donde Vedder grita con ímpetu el coro y finaliza de forma caótica con ruidos por doquier.

"Rearviewmirror" es uno de los himnos del álbum, con una letra directa y bastante doliente, pero de ahí a que el tema cobre esa furia, que se ve reflejada sobretodo en la voz de Vedder. También destaca esa base de bajo tan memorable y ese solo cerca del final, tan certero y bien puesto, para luego tornarse más agresivo. Uno de los temazos del álbum.

Sigue "Rats" otro tema con un bajo notable y una atería contundente, que también destaca por su trabajo general, además, las guitarras muestran una orientación más bluesera. La letra cargada de crítica, parece ser recitada con molestia, algo que realmente ayuda al feeling del tema general.

Continúa "Elderly Woman Behind The Counter In A Small Town", otro corte con toques acústicos, bastante sencilla y una melodía bastante sobrecogedora, que está cargada a la voz de Vedder, quien una vez más da en el clavo con una genial interpretación.

Otro de mis grandes favoritos es "Leash" que tiene ese sello Pearl Jam por todas partes. Volvemos a escuchar buenos riffs y unos coros que gritan "Drop the leash" dándole vigor al tema. También finaliza con un genial solo.

Y terminamos con "Indifference" un tema más Psicodélico, bien atmosférico en el que destacan el uso de teclados. Muy calmo, suave, bastante relajante para ir de a poco desvaneciéndose y cerrar el álbum.

En resúmen, un disco poderoso, enérgico, lleno de rabia que no escatima en críticas, pero es a la vez creativo, con composiciones de las mejores que he escuchado de la banda. Es cosa de darle una escuchada los primeros temas para darse cuenta de por qué es un clásico, es un temón tras otro, que te vas enganchando y quedas cautivado sin réplica.

A estas alturas, no es nada nuevo hablar de este álbum, pero no está de más darle una re-visión y si eres uno de los que todavía no lo ha escuchado, nunca es tarde para disfrutar de un buen registro de Rock.

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Budgie - Budgie [1971]

2010-02-24T19:29:00.000-08:00

01.Guts
02.Everything In My Heart
03.The Author
04.Nude Disintegrating Parachutist Woman
05.Rape Of The Locks
06.All Night Petrol
07.You And I
08.Homicidal Suicidal

Budgie es un trío Galés de Hard Rock de finales de los 60, formado por Burke Shelley (voz - bajo), Tony Bourge (guitarra) y Ray Phillips (batería). Si bien no es una banda que alcanzó tremenda popularidad como otras de la época, sí es considerada una de las más importantes dentro del llamado Proto-Metal y ha sido influencia de agrupaciones como Judas Priest, Metallica o Soundgarden, además del sonido general del Stoner Rock. Su disco debut es considerado todo un clásico del Rock setentero.

El disco es puro Hard Rock con ciertos toques a Black Sabbath, notables pasajes Blueseros, aires Jazz y aspectos Progresivos que en muchos casos puede recordar a Rush en sus primeros trabajos, sobretodo por la voz de Burke Shelley (aunque en realidad, debería ser al revés). También el disco en general posee a mi parecer una atmósfera pesada y oscura, dado el sonido de la guitarra, con esa distorsión que unos años más tarde sería tan representativa del Stoner Rock.

El álbum abre con "Guts" un buenísimo tema que con solo escuchar sus riffs iniciales se darán cuenta de lo que mencionaba anteriormente. Una melodía lenta, con guitarras ligeramente arrastradas y con un consistente bajo que muestra el buen trabajo de Shelley. Si bien es una buena antesala, no muestra todo el potencial de la banda, pero ya deja con ganas de seguir escuchando.

Luego viene "Everything In My Heart" un extraño tema electroacústico, de tan solo 52 segundos y que tiene unos cuantos versos que se repiten. Y digo extraño porque choca bastante con el sonido del primer tema, con un sonido más suave y melodioso. Como que no se espera un tema así tan rápido, pero no deja de ser un buen corte.

En seguida suena "The Author" con una seccion inicial de suaves acordes elétricos y con Shelley demostrando sus buenos dotes vocales con ese vozarrón agudo que tiene, para después cambiar el ritmo y se torna completamente Hard Rockero, con esa guitarra saturada y unos buenos solos de parte de esta y una genial base rítmica destaca mucho la batería. Buenísimo tema.

Pero si de favoritos se trata, el siguiente track "Nude Desintegrating Parachutist Woman" es uno de los míos, buenos riffs, pesados y a la vena, con una muralla de platillos. El tema es ligeramente lento en un comienzo, pero luego, después del redoble, viene otra avalancha Rockera, con unos solos realmente notables, de pronto medio Blueseros con una voz que la acompaña y acá es donde el bajo se luce con unos toques Jazz y la batería notable de Phillips. Buenísimo.

Y siguiendo la misma línea, viene "Rape Of The Locks", un tema que abre con rapidísimo solo de guitarra, pasa pasar a unos riffs de lo más contagiosos y una melodía que fácilmente podría haber convertido este tema en un himno. Sin bajar un ápice de genialidad, luego vienen de los mejores solos de todo el disco, acompañados con una base rítmica igualmente notable, Burke Shelley es un buenísimo bajista. Grandiosa canción.

En seguida comienza "All Night Patrol" que baja la intensidad de los temas anteriores y donde el bajo se toma todo el tema y la guitarra aparece secundaria, casi adornando. Aunque no puede faltar su sección instrumental donde Bourge hace otro solo notable, más lento y consistente. Otro genial corte.

"You And I" es otro tema electroacústico, bastante relajado y de una fresca melodía, de una vibra positiva y de una letra más romántica y lleno de feeling. Hermoso, lo único extraño es que termina abruptamente, pero justo para dar inicio al siguiente tema.

Y finaliza el disco con "Homicidal Suicidal" y qué mejor cierre, un tema épico de excelentes riffs y con apenas unos versos porque es principalmente instrumental, donde cada unos de los músicos se luce en lo suyo. Este es uno de los temas con más cambios de ritmo, donde muestra más su lado Progresivo, sin extenderse demasiado. Espectacular corte.

En fin, "Budgie" es un discazo de principio a fin, de no muy larga duración, pero que se disfruta en cada una de sus canciones, llenas de potencia, energía, buenos riffs y melodías gancheras que está hecho para convertirse en un clásico sin dudas. Lo recomiendo absolutamente, es un gran trabajo de una banda que debería tener un mayor reconocimiento a nivel masivo.

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'10 Releases Corner

2010-01-01T22:00:00.000-08:00

Como todos los años vienen cargados de nuevos lanzamientos y este 2010 no es la excepción, acá podrás encontrar recomendaciones de discos que sean lanzados durante el mismo.

Blindstone - Rise Above
Fecha de lanzamiento: 1 de Enero de 2010

Tercer disco de esta banda danesa de Hard Rock y Blues que bebe de las influencias del Rock de la vieja escuela, desde Jimi Hendrix, hasta King's X, con un sonido moderno y fresco, además de geniales melodías y un trabajo instrumental espectacular. Destacan temas como "Rise Above", con Ty Tabor de invitado donde demuestra su genial manejo, pura potencia; "Power Man" que no escatima en energía y buenos riffs; "Keep The Rock Alive", deja bien en claro su mensaje; "Climbing Up The Ladder" que es puro groove y así con otros como "New Director", "Sonic Motor King", "Wiser" o "Beyond The Purple Sky". Buenísimo desde el primer hasta el último track.

The DUST'N'BONEZ - DUST&BONES
Fecha de salida: 7 de Abril de 2010

La mega banda The DUST'N'BONEZ, aquella formada por ex miembros de ZIGGY, The Slut Banks y SADS nos vuelven a patear traseros con un nuevo álbum bajo el brazo, titulado sencillamente como "DUST&BONES", donde el Hard Rock y el Rock n' Roll se toman cada rincón del disco, con una energía apabullante, tal como lo demostraran en su debut de 2008. Destacan temas como el inicial "Murasaki no MY BLOOD" de una muy buena muestra de rock, aunque se guarda lo mejor para más adelante, "HELLS AROUND" realmente poderosa y melódica, con un coro explosivo, "Shinkai" que recuerda un poco al viejo ZIGGY, "Jiishiki to iu Na no Kuukyo de Fuminukeyo Sono Axel o" con riffs más pesados, "Uwanosora ni Ukabu Kumo", "Hakuchuumu no Palm Tree", "Kono Mama ja Owarekkonai", etc.

En general "DUST&BONES" destaca por su fuerza, humor y ganas de pasarlo bien, como si todo esto fuese una fiesta que nunca termina. Genial disco, totalmente recomendado y a ponerle más atención a estos ya veteranos del Rock.

Loudness - King Of Pain
Fecha de salida: 19 de Mayo de 2010

Los veteranos Loudness regresan con más fuerza que nunca. Luego del lamentable deceso de su baterista original, Munetaka Higuchi, la banda decidió continuar lanzando al año siguiente "The Everlasting", con grabaciones hechas por el señor Higuchi antes de fallecer. Pero ahora, este año marca un nuevo comienzo para la agrupación, ya que se integra a sus filas el baterista Masayuki Suzuki y lanzan su vigésimo cuarto disco titulado"King Of Pain", que es lejos uno de sus mejores álbums desde "Breaking The Taboo" o incluso desde "Racing". Acá hay una vuelta directa a las raíces, los aires ochenteros se hacen más patentes que en otros discos, con una fuerza en los riffs que los acercan al Thrash y de sonido moderno, pero distante del concepto con el que regresaron el 2000, destacando además lo inspirado de las composiciones y unas melodías poderosas.

Temas geniales hay por doquier como "The King Of Pain", el heavy clásico de "Power Of Death", la pesada "Death Machine", "Straight Out Of Our Soul", "Where Am I Going?", lenta pero igualmente potente; "EMMA", "Doctor From Hell", en fin. Lisa y llanamente espectacular, Loudness le hace honor a su nombre.

Josiah - Procession
Fecha de salida: 21 de Mayo de 2010

Josiah pone fin a su carrera, así pone de manifiesto su página oficial, una de las bandas más notables del Heavy/Stoner Rock del Reino Unido en la actualidad. Luego de cuatro fantásticos discos a lo largo de 10, este nuevo disco "Procession" pone punto final a la carrera, mostrando material inédito previamente, así como temas en vivo de su tour por Suecia el 2007. Siempre se agradece poder escuchar material nuevo de la banda, aún cuando sean cosas que hayan estado guardadas y no temas hechos especialmente para la ocasión. Así tenemos en la primera parte del disco, "Procession" una especie de oda al Rock clásico, "Broken Doll" lleno de energía, al igual que "Thirteen Scene", donde hay muy buenos riffs, lo mismo con "Dying Day" y "Dead Forever", con la particularidad que este último suena como un demo.

En cuando al apartando en vivo, solamente clásicos de la banda como "Looking At The Mountain", "Time To Kill" (haciendo honor a su nombre), "Silas Brainchild", "Malpaso" y "I Can't Seem To Find It" que muestran lo enérgico de sus presentaciones, con ese sonido kick-ass que los caracterizaba.

Buen disco, siento que cierra de muy buena manera la carrera de la banda, aunque siento que su mejor material se encuentra en sus otros trabajos. De todas formas es un álbum que debe ser escuchado y ponerlo a todo volumen para despedir a estos grandes.

Stone Temple Pilots - Stone Temple Pilots
Fecha de salida: 25 de Mayo de 2010

La reunión de Stone Temple Pilots no podía ser sólo para el recuerdo, tenía que mostrar algo más y este es el resultado: un nuevo disco de estudio homónimo que escribe otro capítulo más dentro de la historia de la banda. Los 9 años que pasaron para escuchar algo nuevo se ven compensados con este trabajo que a mi parecer es realmente sólido y demuestra una avanzada en su sonido, aunque quizás pueda decepcionar en cierta medida a quienes quisieran una vuelta a ese toque más "grunge" de sus primeros dos fantásticos álbums, pero aún así no dejan de ofrecer un muy buen Hard Rock, con notables tintes Pop. Así tenemos la genial "Between The Lines", fresca y energética, "Take A Load Off" que es pura potencia, "Huckleberry Crumble" de veta más rock n' rollera, "Dare If You Dare" muy exquisito, "Hazy Daze", "Peatcoat", "First Kiss On Mars", etc. Un álbum buenísimo que a mi juicio se instala sin problemas dentro de los discos de la banda y posiblemente se convierta en un futuro clásico.

The Sword - Warp Riders
Fecha de salida: 24 de Agosto de 2010

The Sword es otra de las nuevas bandas que con cada lanzamiento se consolidan aún más y van ganando un espacio dentro del estilo, sobretodo cuando sus nuevos proyectos poseen tal nivel de ambición, que realmente los hace destacar. "Warp Riders" cuenta una historia con tintes a Ciencia Ficción, acerca de la travesía de un sujeto que es desterrado de una tribu de su planeta, donde existe una lucha constante entre el bien y el mal, convirtiéndose de esta manera en su primer trabajo conceptual, como ellos así lo han definido. Musicalmente siguen teniendo un estilo cercano al Stoner, pero con mucha influencia del Heavy Rock setentero y dejando de lado un poco el sonido denso más Doom de sus primeros discos.

El álbum es buenísimo de principio a fin, pero destacan mucho temas como "Tres Brujas" primer single del disco y pura potencia, "Arrows In The Dark" con unos filosos riffs, "The Chronomancer I: Hubris" de aires Stoner más clásicos, la instrumental "Astraea's Dream" de filosos guitarreos, "The Warp Riders" donde aparecen los toques a Black Sabbath más patentes, "Night City" más Hard Rock, "The Chronomancer II: Nemesis" que recuerda al viejo sonido de la banda. En fin, un disco redondo a más no poder que se debe escuchar sin interrupciones puesto que funciona muy bien de manera global.

SIAM SHADE - SIAM SHADE XII ~The Best Live Collection~

Fecha de salida: 27 de Octubre de 2010

Los grandiosos SIAM SHADE vuelve a hacer noticia con la aparición de este disco doble, no sólo para recordarnos la importancia de la misma, sino que también para dejar en claro, el por qué eran reconocidos como unas de las bandas con mejor sonido en vivo. Muy poco nuevo hay bajo el sol, puesto que la gran mayoría de los temas son extraídos de sus DVD's, como el "SIAM SHADE V6" o el "SIAM SHADE V8", el mítico concierto que puso final a su carrera en el Budokan por allá en el 2002. Así tenemos cortes ya clásicos como "GET A LIFE", "1/3 no Junjou na Kanjou", "Dreams", "RAIN", "Don't Tell Lies" y otros no tan conocidos pero tan potentes como "No! Marionette", "Virtuoso", "Prayer", etc. Sin embargo, también se incluyeron algunos temas nunca lanzados oficialmente en vivo en ningún formato, por lo que se agradece poder escuchar joyas como "Destination Truth" o "Can't Forget You" de sus primeros trabajos.

Un disco que se hacía necesario, quizás por eso está titulado como el número XII de su discografía, ya que teniendo tal fuerza arriba del escenario, era momento de mostrar lo mejor de esa faceta de la banda (aunque creo, faltaron varios temas que en vivo son una aplanadora). Buenísimo disco, "SIAM SHADE NEVER ENDS".

Black Stone Cherry - Black Stone Cherry [2006]

2009-08-12T10:38:00.000-07:00

01.Rain Wizard
02.Backwoods Gold
03.Lonely Train
04.Maybe Someday
05.When The Weight Comes Down
06.Crosstown Woman
07.Shooting Star
08.Hell And High Water
09.Shapes Of Things
10.Violator Girl
11.Tired Of The Rain
12.Drive
13.Rollin' On

Desde Edmonton, Kentucky, llega Black Stone Cherry, una banda de jóvenes músicos integrada por Chris Robertson (voz - guitarra), Ben Wells (guitarra), Jon Lawhon (bajo) y John Fred Young (batería). Aunque formados en 2001, su debut discográfico lo harían recién el 2006 con el lanzamiento del presente álbum homónimo bajo el sello Roadrunner Records, sorprendiendo a más de alguno.

Musicalmente, el disco se inclina hacia lo que es el Southern Rock (mezcla entre el Hard Rock, el Country y el Blues), donde plasman todas sus influencias de bandas como Lynyrd Skynyrd, Black Sabbath, Led Zeppelin, Aerosmith y uno que otro toque que recuerda a Soundgarden. No es de extrañar puesto que el baterista, John Fred Young es hijo de Richard Young, guitarrista de The Kentucky Headhunters, banda de Country Rock activa desde 1968. Todo esto resulta finalmente en temas inspiradísimos, llenos de una energía y un groove desbordantes que inundan la placa de principio a fin.

El inicio con "Rain Wizard" ya da un ejemplo de lo que mencioné anteriormente. El tema introduce con una discreta guitarra y unos redobles, para explotar en un gran riffs y donde la voz de Robertson se muestra con energía y deja ver sus grandes dotes. También anota más puntos con un certero solo de guitarra. Muy buen tema de entrada, pero se viene más aún.

"Backwoods Gold" inicia con unos geniales riffs que siguen manteniendo la fuerza, apoyado sobretodo por una notable batería que fácilmente te pueden hacer cabecear. Un combo Hard Rockero a la vena. Pero, inmediatamente viene "Lonely Train", una de las canciones con las que promocionaron este disco, con Robertson cantando en tonos más graves y luego unos potentes riffs de factura metalero con una melodía ganchera a más no poder. Tema sobresaliente que te puede capturar por esos riffs y es por lejos uno de los mejores del disco.

Ahora viene uno de mis favoritos, "Maybe Someday", un corte más rock n' rollero, donde el toque sureño se hace notar más aún. Sorprende el nivel de trabajo en las guitarras y una melodía ágil, además de enérgicos riffs y compases de la batería. Muy bueno.

Con el siguiente tema, "When The Weight Comes Down" se relaja un poco la rítmica, pero sigue manteniendo la potencia con un buenísimo coro. Similar a la anterior es "Crosstown Woman", donde se puede escuchar con gran nitidez el bajo Lawhon y Robertson aún continúa demostrando versatilidad vocal.

El tema a continuación es otro de mis favoritos, "Shooting Star" que tiene unos riffs de lujo, llenos de fuerza y feeling, además de ser increíblemente melódico y que invita a disfrutar de un buen cabeceo. Los chicos muestran un nivel musical más que notable y además, es en estos temas donde noto esa frescura creativa.

En "Hell And High Water" se vuelven a calmar los riffs para dar paso a un tema muy melódico, con un buenísimo coro, muy agradable y relajado (en cierto sentido, porque no es un tema lento). Genial, otro de los que más me gusta. Posteriormente viene "Shapes Of Things", que sigue la misma línea de los temas anteriores, nada especialmente destacable, pero no deja de ser un buena tema.

"Violator Girl" es otro de los que me gusta, comenzando con esos riffs que me recordaron ligeramente a Audioslave y un fraseo medio bluesero, con toda la potencia y energía que ha sido la tónica del disco desde su inicio. Gran corte. Luego empieza "Tired Of The Rain" donde se puede escuchar la introducción de órganos. Su estilo me parece similar al de "Hell And High Water" y destaca el solo bien Hard Rockero.

"Drive" tiene unos riffs buenísimos, de toque medio Grunge y Robertson cantando con gran fuerza. Recuerda un poco al primer corte del disco. Y finalmente viene "Rollin' On", una canción más relajada, donde de nuevo se pueden escuchar esos organos y que sirve como perfecto cierre, muy melódica, con un genialísimo solo al final y que inevitablemente se me vienen a la cabeza la imagen de un calmado atardecer.

Sólo puedo decir que este disco me gustó mucho, es una patada en el trasero desde que empieza hasta que termina, con unos momentos muy brillantes. Me parece un disco inspirado, lleno de vitalidad y todos los términos con los que he descrito cada tema: energía, fuerza y potencia, además, claro está, de un trabajo musical sorprendente, donde destacan de sobremanera los riffs que a más de alguno hará mover la cabeza. Creo que es una gran alternativa para quienes gusten del Hard Rock, pero con un toque más moderno. Totalmente recomendado.

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Michael Jackson

2009-07-02T14:33:00.000-07:00

Por todo el mundo es sabido el repentino fallecimiento de Michael Jackson, el "Rey del Pop", quien nos deja a los 50 años de edad, con un gran legado musical por detrás, con récords de ventas, video clips impresionantes y un estilo único, tanto en su sonido como en su puesta escénica que le valieron con creces el título con el que se lo conocío durante su carrera.

La noticia de todas formas me ha llegado profundamente, puesto que soy seguidor de su música desde que soy muy pequeño, mis padres me pegaron el gusto por él prácticamente desde que nací y a lo largo de los años 90 seguí el lanzamiento de sus discos.

Hubo muchos temas de Michael Jackson que marcaron gran parte de mi vida y que siempre han sido de mi agrado como "Smooth Criminal", "Beat It", "Billie Jean", "Don't Stop 'Till You Get Enough", "Rock With You", "Man In The Mirror" (increíble), "In The Closet", "Who Is It?", "Black Or White", "Scream", "They Don't Care About Us", "Money", "Blood On The Dance Floor" y un largo etc. Incluso el álbum "HIStory" fue mi primer CD como tal (antes sólo tenía cassettes).

Con los años me fui alejando de la música de Michael y orienté mis gustos hacia otros sonidos, pero no fue hasta hace unos años que redescubrí nuevamente esas canciones y volví a disfrutarlas como antes y hasta el día de hoy.

Nunca me había pasado esto de ver la muerte de un artista que me gustara, puesto que muchos de los que escucho, los conocí fallecidos hace años. Por eso que esta noticia me impacta.

Es una pena todo lo que ha pasado, pero más allá de las conspiraciones, de los escándalos y todo aquello, simplemente me quedo con el artista que fue y por el que le tengo enorme respeto. Ojalá que así sea recordado de ahora en adelante, por lo menos de esa forma lo haré yo.

Ahora a disfrutar de su legado. Grande Michael Jackson!!

WANDS - Piece Of My Soul [1995]

2009-06-04T13:14:00.000-07:00

01.Flower
02.Love & Hate
03.Sekai Ga Owaru Made Wa
04.Don't Try So Hard
05.Crazy Cat
06.Secret Night ~It's My Treat~
07.Foolish Ok
08.Piece Of My Soul
09.Jumpin' Jack Boy ~Album Version~
10.Million Miles Away

WANDS, el trío formado a principios de los 90 por Show Wesugi (voz), Hiroshi Shibasaki (guitarra) y Shinya Kimura (teclados), cosechó durante sus primeros años bastante éxito en Japón, entrando rápidamente en las listas de popularidad de ese país con su single debut, con tres discos su haber. Sin embargo, su momento más álgido vendría con el lanzamiento de "Piece Of My Soul" en 1995, un disco que traería cambios en su estilo musical mucho más orientado al Rock y que se convertiría rápidamente en un clásico de la banda, desprendiéndose notables hits, entre ellos el famoso "Sekai Ga Owaru Made Wa", tema utilizado como segundo ending de la serie "Slam Dunk".

Como decía anteriormente, "Piece Of My Soul" supondría cambios en la música de la banda, quienes en sus comienzos estaban muy orientados al Pop, debido a sus influencias de bandas como Guns N' Roses o Nirvana, se adentrarían más en el Hard Rock, pero sin dejar de lado su antiguo sonido, creando un genial balance entre ambos géneros. También el disco muestra uno de los mejores momentos creativos de la banda musicalmente hablando, con temas muy bien compuestos y grandes melodías que lo hacen memorable de principio a fin.

"Flower" abre el disco con una introducción que de alguna forma recuerda a "Come As Your Are" de Nirvana, para luego introducir la fuerza de la batería y los riffs, para luego aparecer Show Wesugi con su limpia voz. Notable el coro potentísimo, enérgico y el buenísimo solo. Un tema que arranca con fuerza y deja ver este cambio en sonido y estilo.

"Love & Hate" es un tema con un toque Rock N' Rollero en su guitarra, pero muy Pop en su melodía y sobretodo en el coro, mostrando un estilo que es casi un sello de las bandas japonesas de la época, pero sin abandonar la energía en ningún momento. Buenísimo tema.

Y sigue el himno de este álbum, "Sekai Ga Owaru Made Wa", una una inspiradísima y sentida balada Rock que inicia con emotivo solo y con Wesugi cantando con gran sentimiento, sobretodo en el coro. El tema llega a su clímax en el solo, donde Shibasaki se luce con un notable trabajo. Una canción que exuda feeling por todos lados, muy, muy buena.

A continuación viene "Don't Try So Hard" un corte más bien intimista de toques principalmente acústicos y mucho más lenta que la mayoría de las canciones, donde se puede apreciar mejor el trabajo vocal de Wesugi y la sensibilidad de Shibasaki en las seis cuerdas, sobretodo en el solo. Otro tema muy inspirado y lleno de sentimiento, son de esos que llegan. Buenísimo.

Con "Crazy Cat" se regresa al Hard Rock, pero sin olvidar sus toques más Pop en los coros y construido con una excelente base de bajo. Muy buen solo también y un final grandilocuente. Más adelante, "Secret Night ~It's My Treat~" es un tema que posee una poderosa fuerza en el coro y donde se escucha a Wesugi cantando con un registro diferente y aunque no se diferencia mucho de las otras, sigue siendo un buen tema.

"Foolish Ok" comienza relajadamente para luego introducir unos riffs que se repetirán durante gran parte del corte, con una notable referencia a las bandas de Hard Rock ochenteras. Destaca el trabajo en el solo por parte de Shibasaki que sigue sorprendiendo con un gran manejo. Muy bueno.

El siguiente tema, "Piece Of My Soul" es otro de los más memorables del disco. Comienza calmadamente con unos suaves acordes muy pegajosos, para luego explotar en el coro con energía y notable melodía. Acá los teclados se lucen creando muy buenas atmósferas. Genial corte.

"Jumpin' Jack Boy" es un tema principalmente Pop con un sonido en las guitarras tremendamente noventero, también lleno de energía, con un aire más alegre que el resto de los temas. Acá Wesugi también demuestra sus formidables dotes vocales. Notable tema.

Finalmente "Million Miles Away" da un cierre que no podía ser mejor. Una canción de una gran melodía y una buenísima composición, donde los teclados toman especial protagonismo, la guitarra destaca por su espléndido trabajo con unos buenísimos riffs y una base de bajo más que notable. También los coros y el trabajo vocal se lucen nuevamente. Definitivamente una poderosa finalización.

En resúmen, este es uno de los registros de WANDS que más me ha gustado, no sólo por su genial mezcla de Rock y Pop, sino que los temas poseen una creatividad y frescura que lo hacen buenísimo y de muy fácil llegada de principio a fin, es más que evidente el por qué se convirtió en un clásico. Absolutamente recomendado, sobretodo para quienes gustan de bandas como B'z, Siam Shade, The Yellow Monkey, entre otras.

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TAD - Inhaler [1993]

2009-05-21T12:56:00.000-07:00

01.Grase Box
02.Throat Locust
03.Leafy Incline
04.Luminol
05.Ulcer
06.Lycanthrope
07.Just Bought The Farm
08.Rotor
09.Paregoric
10.Pansy
11.Gouge

Durante la época del Grunge en Estados Unidos, hubo una gran cantidad de bandas que formaron parte importante en la formación de este movimiento, pero que de alguna forma no gozaron de la fama y enorme popularidad de agrupaciones como Nirvana, Alice In Chains, Soundgarden o Pearl Jam en esos años. Una de estas bandas es TAD, formada en 1988, quienes tuvieron un discreta exposición mediática durante sus primeros años, a pesar de tener 3 trabajos lanzados y de estar bajo el alero de Sub Pop.

Su momento de mayor éxito llegó en 1993, con el lanzamiento de su cuarto álbum titulado "Inhaler" en plena explosión Grunge, disco que contó con una mejor producción (a cargo de J Mascis, líder de Dinosaur Jr.) y promoción además de recibir buenas críticas en general, marcando uno de los puntos altos en la carrera de la banda. Como todo lo que sube, tiene que bajar, el próximo disco "Infrared Riding Hood" de 1995 no tuvo el éxito esperado, por lo que, años más tarde, la agrupación se disolvería.

En "Inhaler", TAD muestra un sonido bastante pesado, algo que caracterizó en parte sus primeros trabajos como "God's Balls", donde toman elementos del Metal y el Punk setentero, con un sonido algo sucio tanto por la guitarra como por la particular voz de Tad, pero con una mejor producción en sonido y de temas de estructuras mucho más accesibles, con momentos de gran creatividad. Destacan de sobremanera las geniales melodías, el trabajo de los riffs y la poderosa base rítmica.

El disco inicia con "Grease Box" un tema que abre con una enérgica batería y bajo, para luego introducir unos sucios riffs de la mano de Gary Thorstensen y la voz raspada de Tad Doyle, sin resultar demasiado pesado y sí bastante melódico, sobretodo en el coro, donde destaca un notable trabajo en los bombos por parte de Josh Sinder, además del solo muy en plan Nirvana. Una canción que engancha, pero que está lejos de representar en su totalidad la línea musical del disco.

Continúa una de mis canciones favoritas, "Throat Locust" que muestra el lado más fuerte de TAD, con unos poderosos y memorables riffs de entrada que te patean la cara y un trabajo en la batería más que notable que impregna fuerza por donde se le escuche. Si bien no es un tema con grandes variaciones, sí logra atrapar al instante.

Sigue "Leafy Incline", menos pesada y en general bastante suave en su comienzo con unos arpegios y un marcada línea de bajo, para luego pasar a un coro más enérgico, de genial mid tempo con Tad cantando mucho más limpio que en sus comienzos. Bastante melódico para ser TAD, algo un tanto inusual, pero bueno de todas formas.

Luego viene "Luminol" que recupera la distorsión, utilizando esas guitarras sucias que se convirtieron en la marca del sonido de TAD, donde también dejan notar sus influencias de Punk. El tema varía mucho más que los anteriores al incluir algunos pasajes acústicos, cambiando más su ritmo e incluyendo además la melodía de un teclado, algo poco escuchado en la banda. Aquí Sinder sigue luciéndose por su correcto trabajo en la batería. Gran tema, de los mejores en cuanto a composición.

"Ulcer" es una canción que no se diferencia mucho de las anteriores, posee riffs pesados y un ritmo constante, sin grandes variaciones, pero no deja de ser un buen corte. Con "Lycanthrope" la banda vuelve a sorprender, un corte con una genial utilizacion del bajo de Kurt Danielson y las variaciones en los riffs de la guitarra, además de Tad cantando más raspado y gritando cosas como "I Want My Mommy". Genial la seccion del solo, donde la batería sigue luciéndose un consistente uso del doble bombo y esas guitarras sucias con un cierto aire a Noise. Muy buen tema, otro de mis favoritos.

"Just Bought The Farm" recrea un poco las atmósferas de sus primeros trabajos, mucho más densas, pesadas y lentas, con una potente base de bajo que destaca enormemente y una guitarra muy en plan Alice In Chains. El solo es uno de los mejores de todo el disco, con un reverb que le da un toque muy noventero. Excelente tema. El siguiente track, "Rotor", sigue manteniendo un aire denso, otra vez con un bajo de gran presencia, una guitarra de fuertes riffs y juegos en los ritmos distintos a los cortes anteriores.

En "Paregoric" la banda toma nuevamente la velocidad, con unos pegadizos riffs que se van repitiendo constantemente y como siempre una impecable batería, mostrando además su lado más melódico en pequeños solos dentro del tema. Otro tema muy bueno.

"Pansy" es posiblemente el tema más pesado del disco, más denso y lento aún que "Just Bought The Farm", de riffs más arrastrados, similares a Melvins y con Tad sonando casi gutural. Corta, pero notable canción.

Finalmente viene "Gouge" con hecha en baso a acordes acústicos y más suave, de marcada melodía, pero que no baja las revoluciones. Ya para el término de la canción se escuchan esas guitarras sucias características de la banda.

En general "Inhaler" es un disco que se pasa rápido, tiene muy buenos temas que además, por su corta duración, hacen que el disco se escuche de principio a fin sin problemas. Me parece un disco muy bien armado, mucho más cuidado, tanto en sonido como compositivos y que muestra un aspecto melódico no tan usual en la banda.

Creo que es una muy buena alternativa para quienes quieran escuchar algo de Grunge fuera de lo que son las agrupaciones más conocidas. Muy recomendado.

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Stone Temple Pilots - Core [1992]

2009-04-23T12:05:00.000-07:00

01.Dead & Bloated
02.Sex Type Thing
03.Wicked Garden
04.No Memory
05.Sin
06.Naked Sunday
07.Creep
08.Piece Of Pie
09.Plush
10.Wet My Bed
11.Crackerman
12.Where The River Goes

A comienzos de los noventa, muchas bandas nuevas hacían aparición en el mainstream y el boom del Grunge estaba recién comenzando. Ya se habían editado las placas tan importantes como "Nevermind" de Nirvana, "Ten" de Pearl Jam y "Badmotorfinger" de Soundgarden en 1991. Para el año siguiente, haría su debut otra de las bandas consideradas importantes dentro del movimiento, Stone Temple Pilots, con su álbum "Core", salido el mismo día del grandioso "Dirt" de Alice In Chains y que tuvo una gran recepción por parte del público, pero de muy mala crítica de parte de los medios especializados. Con el pasar de los años, "Core" sería considerado un clásico de aquella época.

En "Core" la banda muestra sus notables influencias a bandas como Led Zeppelin o The Doors pero con el sonido de las bandas de esos años, de ahí que tengan ciertas similitudes con agrupaciones como Pearl Jam o Alice In Chains, sobretodo en el uso de la voz de Scott Weiland, que suena bastante similar a la de Eddie Vedder. No obstante, el trabajo general destaca por la creatividad e ingenio de sus temas, musicalmente muy bien compuestos, de constantes toques acústicos, que varían entre lo más suave y lo más pesado, además de melodías muy gancheras, resultando un trabajo redondo, matizado, que rebosa de energía y que se queda grabado en tu cabeza.

Iniciando el álbum está "Dead & Bloated" que abre con la voz de Weiland recitando parte de la canción y luego introducir los riffs y la batería que en un segundo enganchan con su potente presencia. Notable el coro con ese toque marca registrada de los 90 y esas guitarras medio bluseras. El tema en general se mantiene en una misma línea, sin muchos cambios, pero logra mostrar algo de lo que viene más adelante.

Con "Sex Type Thing" aumenta la velocidad, más cercanos así como los riffs más pesados y Weiland cantando aún más grave, con grandes momentos, sobretodo cuando la voz aumenta si intensidad gritando "Here I Come, I Come, I Come!!!". Una muestra de energía que te da una cachetada en la cara por si el primer tema no había sido suficiente. Sigue "Wicked Garden", un tema mucho más cercano al Rock n' Roll, con buenos riffs y una melodía grandiosa, donde la interpretación toma más formas. Un tema que tiende a poseer más cambios que los anteriores y que se diferencia bastante también de ellos. Uno de mis favoritos del disco, de esos que inyectan fuerza.

Continúa "No Memory", un tema instrumental, bastante intimista y suave que tiene como protagonista a la guitarra, pero a la que se suma un genial bajo. Terminado este tema, como si de una introducción se tratara, comienza "Sin", algo más oscuro y con esos coros noventeros en el coro que serían marca registrada de los Stone, además de un excelente trabajo en la batería. Este tema incluye ciertos pasajes acústicos que muestran la versatilidad de Dan DeLeo en las 6 cuerdas, para pasar a un buenísimo solo. Otro de mis favoritos, uno de los mejores en cuando a composición.

Llega la energía de "Naked Sunday", con unos redobles de la batería de Eric Kretz y que recupera la velocidad, donde destacan la sólida batería y la base de bajo incansables, con una guitarra que utiliza ese efecto wa-wa que los acercan más al Hard Rock. Un poderoso coro, genial solo, este tema es sin duda uno de los mejores del álbum.

"Creep" es uno de los singles del álbum y es un tema completamente distinto al resto del disco, mucho más lento, construido en base a unos acordes acústicos y donde Weiland suena abrumado. El mejor momento llega en el coro, donde aumenta la intensidad. Un tema que dentro de todo transmite mucho e hipnotiza. Gran corte.

Nuevamente volvemos a los toques más fuertes con "Piece Of Pie", a mi parecer el tema más pesado del disco, con un estilo que me recuerda un poco a Alice In Chains (de repente me pregunto cómo habría quedado este tema si Layne Staley lo cantara). El clímax justo cuando Weiland grita con fuerza "Don't wanna lead me to your home!!" para pasar a un genial solo con un potente apoyo rítmico ideal para cabecear un rato. Un tema furioso, otro de mis preferidos.

Y cuando pensábamos que no venía nada mejor, aparece "Plush" que para mi suena como un himno noventero, poseedor de una melodía cálida, malditamente adictiva y un coro potentísimo que aumenta su intensidad donde la voz de Weiland destaca de sobremanera. Aquí es donde se nota más esa similitud con Pearl Jam en su sonido y estilo, pero independiente de eso, me parece un tema memorable, genial, de esos que dan ganas de ir escuchando mientras conduces el auto relajadamente.

Sigue "Wet My Bed" un tema donde se escucha a Weiland como si hablara por teléfono y pregunta por una tal Mary. En eso suena "Crackerman" más rockanrollera aún, con geniales riffs y una batería marcada. Mucha garra, fuerza, energía, un poderoso solo, de los que más me gustan del disco, convierten a este tema en uno grandioso, realmente genial.

Finalmente viene "Where The River Goes" con un riff arrastrado que tiene ese toque a lo Alice In Chains, Soundgarden e incluso me recuerda un poco a los maestros de King's X. Un tema más lento, algo más pesado que me recuerda al primer corte del disco. Muy bueno, la mejor forma de cerrar este fabuloso álbum.

En resúmen, "Core" es a mi gusto un disco excelente, de un gran trabajo a nivel melódico e instrumental, a mi juicio indispensable si gustas del Rock de los 90 y en general del Hard Rock., fácilmente se puede convertir en uno de tus favoritos por lo memorable que es. Una de las mejores cosas que tiene es que no es para nada lineal, el orden de los temas está tan bien logrado que difícilmente se pierde la atención, es como viajar por un camino con hartas curvas, subidas y bajadas.

Absolutamente recomendado!!

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'09 Releases Corner

2009-01-01T15:25:00.000-08:00

Al igual que el año pasado, en esta entrada publicaré mis recomendaciones de discos que sean lanzados durante el 2009.

Wo Fat - Psychedelonaut
Fecha de salida: 25 de Febrero de 2009

Segundo álbum de esta banda de Stoner Rock oriunda de Dallas, Texas y lo que traen es sencillamente una avalancha de riffs y distorsión, además de aires más Psicodélicos y Progresivos que rebosa de energía y versatilidad compositiva durante toda la placa, con extensos pasajes instrumentales. De aquí se rescatan potentes cortes como "Enter The Riffian", "Analog Man", "The Slow Blade" y la más psicodélica "Not Of This Earth" o "The Speres Beyond", entre otras. Tremendo disco que seguro hará disfrutar tanto a los fans del género como a quienes gusten del Rock más clásico.

Pearl Jam - Ten (Legacy Edition)
Fecha de salida: 24 de Marzo de 2009

Si bien no es un disco nuevo, este es a mi gusto uno de los lanzamientos más importantes de este año, que trae de vuelta (por decirlo así) uno de los discos más emblemáticos de principios de los 90. Un disco doble que trae el álbum original y otro con las remasterizaciones hechas por Brendan O'Brien que definitivamente le dan un nuevo aire a los cortes. Temas como "Even Flow", "Alive" o "Why Go" suenan mucho más potentes, con guitarras mucho más definidas, y onsistentes la voz de Eddie Vedder mucho más cercana, sin los reverbs típicos de la edición original y en general se pueden apreciar detalles en la música que difícilmente se podían anteriormente.

Por muy conocidos que sean los temas, escucharlos en estas nuevas versiones entregarán una nueva experiencia sónica y posiblemente hará que disfrutes el álbum como si lo estuvieses escuchando por primera vez.

Radio Moscow - Brain Cycles
Fecha de salida: 14 de Abril de 2009

Radio Moscow es otra de esas bandas que hacen un revisionismo del viejo Rock, pero dándole ciertos aires modernos y frescura al mismo. "Brain Cycles", su segundo disco es firme prueba de ello. Este registro es de principio a fin Rock N' Roll y Psicodelia pura, con bastante Fuzz y distorsión, sin olvidar el poderoso trabajo instrumental, donde destacan unos solos increíbles. Ahí tenemos grandes cortes como "I Just Don't Know", la potente "Broke Down", "No Good Woman", "Brain Cycles", "Hold On Me" y en definitiva, todo el disco. Simplemente demoledor.

Electric Mary - Down To The Bone
Fecha de salida: 4 de Mayo de 2009

Grandioso descubrimiento con este grupo proveniente de Australia que debuta con "Down To The Bone", un disco lleno de Hard Rock a la vena, con influencias que van desde Whitesnake, pasando por Guns N' Roses, AC/DC, con temas llenos de potencia y energía, buenos riffs y memorables solos. Destacan a mi juicio canciones como "Let Me Out" con una garra impresionante; "One In A Million", "Luv Me", "Gasoline And Guns" con esos coros glameros, muy ochentera; "One Foot In The Grave" o "All Coming Down", etc. Un disco que se deja escuchar con facilidad, directo y muy fresco.

Mangrove - Endless Skies
Fecha de salida: 22 de Mayo de 2009

Este es otro de los buenos descubrimientos de este año. Esta banda oriunda de Estocolmo, Suecia, nos patea la cara con un Stoner Rock de peso, con un ligero toque Doom que hace referencia a las glorias setenteras como Black Sabbath, Budgie o Lucifer's Friend, de sonido seco y directo. Temas destacables hay de sobra, como "Universal Time", una absoluta representante del estilo del grupo; "Pieces Of Our Yesterday", la melódica "River Of My Soul", "Time Of Sorrow", "Electric Eye", etc. Un disco más que recomendado, pura energía, buenos riffs e inspirados solos.

Rin Toshite Shigure - just A moment
Fecha de salida: 13 de Mayo de 2009

El trío japonés Rin Toshite Shigure ha vuelto a sorprender. Con éste, su tercer álbum de estudio demuestran que aún están en su máximo peak creativo, puesto que se han mandado un discazo de aquellos, de lo mejor que he escuchado de ellos. Con sólo 10 temas, la banda te lleva por pasajes que van desde los riffs más sucios de actitud Post-Hardcore, a sensibilidades más acústicas, guitarras atmosféricas y toques Progresivos, además de su sonido vocal que ya es marca registrada. De ahi se derivan cortes grandiosos como "Hysteric Phase Show", la entretenidísima "JPOP Xfile", "a 7 days wonder" uno de los temas más variados musicalmente; "a over die" un instrumental que también hace viajar por distintas sonoridades; "Telecastic fake show" lleno de energía y actitud por todos lados. Realmente un álbum excelente y definitivamente ésta es una banda que hay que tener en la mira.

Sonic Youth - The Eternal
Fecha de salida: 9 de Junio de 2009

La reconocida banda neoykina Sonic Youth, pionera del sonido Alternativo de mediados de los 80, lanza su décimosexto álbum titulado "The Eternal", un registro directo y a la vena que demuestra que estos tipos siguen potentes y creativos como siempre. El disco presenta una contiuación natural de su antecesor "Rather Ripped", pero con mucha más fuerza aún y ciertos aspectos que recuerdan a trabajos como "Goo" de 1990. Hay temas inspiradísimos como "Anti-Orgasm" con unos riffs geniales, "Leaky Lifeboat (For Gregory Corso)" de unos exquisitos armónicos en su comienzo; la calmada "Antenna", más atmosférica y con voces suaves que da gusto; también está "What We Know", "Poison Arrow", "Thunderclap For Bobby Pin", "No Way", entre otras. Un disco muy agradable, de temas y melodías muy iluminadas, aunque sin ser lo mejor de la banda, no creo que deje indiferente a nadie.

VAMPS - VAMPS
Fecha de salida: 10 de Junio de 2009

Primer disco de este nuevo proyecto de Hyde (L'Arc en Ciel) y K.A.Z. (Oblivion Dust), luego de haber trabajado varios años juntos en la carrera solista del primero de estos. Este álbum homónimo mantiene un poco la línea musical que tomó Hyde en sus últimos trabajos, con un estilo cercano al Rock n' Roll, con cierto toque Alternativo, bien riffero, pesado y enérgico, aunque también se notan algunos aspectos melódicos que pueden recordar a L'Arc en Ciel. Así sobresalen temas como la potentísima "Love Addict", "Cosmos", la melódica "Evanescent", la kick-ass "Redrum", "I Gotta Kick Start Now" que más ganchera no puede ser, "Times Goes By" o "Sex Blood Rock N' Roll", bien pesada y de buenos guitarreos. Un álbum muy accesible, bien creativo y variado en cuando a melodías y ritmos. Recomendadísimo.

Collective Soul - Collective Soul (Rabbit)
Fecha de salida: 25 de Agosto de 2009

La popular banda Collective Soul ha lanzado su octavo álbum de estudio bajo el alero de Roadrunner Records, extrañamente homónimo, tal como su disco de 1995, pero que será más conocido como "Rabbit". En este disco la banda sigue con la energía y esa capacidad de hacer melodías pegajosas que tanto los caracteriza, gracias a su mezcla de Hard Rock con sabores del Pop y Folk. Entre los cortes notables está "Welcome All Again" que te puede atrapar fácilmente, "Dig" ligeramente más Punk; "You" una buenísima balada; "My Days", "Understanding", "Staring Down", "She Does", etc. A mi juicio un muy buen disco con melodías cuál más pegajosa que la otra. Simplemente para dejarse llevar.

Onmyouza - Kongou Kyuubi
Fecha de salida: 9 de Septiembre de 2009

Nuevo disco de la banda de "Youkai Heavy Metal", Onmyouza, que por lo visto han retomado lo de lanzar un disco por año, pero esta vez con un integrante menos, el baterista Tora. Sin embargo eso no ha sido impedimento para que la banda haya lanzado otro buenísimo trabajo, aunque con un estilo mucho más cercano al Hard Rock melódico y un sonido bastante uniforme, mucho más suave que en anteriores entregas. Destacan temas como "Baku" una muy buena apertura que de entrada muestra la línea general del sonido del disco; "Izayoi No Ame" de unos potentísimos coros; "Kosode No Te", "Soukoku"; y como es costumbre, no podía faltar la trilogía de temas entre los cuales "Kumikyoku [Kyuubi] ~ Shoumakyou" se lleva los honores por su variedad en cuanto a ritmos y "Kumikyoku [Kyuubi] ~ Sesshouseki" que recuerda al sonido de "Maou Taiten"; "Kuraiau" un tema enérgico de puro Rock N' Roll, entre otros. Un muy buen álbum a mi gusto.

Alice In Chains - Black Gives Way To Blue
Fecha de salida: 25 de Septiembre de 2009

Alice In Chains definitivamente está de vuelta con "Black Gives Way To Blue", un disco que viene a decir por qué la banda aún no debía desaparecer, a pesar del lamentable deceso de Layne Staley en 2002. Aunque parecía difícil imaginarse un trabajo sin la carismática y emotiva voz de Layne, Cantrell y compañía han sacado un trabajo solidísimo, con temas inspiradísimos de guitarreos pesados, atmósferas densas y armonías vocales tan bien trabajadas que logra en varios momentos traer de vuelta al viejo Alice In Chains. Cortes tan notables como "Check My Brain" con una potencia capaz de volarte la cabeza al primer riff; "Last Of My Kind" mucho más metalera y pesada; "Your Decision" con los clásicos toques acústicos que recuerdan al AIC del "Jar Of Flies"; "Acid Bubble", "Lesson Learned", "Private Hell" o la emotiva "Black Gives Way To Blue" dedicada a la memoria de Layne Staley. Este álbum es lejos uno de los mejores discos que he escuchado del año, un futuro clásico.

Blackberry Smoke - Little Piece Of Dixie
Fecha de salida: 29 de Septiembre de 2009

El Southern Rock se hace presente este año de la mano de Blackberry Smoke, quienes lanzan su segundo LP titulado "Little Piece Of Dixie". Un disco buenísimo de principio a fin, con influencias que recuerdan a los viejos ZZTop, donde el Country, el Blues y el buen Hard Rock lleno de energía, tienen cita. Hay grandes temas como "Good One Coming On", "Bottom Of This" con exquisitos acústicos, "Up In Smoke" que es rockera a la vena, la emotiva "Who Invented The Wheel", "I'd Be Lyin'", "Restless", etc, etc. Un disco totalmente excelente.

Ningen Isu - Mugen no Juunin [1996]

2008-12-07T18:11:00.000-08:00

01.Sarashikubi
02.Mugen no Juunin
03.Jigoku
04.Ebisu Kara Ichidaiki
05.Baka Suikyouhi
06.Mokko no Komoriuta
07.Katana To Saiya
08.Tsujigiri Kouta Mushukuhen
09.Uchuu Yuuei
10.Kuroneko

Una de las bandas de Hard Rock Progresivo más originales e influyentes de Japón es Ningen-Isu, un power trío conformado por Kenichi Suzuki (voz y bajo), Shinji Wajima (voz y guitarra) y Nobu Nakajima (batería), quienes mezclan el Hard Rock de corte setentero, con influencias de la música folklórica japonesa. Desde su debut en 1989, se han convertido en referente de otras agrupaciones de similares características como Onmyouza o Gonin-Ish.

Dentro de su discografía, uno de los trabajos más destacables que he escuchado es "Mugen no Juunin", un disco que, si bien mantiene continuidad con lo que la banda venía haciendo desde un comienzo, es donde sus toques enraizados en la música tradicional japonesa se hacen más patentes aún, algo que se ve reflejado tanto en la intrumentalización como en la vocalización que adquiere suma importancia, sin olvidar los elementos eléctricos que aportan con la potencia rockera necesaria. La composición en este sentido resulta versátil y llena de diversos matices que hacen al álbum algo bastante variado e interesante de escuchar.

Así pasemos a los temas destacables del disco, partiendo con "Sarashikubi" un excelente tema, bastante melódico con un poderoso trabajo en la composición. Posee diversos cambios de ritmo, con cortes acústicos y unos solos de lujo, sobretodo el que se escucha cerca del final. Realmente buenísimo, prende rápidamente con su agilidad.

Seguimos con "Mugen no Juunin" un tema bastante tétrico, con bases acústicas y una voz muy en plan folklórico. Comienza de una forma muy suave, con un coro muy melódico a dos voces, para después pasar a unos fuertes riffs de la guiarra y a tomar un ritmo mucho más intenso. Geniales son los cortes en donde Kenichi Suzuki canta con un estilo muy japonés, que recuerda alas formas musicales que utiliza el teatro Noh. Excelente tema, uno de mis favoritos.

"Jigoku" es mucho más veloz desde el comienzo, con un ritmo más intenso y con ese toque tan personal de Ningen Isu para las melodías. Notable corte. Inmediatamente viene "Ebisu Kara Ichidaiki" que parece una especie de marcha, donde introducen un acordeón, además de una atmósfera bastante densa. Genial es el cambio de ritmo, donde cambia la melodía y la forma de canto y el sonido de la harmónica que le da todo un toque bluesero. Ya al finalizar el tema, hay otro cambio de ritmo, donde aumentan la velocidad, cambian los riffs y se escucha un solo más en plan Hard Rock. Absolutamente notable, a pesar de lo extraña que puede sonar en un comienzo.

"Bakka Suikyouhi" es la próxima canción en empezar y posee toda esa pesadez y densidad características donde aparecen sus influencias más ligadas a Black Sabbath. Muy buenos cambios, poderosos riffs, en general un buenísimo tema. Seguimos con "Mokko no Komoriuta" que rompe el esquema al ser un tema netamente de folklor, con vientos y percusiones típicas. Bastante curioso, pero que no se sale de contexto dado el estilo de la banda, muy bueno.

Posteriormente viene "Katana To Saiya" un tema de puro Hard Rock, de muy buen trabajo en la guitarra y una estructura bastante más convencional. Gran corte. "Tsujigiri Kouta Mushukuhen" es un tema de entretenido ritmo, bastante enérgico y toques muy orientales en la melodía de la guitarra. También, muy buen tema.

En el penúltimo corte "Uchuu Yuuei", la banda utiliza efectos espaciales distintos a lo hecho durante toda la placa. Destaca mucho el extenso trabajo instrumental, de genial composición, con un gran protagonistmo de la guitarra. Buenísimo.

Y finalmente viene "Kuroneko" con gran pesadez y densidad en los riffs. Genial el coro enérgico que recita el título de la canción y los cambios de ritmo, donde el tema se torna mucho más veloz, sin olvidar los poderosos solos de guitarra, tanto ahí como en el corte cerca del final. Un tema muy versatil que cierra magistralmente el disco, de mis favoritos.

En resúmen, "Mugen no Juunin" es un disco impecable y redondo, con grandes temas de un trabajo musical que impresiona, tanto por destreza de los músicos, como por la creatividad y originalidad que estos poseen. Si bien no es una piedra angular dentro de la discografía de la banda, sí logra a mi parecer, hacer más figura de aquellos aspectos por los que son reconocidos. Absolutamente recomendado para quienes gusten del sonido del Hard Rock setentero, pero también para los que buscan una propuesta diferente dentro de ello.

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The Jelly Jam - The Jelly Jam [2002]

2008-10-29T13:55:00.000-07:00

01.I Can't Help you
02.No Remedy
03.Nature
04.Nature's Girl
05.Feeling
06.Reliving
07.The Jelly Jam
08.I'Am The King
09.The King's Dance
10.Under The Tree

The Jelly Jam es una de esas mega bandas que en su formación cuentan con verdaderos genios de reconocidas bandas de Rock. En ella tenemos a Ty Tabor, guitarrista y vocalista de King's X, John Myung, bajista de Dream Theater y a Rod Morgenstein, baterista de Dixie Dregs, Winger, entre otras agrupaciones, quienes anteriormente eran parte de la banda Platypus, pero con la salida de Derek Sherinian en el teclado, el proyecto adquiere otro nombre y otra sonoridad, sacando su primer disco en el 2002, titulado simplemente "The Jelly Jam".

En el presente disco, la banda nos muestra un Hard Rock con variados toques Progresivos, de un poderoso trabajo instrumental y melódico que demuestra gran virtuosismo y sensibilidad a la hora de componer, dejándose notar bastante la mano de Ty Tabor en ese sentido. Cabe destacar aspectos como la guitarra cuya utilización pasa de enérgicos riffs a suaves texturas sonoras, mucho más atmosféricas que logran recrear distintos estados. Del mismo modo, la batería resalta enormemente con una ejecución sólida, lleno de quiebres y juegos rítmicos muy versátiles, al igual que el bajo, de un complejísimo trabajo técnico que no pasa desapercibido.

Siguiendo con los temas más destacables, el disco abre con la buenísima "I Can't Help You" con un Tabor cantando con efecto megáfono y unos riffs bastante pesados en general, con notables cambios de ritmo a lo largo del desarrollo del tema, donde ya se puede notar el espectacular trabajo instrumental y técnico de estos tres músicos. Gran tema, mucha energía.

Inmediatamente viene "No Remedy" con una guitarra en efecto wa-wa y una poderosa base de bajo, además de esa batería incansable. Geniales y potentes riffs bien Rockeros, también de mucha energía y entretenida melodía, bastante pegajosa. Acá Morgenstein se luce con una sección donde juega con diversos sonidos. Uno de mis favoritos.

Más adelante viene "Nature's Girl" que continúa con la potencia de los riffs y un ritmo algo más acelerado y Tabor cantando con más fuerza aún. Notable también el coro, con esos arpegios muy a la King's X. Genial el corte a mitad del tema, donde Myung se luce en el bajo y el ritmo va aumentando su intensidad. Otra canción de gran factura.

Con "Feeling" se calma un poco el ambiente, mucho más pausada, pero de riffs fuertes (que también recuerda mucho a King's X), con un bajo muy presente en el estribillo. Un tema bien melódico y agradable. Y siguiendo la misma línea, continúa "Reliving" pero mucho más suave, donde se escuchan unos finos arpegios y un bajo retumbante. El coro destaca por su energía y sentimiento, al igual que el solo de guitarra, uno de los mejores de todo el disco. Buenísimo.

Luego sigue "The Jelly Jam" un excelente instrumental donde todos los instrumentos demuestran un trabajo excepcional. El tema progresivamente va variando, pasando de suavidad a la distorsión, en donde la guitarra crea sonidos atmosféricos que van aumentando su intensidad, al igual que el ritmo de la batería. Al finalizar, da paso para que abra la siguiente canción, "I'Am The King" un tema que recupera la fuerza de los primeros cortes del disco. Acá podemos escuchar otros finos, pero geniales arpegios y riffs enérgicos, además de un solo con una "suciedad" muy Rockera. Qué más decir, buenísimo corte.

El final del tema anterior da paso a "The King's Dance", una especie de epílogo instrumental que continúa con la misma base, pero con una guitarra explorando otras sonoridades como en "The Jelly Jam". Tabor se sigue luciendo con otra elegante ejecución. Finalmente viene "Under The Tree" que comienza curiosamente con voces de personas, para dar paso a unos toques más acústicos y una percusión distinta a lo mostrado durante toda la placa. El tema va variando durante su desarrollo, pasando a otras exquisitas secciones instrumentales, donde Tabor sigue sacando sonidos diversos a su guitarra, añadiendo más percusiones de parte de Morgenstein. Excelente tema que cierra de forma magistral el álbum.

En general, estamos ante un álbum poderoso, de una calidad que impresiona desde los primeros segundos por su trabajo versátil, variado y muy bien construido compositivamente hablando, técnicamente impecable, muy virtuoso, pero que no olvida la sensibilidad y el feeling que hace que cada tema tenga algo especial. Lo recomiendo tanto a los fans de las bandas respectivas de cada uno de sus integrantes como también a cualquiera que desee escuchar un excelente disco de Rock.

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(the) Melvins - (A) Senile Animal [2006]

2008-10-03T20:46:00.000-07:00

01.The Talking Horse
02.Blood Witch
03.Civilized Worm
04.A History Of Drunks
05.Rat Faced Granny
06.The Hawk
07.You've Never Been Right
08.A History Of Bad Men
09.The Mechanical Bride
10.A Vast Filthy Prison

Melvins, la original banda de Seattle, considerada de las pioneras en el sonido del Sludge Metal, Stoner Rock y de gran influencia para el Grunge y Rock Alternativo de las últimas décadas, sigue sacando material que da mucho que hablar y el presente lanzamiento "(A) Senile Animal" no se queda atrás. Para esta ocasión, Buzz Osbourne (voz - guitarra) y Dale Crover (voz - batería), unen fuerzas con los chicos de Big Business, Jared Warren (bajo) y Coady Willis (batería), con quienes siguen experimentando y renovando su música aún con sus más de 20 años de carrera, además de cambiar su nombre a (the) Melvins.

En este disco, la música de Melvins se orienta a temas bastante rápidos y enérgicos en general, que contrastan con la usual creación de atmósferas densas y lentas que tanto los caracterizan, sumado a una fuerte presencia de pesados riffs de la mano de Buzz Osborne y a un trabajo vocal intenso, en el que todos los músicos hacen su aporte. Sin embargo, lo más interesante del disco es la composición hecha a base de dos baterías, con variadas secciones de constantes solos y juegos entre ellas, dándoles un inusitado protagonismo y convirtiendo al sonido en algo mucho más demoledor aún. Es este último aspecto el que le da el toque más innovador a la propuesta de la banda.

Entonces, revisando los temas más destacables del disco, partimos con el primer la genial "The Talking Horse" que abre con unas distorsionadas notas del bajo y la introducción de ambas baterías y las imponentes voces de los coros. Es un tema de fuertes riffs y de un ritmo muy pegajoso, en donde ya podemos escuchar bastante el trabajo en las percusiones, siendo este uno de sus puntos más altos. Excelente comienzo.

"Blood Witch" comienza con unos tiempos más irregulares que son difíciles de seguir en donde las baterístas siguen marcando la pauta, a cuyo trabajo va agregando progresivamente nuevos sonidos, con buenos cambios de ritmo. También hay bastantes cortes entre los riffs donde podemos escuchar más de las percusiones. Buenísimo tema. Continúa "Civilized Worms" que abre para variar, con compases de la batería pero con un ritmo más relajado, algo que también dejan notar los melódicos riffs. Un tema de una melodía de un feeling muy noventero con un buenísimo solo de guitarra, así como los cambios ya cerca del final de la canción donde toma más intensidad y que finaliza con una avalancha de redobles. Excelente también.

El siguiente tema, "A History Of Drunks" es uno de mis favoritos, de un ritmo mucho más rápido y demasiado pegajoso, que a medida que avanza hacia al coro va aumentando su energía hasta desembocar en unos riffs muy gancheros y un solo buenísimo. Genial, de las canciones más entretenidas del disco. Avanzamos con "Rat Faced Granny", bastante más pesado, con riffs mucho más fuertes aún y más rápida que las anteriores. El rabajo de la batería destaca bastante en el puente y a lo largo del tema que sigue experimentando con nuevos sonidos. Notable además los cambios de ritmo hacia el final y el término, donde las baterías se roban la atención con unos buenos redobles. Grandioso.

"The Hawk" parece seguir la línea planteada por la canción anterior, con bastante pesadez en los riffs y baterías que no se detienen ante nada. Aquí también el trabajo de la guitarra sobresale sobretodo por su creatividad para generar melodías atrapantes, sin olvidar la fuerza que impregnan las voces. El final también tiene una mención especial, donde ambas baterías hacen un solo jugando con los compases. Cada vez mejor.

Comienza imediatamente "You've Never Been Right" que sigue el mismo rastro dejado por las dos anteriores. El ritmo pegajoso, muy buenos riffs y el trabajo en la percusión que sigue sorprendiendo. Hacia el final el ritmo se torna mucho más intenso y da gusto escuchar esa interacción entre los riffs y los redobles, muy entretenido por lo demás, que finaliza con otro muro de caja, bombos y platillos. Grandioso tema, sigue mostrando la inspiradísima composición que ronda al álbum en general.

Con "A History Of Bad Men" bajamos las revoluciones y curiosamente, la banda reproduce prácticamente la misma melodía del bajo de su conocido tema "Night Goat" de su aclamado disco de 1993, "Houdini", como una especide de auto homenaje, pero claramente el tema toma otra dirección. Acá las voces tienen mucha mayor presencia y las baterías siguen probando redobles y experimentando detrás de los riffs arrastrados. Muy buen tema.

"The Mechanical Bride" recupera esa lentitud y densidad de Melvins, con esa oscuridad tan característica, voces tétricas y mayor distorsión. Aún así, hay cabida para los momentos donde las baterías prueban con redobles y sonidos. Buen tema, el más largo de todo el álbum. Y finalmente "A Vast Filthy Prison" continúa la misma línea aunque menos lenta, pero con más cambios de ritmo y juegos con los tiempos.

En resúmen, "(A) Senile Animal" nos muestra que Melvins puede romper sus propios esquemas y sorprender con cosas nuevas, que si bien, han sido utilizadas por otras bandas (como las dos baterías), ellos lo hacen con una creatividad y originalidad que sencillamente da gusto. Composiciones inspiradísimas y a la vena, con buenos riffs y ritmos intensos, hacen a este disco algo muy entretenido e interesante. Sí es bueno apuntar que para apreciar en detalle todos los aspectos del trabajo de las baterías, escúchenlo con audífonos, pueden ir descubriendo muchas cosas, sobretodo si le dan más vueltas al álbum. Totalmente recomendado.

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Yoon Do Hyun Band - Vol. 2 - Long Journey [1997]

2008-09-18T11:00:00.000-07:00

01.Gin Yeohaeng
02.Harusari
03.Ittange Salgi
04.Cheoeum Cheoreom
05.Kkumkkuneun Sonyeo
06.Garijijom Ma
07.Bada
08.Sesangsogeui Ai
09.Cheolmuneul Yeoreo
10.Meoriapa
11.Dasi Hanbeon
12.Eodiro

Con sólo algunos años de actividad y luego del éxito de su debut en 1994, Yoon Do Hyun Band, agrupación formada por Yoon Do Hyun (voz, guitarra), Huh Jun (guitarra), Park-Tae-hee (bajo) y Kim Jin-won (batería), saca su segundo álbum, que como siempre, tiene la presión de igualar o superar al primero. Es así como aparece "Vol. 2 - Long Journey" en 1997 con el que la banda consigue una mayor recepción aún, instalando su nombre como uno de los más representativos del Rock en Corea del Sur.

El disco básicamente presenta un Hard Rock y Rock n' Roll de un sonido muy a la Deep Purple, de composiciones versátiles con notables cambios de ritmo y constantes balances entre lo eléctrico y lo acústico, logrando variados matices, con un excelente trabajo instrumental donde todos destacan por igual. También el aspecto melódico destaca de sobremanera, muy creativo e inspirado, hace del disco algo muy entretenido y accesible.

Dentro de los temas notables, tenemos "Harusari", tema de poderosa interpretación vocal, construida con una base de bajo que se repite constantemente y que introduce el sonido de trompetas que apoyan los riffs de la guitarra. Geniales cambios de ritmo durante su desarrollo, sobretodo cerca del final donde la adopta un sonido más duro y la batería con el teclado toman mayor intensidad, para finalizar con un genial falsetto de Yoon Do Hyun. Notable, grandioso corte.

Continúa "Ittange Salgi", más pesado en los riffs y con la voz mucho más raspada que es apoyada por unos coros de dan más fuerza al tema. Genial el solo de teclado y el final con el cambio de ritmo más acelerado. Buenísimo tema. Le sigue "Cheoeum Cheoreom", mucho más lento y con unos suaves acordes acústicos, donde Yoon Do Hyun utiliza una voz mucho más grave variando su registro y un buenísimo trabajo en batería de Kim Jim-won que va marcando la pauta en los cambios de ritmo constantemente. Lo mejor viene con el solo de teclado y el excelente solo de Huh Jun, para finalizar con mucha mayor intensidad. Excelente canción, de composición exquisita.

"Kkumkkuneun Sonyeo" es una buenísima balada, principalmente acústica, donde se puede apreciar muy bien la genial voz de Yoon Do Hyun. Genial el solo y la progresiva introducción de instrumentos. Inmediatamente viene "Garijijom Ma" donde introducen el sonido de la harmónica, geniales slaps del bajo y como siempre, la impresionante voz, que llena de vida al tema. Huh Jun se luce con otro buenísimo solo y notable es el cambio al final, donde los riffs se tornan más pesados y con un grandioso solo de teclado. Un corte lleno de energía, de mis favoritos.

Luego viene "Bada" similar a "Garijijom Ma", pero con más presencia de los riffs en los estribillos y coro. Genial el cambio de ritmo, donde la guitarra toma más suavidad, para luego llegar al clímax con un enérgico solo con teclado incluído y esa batería que impregna fuerza. Entretenido tema. "Sesangsogeui Ai" es otra balada que abre con un solo de guitarra lleno de feeling, para después pasar a unos toques más acústicos dejando notar una grandiosa melodía, inspiradísima donde para variar, la voz se luce tanto por su técnica como por su interpretación. Hermoso tema.

Y sin descanso sigue "Cheolmuneul Yeoreo" que mantiene la línea Hard Rockera típica de la banda, con buenos riffs, un ritmo intenso y un coro enérgico. Algo muy destacable es el poderoso solo, de buenísimos punteos, donde Huh Jun sigue demostrando su grandiosa habilidad y sensibilidad. "Meoriapa" toma aspectos más cercanos al Rock n' Roll, con gran presencia del teclado y de un ritmo más acelerado que de costumbre. El solo también brilla, como todos los anteriores y el término, donde aumenta aún más la velocidad. Energía, fuerza, etc, gran tema.

"Dasi Hanbeon", otra balada de una hermosa melodía y toques más blueseros en su composición. Genial el coro, al que se van sumando voces que le dan más intensidad. Buenísimo tema.

En resúmen, "Vol. 2 - Long Journey" es un excelente disco, con grandiosos temas uno detrás de otro sin parar, que muestran un Rock potente, de una composición exquisita y variada, además de melodías para el recuerdo. Las baladas son otro punto notable, no tienen ningún desperdicio. En general me parece un disco grandioso, absolutamente recomendado.

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King's X - Dogman [1994]

2008-09-09T20:05:00.000-07:00

01.Dogman
02.Shoes
03.Pretend
04.Flies And Blue Skies
05.Black The Sky
06.Fool You
07.Dont' Care
08.Sunshine Rain
09.Complain
10.Human Behavior
11.Cigarettes
12.Go To Hell
13.Pillow
14.Manic Depression

King's X, el power trio formado por Doug Pinnick (voz y bajo), Ty Tabor (voz y guitarra) y Jerry Gaskill (batería), es una de esas bandas que, a pesar de contar con un gran reconocimiento de la crítica que los sitúa como una de las bandas fundamentales en definir el sonido del Grunge y Rock Alternativo en los 90, nunca ha tenido el suficiente éxito comercial que los haga conocidos a nivel masivo. Sin embargo, uno de los discos que logró darles un mayor empuje fue "Dogman" aparecido en 1994, el cual mostró cambios a nivel del sonido de la banda, mucho más acordes con la época y es considerado hoy como uno de sus clásicos.

Si bien la banda desde sus inicios en "Out Of The Silent Planet" de 1988, ha mostrado una genial combinación de elementos entre el Hard Rock, Metal, Funk Gospel, Blues, Soul y toques Progresivos, en "Dogman", sin dejarlos de lado, toman un sonido mucho más pesado y metalizado, algo que recae principalmente en los fuertes riffs de la guitarra y en la batería mucho más marcada, sumado a un creativo trabajo en la composición musical y melódico, de buenísimas armonías vocales. Sin olvidar la importante participación Brendan O'Brien (Pearl Jam, Stone Temple Pilots) quien supo darle al disco el toque necesario para que enganchara con lo que se escuchaba en ese entonces.

Entonces vamos con los temas más destacables a mi juicio del disco.

Partimos con el primer track, "Dogman" que es una grandiosa muestra del nuevo sonido del grupo. El tema no se da rodeos en comenzar intensamente con un fuerte riff y Pinnick recitando ya los primeros versos con su estilo muy Soul, lo que ya deja notar la energía y fuerza de la banda. Excelente trabajo melódico, sobretodo en el coro y en la guitarra que hará de la delicias de quienes disfrutan del Grunge. Gran tema y un poderoso comienzo.

Avanzamos un poco y tenemos a "Pretend" algo más relajado en sus riffs, pero de gran energía y una melodía que atrapa al instante, algo que se refleja bastante en coro que fácilmente puede quedarte dando vueltas en la cabeza. El solo también es otro aspecto notable, donde Tabor muestra gran parte de su virtuosismo y la batería que sigue un ritmo constante durante todo el tema. Buenísimo.

Continuamos con "Black The Sky" un tema bastante pesado donde Tabor utiliza una guitarra de siete cuerdas, trabajando con ello unos riffs y acordes con otros patrones que alcanzan nuevas posibilidades sonoras. El aspecto melódico tan excelente como costumbre, en el que Pinnick se sigue luciendo, tanto con su voz profunda y limpia que contrasta genialmente con el estruendo de los riffs, además de un trabajo sublime en el bajo. Buenísimo tema que muestra aspectos musicales aún más innovadores en el sonido de la banda.

Inmediatamente sigue "Fool You" con un cierto parecido a "Pretend" pero algo más suave en su sonido. Acá destaca sobretodo el inspiradísimo coro, donde Pinnick se sigue luciendo, pero además creando hermosas armonías vocales y con una sensibilidad melódica que sigue asombrando. Genial tema, de mis favoritos. Después tenemos "Don't Care", mucho más cercano al Metal, con una batería más pesada y una guitarra de notas más arrastradas, pero manteniendo su lado melódico caracterísitico. Genial es el final con esos coros que recitan "Ohh Yeah" con gran intensidad y el alargue que repite los patrones iniciales de la guitarra, donde Jerry Gaskill destaca por su trabajo en la batería. Otro tema espectacular.

Más adelante está "Complain" con un toque bastante Hard Rockero, que suda energía por cada una de sus notas. Notable coro, ultra melódico, de esos que también pueden quedar rondando en tu cabeza con facilidad y el solo maestrísimo de Tabor. Entretenidísimo corte, de esos que suben el ánimo por su aire a fiesta.

"Human Behavior" es otro tema con pesados riffs arrastrados y pequeños espacios donde la voz suena sin acompañamiento, lo que recuerda a ciertos aspectos del Blues. Excelente corte, con un aire muy Grunge y poderoso trabajo en la guitarra. Seguimos con "Cigarettes", la canción más lenta de todo el disco, de un aire mucho más melancólico en relación al resto, pero con fuerza de todas maneras y una melodía exquisita, que se deja ver bastante en el coro. Lo más destacable es el trabajo en la guitarra, con un solo espectacular y que también muestra la capacidad de Tabor para crear atmósferas ya para el final del tema. Buenísimo, rompe un poco el esquema.

Y tenemos a "Pillow" otro con toques en la guitarra que rápidamente pueden recordar al sonido metalizado de Alice In Chains por ejemplo. Aquí podemos escuchar otro trabajo armónico en las voces de lujo y riffs que crean un muro sónico apoyados de una batería pausada, pero a la vez pesada. Genial tema.

En general, "Dogman" de King's X es a mi parecer un trabajo excelente, con un trabajo musical que impresiona por su versatilidad y creatividad, además de un trabajo melódico que destaca de sobremanera, con el que muchos temas atrapan de forma instantánea, por lo menos conmigo así resultó. Lo recomiendo absolutamente, me encantó rápidamente a la primera escucha y con él conocí a la que ahora forma parte de mis bandas favoritas.

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SIAM SHADE - SIAM SHADE VI [2000]

2008-08-14T09:38:00.000-07:00

Side I

01.GET A LIFE

02.Fine Weather Day

03.Outsider

04.Shangri-La

05.Allergy
06.BLACK

07.SEXUAL SNIPER

08.Triptych

Side II

01.Fly High

02.MOON

03.Setsunasa Yorimo Tooku e (Album Version)

04.I Am I

05.1999

06.Heaven

07.LOVE IS POWER

08.Kumori Nochi Hare

Hacia finales de los años 90 y durante el año 2000, Siam Shade se encontraba en su momento de máxima popularidad, cosechando gran éxito con sus lanzamientos desde 1997 e inscribiendo su nombre como una de las bandas más reconocidas de la escena Rockera japonesa. Dentro de este contexto, sale a la luz su sexto larga duración titulado "SIAM SHADE VI" con el que seguirían manteniendo su vigencia en ese entonces, consiguiendo incluso participar en el "Pusan International Rock Festival" en Corea, convirtiéndose en la primera banda de Rock japonesa en tocar en ese país. Lamentablemente, este sería su último disco de estudio antes de su separación en el 2002.

En "SIAM SHADE VI", la banda muestra dos aspectos de sí misma y por eso que el disco se divida en dos partes. El Side I es el lado más agresivo donde la banda explora sonidos mucho más estridentes que se acercan sin pudor a estilos como el Metal o el Hardcore que, si bien es posible escuchar algo de eso en anteriores trabajos, aquí se hace mucho más patente. Por otra parte, el Side II es el lado más melódico bastante característico de la banda, abarcando estilos como el Hard Rock, Funk, un poco de Soul y Pop. Contrastes, a mi juicio, muy bien llevados, que enseñan tanto las nuevas como las antiguas líneas musicales por las que ha transitado la agrupación a lo largo de su carrera.

En este sentido, destaca también el impecable trabajo en la composición de los temas que, musicalmente hablando, son muy ágiles y versátiles, donde los músicos demuestran una grandiosa habilidad técnica con sus instrumentos, existiendo mucho equilibrio entre los mismos. Por otra parte, el aspecto melódico es, a mi parecer otro de los puntos más notables, muy bien pensado, de muy fácil escucha, que hacen al disco algo muy memorable y de rápido enganche.

Ahora vamos con los temas más destacables según mi parecer.

En el Side I, partimos, "Get A Life" un temazo bastante pesado que te vuela la cabeza con sus fuertes riffs iniciales, su potente batería, la voz de Hideki, más raspada que de costumbre y con una notable influencia del Metal. Un tema poderoso, rápido y enérgico, con un genial coro que grita con fuerza "Don't you fuck with me!" y un excelentísimo solo de Daita, lleno de feeling, apoyado por una guitarra rítmica asombrosa, llena de cambios. Un buenísimo tema, de mis favoritos.

Seguimos con "Outsider" algo más extraño que abre con unos geniales slaps del bajo y una batería constante, con cambios de ritmo en el coro, con riffs mucho más pesados. Lo mejor es el solo, donde el tema cambia abruptamente a una sección de Jazz, para luego retomar los riffs pesados. Excelente. Sigue "Shangri-La" que continúa con esta veta más pesada, aunque aquí la voz es mucho más relajada en general, sobretodo en el coro. Acá nuevamente tenemos un poderoso solo y una guitarra rítmica notable. Otro grandioso tema, muy bueno.

Continúa "Allergy" que se acerca mucho al Hardcore, por sus riffs y los coros que utiliza. Genial es el solo que va pasando por distintos cortes y cambios de ritmo con mucha agilidad y más pesadez en los riffs y la batería, que dan ganas de cabecear. Un tema intenso, rápido y enérgico, de mis favoritos.

Más adelante está "SEXUAL SNIPER", que abre con la batería y que va introduciendo de a poco unos riffs que luego desembocan en otros mucho más pesados. El estribillo está construido con unos tiempos bastante extraños y que varían al acercarse al coro. Por su parte, el solo también es algo extraño, no muy convencional, apoyado de una genial base de bajo, unas capas sónicas bastante curiosas y cambios de ritmo constantes, donde se nota un gran trabajo en la batería de Junji Sakuma. Gran tema, otro de mis favoritos.

Para finalizar el Side I, viene "Triptych" un instrumental con un sonido bastante "satrianizado", que deja notar la maestría de Daita en las seis cuerdas. Un tema tecnicamente impecable, de una melodía muy ganchera y mucho feeling. Buenísimo.

En el Side II, tenemos a "MOON" un tema con las revoluciones más bajas, con la voz de Hideki bastante más relajada con la que realmente se luce, muy melódica, pero igualmente rockera. El coro también es un punto fuerte, bien memorable y pegajoso, con unos buenos riffs de fondo y el climax llega en el momento del solo, uno de los que más me gusta el disco, en el que el resto de los instrumentos también se luce. Excelente.

Continúa rápidamente "Setsunasa Yorimo Tooku e" uno de los singles del disco, que continúa la senda más melódica, pero mucho más rápida que la anterior. El tema tiene una estructura bastante Pop, con un coro muy pegajoso y construida a base de un tapping que suena constantemente. El solo genial, sencillo, pero inspiradísimo. Avanzamos y aparece "I Am I", un corte que recuerda bastante a "MOON", donde Kazuma se toma las voces. Bastante melódico, de buenos riffs y un solo con un genial tapping. Buenísimo tema.

Mas adelante, "Heaven" con el lado más Soul y Funk de la banda. Aquí se introducen trompetas, unas voces femeninas que apoyan el coro y pulsos constantes del bajo. El coro demasiado pegajoso y el solo excelente, otro de los mejores del disco. Genial es el trabajo general de los intrumentos, musicalmente este tema es una de las joyas del disco.

Finalizamos con "Kumori Nochi Hare", corte mucho más tranquilo y lento que la gran mayoría, pero ultra melódico, sobretodo el coro y el solo, de bases algo blueseras. Una gran canción que finaliza de la mejor forma el disco.

En fin, "SIAM SHADE VI", me parece un disco redondísimo, lleno de excelentes temas, todos musicalmente muy versátiles, que abarcan distintos estilos que lo hacen muy variado, donde hay fuerza, energía y una poderosa vibra rockera. En general, creo que este disco es una gran muestra de cómo la técnica está siempre al servicio de la melodía.

Recomendado absolutamente, es uno de mis discos favoritos de una de mis bandas favoritas como, creo, podrán haber notado.

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Candlebox - Candlebox [1993]

2008-07-23T16:15:00.000-07:00

01.Don't You

02.Change

03.You

04.No Sense

05.Far Behind

06.Blossom

07.Arrow

08.Rain

09.Mothers Dream

10.Cover Me

11.He Calls Home

Durante la primera mitad de los años noventa, en plena explosión del Grunge, hubo muchas bandas que se formaron dentro de ese periodo y que, dada su propuesta, fueron encasillados dentro de lo que se llamó Post-Grunge, término que cobraría mayor fuerza luego del fallecimiento de Kurt Cobain, líder de Nirvana. Una de las bandas más conocidas de este subgenero es Candlebox, formada en ese entonces por Kevin Martin (voz), Peter Klett (guitarra), Bardi Martin (bajo) y Scott Mercado (batería), quienes hacen su debut homónimo en 1993, consiguiendo cuatro discos de platino y, junto con ello, gran reconocimiento internacional.

"Candlebox" es un disco que reúne principalmente aspectos del Hard Rock con reminiscencias setenteras y aspectos cercanos al Blues, con un sonido contemporáneo a la época, pero mucho más melódico y suave en sus distorsiones, aunque no por ello menos enérgico y poderoso. Dentro del trabajo musical, destaca mucho la genial guitarra de Klett, tanto en su composición como en su feeling y la voz de Martin, que dota a cada tema de gran fuerza.

Entonces, revisando los temas más notables, el disco abre con uno que rápidamente puede atrapar al oyente, "Don't You" con unos poderosos riffs al comienzo y Martin recitando con energía cada verso que, más adelante, desemboca en un grandioso solo de gran feeling y con una melodía muy noventera, para luego terminar con mucha más fuerza. Excelente tema para comenzar, entretenido, enérgico, muy bueno.

Continuamos con "Change" de un suave estribillo hecho a base de unos arpegios y que aumenta su intensidad en el coro donde se escuchan fuertes riffs y una batería más pesada. Gran solo y potente interpretación. Sigue "You" algo similar a la anterior en estructura, aunque ahora suenan unos punteos muy pegajosos al comienzo y el tema posee una melodía muy memorable aunque menos intensa.

Luego viene "No Sense" una de mis favoritas que comienza con unos suaves arpegios y acordes, similares a "Change" y donde el bajo cobra mayor protagonismo. El coro también toma fuerza, pero mantiene en general una línea más relajada. Lo mejor es el solo donde unos finos punteos con aires blueseros comienzan a sonar para luego tomar un sonido mucho más rockero y donde la batería y el bajo se toman las bases en los cambios de ritmo. Muy buen tema, de los que más me gustan del disco.

"Far Behind" es un tema con aspecto a balada, bastante más lento que la gran mayoría, pero con mucha intensidad, aunque con un aire algo melancólico. El solo es uno de los mejores a mi gusto de todo el disco, lleno de puro feeling y una melodía buenísima, donde Klett demuestra su gran destreza. Gran tema, muy bueno.

Más adelante "Arrow" un tema muy rockero que se asemeja a "Don't You" aunque con más energía aún, geniales riffs, un ritmo constante y Martin cantando más fuerte aún. El solo también excelente, lleno de fuerza y de expléndida ejecución. Otro corte buenísimo, de los que más me gustan.

Continúa inmediatamente "Rain" un tema muy bluesero, toques que se notan sobre todo en la guitarra y en los tiempos utilizados. El tema abre muy tranquilo y va tomando fuerza mientras avanza, luego viene un solo muy bluesero donde queda una vez más demostrado la habilidad de Klett en las seis cuerdas. Posteriormente el la canción cambia de ritmo completamente y se torna mucho más rockera y donde la guitarra sigue teniendo enorme protagonismo con otro excelente solo. Espectacular corte, muy muy bueno.

"Mothers Dream" es un tema más pesado en general, donde también el bajo toma mucha importancia y Martin canta mucho más bajo de lo usual. Otro tema muy bueno, buena guitarra como siempre, energía, fuerza, etc. "Cover Me" es una especie de balada con toques acústicos, una intepretación bastante más suave y una melodía muy buena, bien memorable y para variar, un buen solo. Y dentro de la misma lína, finaliza el disco con "He Calls Home" de un grandioso trabajo musical, completamente acústico y relajado, la mejor forma de terminar con un disco buenísimo.

En resúmen, "Candlebox" es un trabajo muy notable, de composiciones muy bien trabajadas, donde destaca mucho la gran guitarra, melodías muy fáciles de escuchar y varias bien pegajosas. Independiente de las etiquetas, este disco me parece una muy buena muestra de Rock de la época. Muy recomendado.

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Radomir Mihajlovic "Tocak" - R. M. Tocak [1976]

2008-06-12T20:25:00.000-07:00

01.Oro
02.Aria Daimond
03.Svrabez
04.Neki Paraziti
05.Organizam Blues
06.Modifans

Radomir Mihajlovic Tocak, guitarrista y fundador de la banda de Rock-Blues, Smak, a principios de los 70, es considerado uno de los músicos más influyentes dentro de la escena rockera de Yugoslavia, sobretodo por su gran virtuosismo y su técnica sin uñeta a la hora de tocar. Paralelamente al funcionamiento de su banda, comenzó una carrera solista a mediados de la misma década, lanzando el presente disco instrumental "R. M. Tocak", reuniendo a notables músicos como Slobodan Stojanovic "Kepa" en la batería, Zoran Milanovic con el bajo y Laza Ristovski en los teclados. Con este álbum demostró que no tan sólo es un grandioso guitarrista, sino que un versátil músico, consolidando aún más su nombre.

Cuando digo versátil es debido a que el disco logra explorar diversas texturas, ya sea del Hard Rock, toques de Blues, Jazz, Funk, Folk con una gran agilidad en la composición, no sólo al trabajar la guitarra, sino que el resto de los intrumentos que lo acompañanan, además de ciertos toques progresivos. El trabajo musical me parece sencillamente notable, donde hay una gran destreza técnica al servicio de la melodía, haciendo a este trabajo bastante interesante de escuchar.

Por lo mismo, pasando a revisar sus temas, el primero, "Oro", con ciertos toques Folk, es un tema que abre rapidísimo, construido con tiempos difíciles de seguir y una batería que parece estar marchando todo el tiempo y de un notable trabajo con los cambios. El trabajo de la guitarra también se luce, con unos punteos precisos y llenos de intensidad. Es un corte que no da tregua, muy bueno.

"Aria Diamond" es un corte muy melódico donde la guitarra adopta una lína musical bien definida y mucho más sencilla de seguir que el corte anterior. Notables los teclados que están siempre detrás de cualquier movimiento de la guitarra y con cierto sonido psicodélico, como también la batería que continúa demostrando maestría. Notables cambios de ritmo, sobretodo en desde el minuto 4:28 donde el tema parece otro. Muy muy bueno.

"Svrabez" parece mucho más funk donde el bajo se toma las bases y la guitarra ahora con un sonido más sucio, con el incansable trabajo de la batería. Genial el silencio para el solo donde Tocak se pasea por aspectos muy blueseros de manera notable. Más o menos en la misma línea viene "Neki Paraziti", pero con una mayor presencia del teclado. Ambos temas con harto groove, muy entretenidos y de genial trabajo musical.

Sigue "Organizam Blues" que, como podrán notar, es un tema bastante bluesero con una guitarra bastante melódica a lo largo de los siete minutos que dura. Acá hay concentración plena en las seis cuerdas, mientras que el resto de los instrumentos bajan las revoluciones. Un tema muy oreja y de estructura más sencilla, muy bueno también.

Finalizamos con "Modifans" tema que recupera el groove de "Svrabez" o "Neki Paraziti", con geniales cambios de ritmo. La batería como siempre espectacular, el teclado de repente adquiere protagonismo con pequeños solos y el bajo con geniales bases, mientras que la guitarra va oscilando, funcionando en algunos momentos atmosféricamente y, en otros, rompiendo todo con unos geniales punteos. Buenísimo corte para dar término a este fantástico álbum.

En resúmen, el primer disco de Radomir Mihajlovic "Tocak" es una excelente muestra donde la técnica y el feeling se unen, creando temas entretenidísimos, pero que además poseen un trabajo musical interesante por toda su construcción y composición, a veces bastante compleja. Un álbum buenísimo a mi gusto, genial para quienes disfrutan de bandas con un sonido a la Deep Purple y aspectos más progresivos. Ultra recomendado!

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Van Halen - 1984 [1983]

2008-06-02T20:14:00.000-07:00

01.1984

02.Jump!

03.Panama

04.Top Jimmy

05.Drop Dead Legs

06.Hot For Teacher

07.I'll Wait

08.Girl Gone Bad

09.House Of Pain

Durante finales de los 70 y principios de los 80, una de las bandas que dio que hablar debido a su grandiosa versatilidad y virtuosismo a la hora de hacer Hard Rock fue Van Halen, quienes dejaron sorprendidos a muchos desde su debut en 1978. Fue justamente este primer periodo que abarcó desde el año antes mencionado hasta 1983 donde la banda cosechó su mayor éxito y es el lanzamiento del presente álbum, "1984" el último que sacarían antes de la salida del carismático David Lee Roth de la agrupación. El disco se convertiría en uno de los más vendidos de la banda, del cual se desprenden clásicos inmortales como "Jump!" o "Panama", temas considerados estandartes de la música popular de la ya lejana década de los ochenta.

El álbum conjuga de la mejor forma lo que Van Halen venía haciendo desde principios de su carrera: un Hard Rock directo a la vena, entretenido, de melodías muy memorables y con esos elementos musicales tan característicos de la banda. Destaca la siempre imponente y versátil guitarra de Eddie Van Halen, la poderosa batería de Alex Van Halen en la batería y grandiosa interpretación de David Lee Roth en la voz.

Aún así, la gran diferencia que presenta "1984" respecto de sus antecesores es la presencia constante del sintetizador. Si bien este elemento había sido utilizado en ciertos temas anteriores, aquí podemos escucharlo a lo largo de todos los temas del disco.

Entonces, pasando a revisar temas destacables, partimos con "Jump!", un temón que no tiene mayor presentación. Su comienzo es la mejor muestra del uso de sintetizadores, puesto que abren el tema y que incluso se toman un solo justo después del de guitarra. Gran melodía, un espectacular comienzo.

Continuamos con otro de mis cortes favoritos, "Panama", lleno de energía y feeling en esos riffs del comienzo y en ese ritmo que mantiene la batería durante prácticamente todo el tema. Genial el coro que recita con fuerza "Panama" donde el tema parece liberarse y el excelente solo en el que podemos disfrutar de la grandiosa habilidad de Eddie en las cuerdas. Un corte intenso y enérgico, entretenidísimo. En seguida viene "Top Jimmy", un tema que abre calmadamente con unos excelentes armónicos y que en el cobra fuerza en el estribillo y el coro, además de un genial solo con un cambio de ritmo en la batería muy bluesero. Muy buen tema, bien entretenido.

El siguiente sencillamente es uno de mis favoritos, "Hot For Teacher". Abre con unos redobles de batería con un ritmo muy jazzero y luego el poderoso tapping de Eddie, para pasar a unos potentes riffs. El tema en su construcción posee constantes cambios de ritmo, tanto en el coro como en el estribillo y el solo, que por cierto es uno de los mejores de todo el álbum. Aquí la batería sencillamente se luce por su gran trabajo y ejecución. Una canción entretenida, llena de aires de fiesta y muy genial musicalmente hablando.

Luego viene "Girl Gone Bad", un tema también intenso que demuestra mucho la versatilidad compositiva de la banda a la hora de cambiar ritmos y de tocar sus instrumentos. Poderoso el solo y esa batería implacable que lo acompaña. En fin, buenísimo como todos los anteriores.

Y seguimos finalmente con "House Of Pain" un tema más o menos pesado (claro, dentro de los parámetros de Van Halen) con unos buenos riffs que se repetirán a lo largo de este. Notables los cambios de ritmo tanto para el solo como para después de él. Otro temazo que me parece muy versátil en su composición.

En general, este álbum me ha parecido un excelente trabajo donde se reúnen tanto la técnica y el virtuosismo con mucho feeling y geniales melodías. Al escucharlo es fácil comprender por qué fue tan exitoso en su época y es que posee temas demasiado entretenidos y muy memorables, no es extraño de que aquí salieran aquellos clásicos mencionados anteriormente, realmente se lo tienen muy merecido. Ultra recomendado.

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Fuzzy Control - Chicken [2003]

2008-05-14T08:14:00.000-07:00

01.Bakyarou

02.Indian Fu Chicken

03.Uk

04.Feel Your Mind

05.Woo!!!

06.Deirei

07.Hamori No Are - To Ball Now

08.You Get Away

Dentro del enorme cúmulo de bandas nuevas independientes en el país del sol naciente, Fuzzy Control, agrupación formada por JUON (guitarra, voz), SATOKO (batería) y JOE (bajo), es una de las que se ha hecho de un gran reconocimiento a lo largo de los pocos años que llevan de carrera. En 2003 sacan "Chicken" su primer disco, aunque su real debut no sería considerado sino hasta el lanzamiento de "First Control" de 2004, no obstante, en el presente disco ya muestran gran parte del potencial que tienen por ofrecer.

En Chicken la banda hace gala de temas inspiradísimos, con una gran vibra rockera, de harto groove y energía, compositivamente versátiles y creativas, que presentan una mezcla de estilos que van desde el Hard Rock, mucho Funk, Blues, Pop y alguno que otro toque Ska. Dejan notar en este aspecto, claras influencias de bandas como Rage Against The Machine, Red Hot Chili Peppers o Jimi Hendrix, entre otros. En cuanto a lo musical, a mi parecer la banda sorprende con un formidable desplante en cada uno de los instrumentos, con muy buena técnica y poderoso feeling que queda plasmado en cada tema.

Entonces, vamos con los temas destacables. "Bakyarou", un tema muy enérgico que entra con fuerza desde el principio y donde ya se notan los toques Funk y Hard Rockeros, sobretodo en el el trabajo de la guitarra y el bajo, además de una batería que le va dando intensidad al tema. Posee un estribillo bastante melódico y un coro entretenido que recita el nombre de la canción. Gran tema para partir, aunque es sólo una muestra.

"Indian Fu Chicken" es otro tema bastante entretenido, de una veta principalmente Rockera, donde destaca mucho el trabajo de la batería en el estribillo y el genial solo con harto groove y con una "suciedad" muy bluesera. Continuamos con "Feel Your Mind", un tema muy Funky en el que el bajo toma prácticamente toda la dirección, con notables cambios a lo largo de este, y una notable participación durante el estribillo, apoyado por una genial guitarra rítmica. Geniales los riffs y el solo que también suda Funk y la batería siempre presente con variados juegos de ritmo. Uno de mis temas favoritos por la agilidad que posee, muy muy bueno.

Sigue "Woo!!!" un corte que desde el comienzo muestra sin tapujos toques RATM en su estilo. Aquí hay mayor participación de las voces, donde tanto el guitarrista como el bajista y la baterista cantan sus fraseos con un leve toque a rap. Genial la fuerza que toma el tema en el coro y el solo acompañado de unos entretenidos wah wah, muy a la Tom Morello y lo mejor también viene justo cuando el tema parece terminar donde hay una sección muy Funk. Muy entretenido.

"Deirei" es otro de mis favoritos. El tema abre con unos riffs y un estribillo muy melódico con voz en eco, para luego pasar a unos riffs que de repente se cortan para dar paso a unos redobles de batería, juego que se irá repitiendo a lo largo del tema. Aqui la baterista se toma el tema, donde hace gala de una poderosa técnica y manejo, mucho redobles y contrapuntos con increíble energía que van variando. Genial también el solo, muy Funky para variar. Excelente tema, realmente me encanta.

"Hamori No Are - To Ball Now" un tema más relajado que abre con unos arpegios y una voz mucho más grave y muy melódica que desemboca en un coro con gran fuerza en los riffs y unas voces que recitan el nombre del tema. Lo mejor viene en el solo, con unos finos punteos, muy blueseros y que luego siguen en un genial solo, "sucio" y de un feeling maldito, sin dejar atrás la poderosa batería de fondo que sigue con esos juegos de ritmo tan constantes a lo largo de todo el disco y un bajo discreto pero siempre presente. También excelente, de mis favoritas máximas.

Como resúmen, "Chicken" es una muestra de energía, de frescura creativa y compositiva que sumado al feeling y poderoso groove en cada riff o en cada compás de la batería que además poseen una excelente ejecución por parte de cada músico. A mi gusto hay un gran equilibrio entre bajo, guitarra y batería que hace que todos destaquen por igual. Me parece un disco muy entretenido y fácil de escuchar, realmente lo recomiendo mucho.

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Screaming Trees - Dust [1996]

2008-05-08T19:53:00.000-07:00

01.Halo Of Ashes
02.All I Know
03.Look At You
04.Dying Days
05.Make My Mind
06.Sworn And Broken
07.Witness
08.Traveler
09.Dime Western
10.Gospel Plow

Screaming Trees, una banda considerada por muchos como una de las forjadoras de lo que sería la escena Grunge y después de nunca haber tenido el éxito mediático de sus contemporáneos, lanza en 1996 la obra que se convertiría en su trabajo cúlmine, "Dust". El álbum en su momento pasó prácticamente desapercibido, obtuvo muy malas ventas lo que provocó que el sello no se interesara más por la banda, lo que terminaría más adelante con la disolución de la misma, pero que, increíblemente, hoy en día es considerado uno de los discos fundamentales de la década.

"Dust" es un disco que muestra el punto más álgido de la evolución de la banda, donde logran reunir de gran forma todas sus influencias que van desde la psicodelia sesentera de The Doors, con el Hard Rock de corte más Zeppelinesco con un aire moderno, al que se le suman toques de Gospel, Folk, etc. Por lo mismo, dentro del trabajo compositivo, podemos escuchar sonidos de clavicordios, pianos, acústicos, percusiones Indias, mellotrones y un sin fin de ricas capas sonoras que logran crear diversos matices.

Otro punto destacable son las notables melodías que convierten al álbum en algo muy efectista, de fácil escucha. Esto apoyado por el genial trabajo de la guitarra y bajo de los hermanos Conner, la sólida batería de Barrett Martin y la voz calma de Mark Lanegan, al que se suma el teclado de Benmont Tench, entre otros músicos invitados. Todo bajo la atenta mirada de George Drakoulias en la producción que logra dar cohesión a cada pieza del disco.

Entonces, siguiendo con la revisión de los temas más destacables, parto con el primer corte, "Halo Of Ashes", un grandioso comienzo donde se muestran rápidamente los sonidos poco convencionales que acompañarán a lo largo del disco. Con un aire hindú gracias al sonido del mellotron, la congas, el djembe, pero que es netamente rockera con los fuertes riffs y la batería constante y enérgica. Gran tema para ir adentrándose en el disco.

Continuamos con "All I Know", tema que fue single promocional. Aquí ya hay mayor fuerza en los riffs, acordes acústicos y un atmorférico teclado de sonido psicodélico. Este es uno de los mejores temas, de un gran sentido melódico y rítmico, y de coro muy memorable que a medida que avanza toma enorme intensidad. Maestrísimo.

"Dying Days" otro tema que abre con acordes acústicos y a Lanegan recitando las frases que forman parte del coro. Geniales son los riffs que antes del coro, le dan fuerza a la voz de Lanegan y las frases que dicen "All these dying days, I walk the ghost town, used to be mi city..." apoyado con las voces de los 21st Street Singers, para luego desembocar en un excelente solo, lleno de feeling de la mano de Mike McCready. Este es uno de los temas que instrumentalmente más me gustan: tiene teclados, acústicos, coros que dan energía, y el sonido de un piano eléctrico, etc, una joya de tema, de mis favoritos.

Seguimos con "Make My Mind", una canción con una excelente melodía y donde se logra apreciar más al cuarteto principal de músicos interpretando con gran maestría. Excelentísimo coro que recita "You make my mind, just wanna leave this world behind..." y el poderoso solo de Conner que sigue la melodía del coro. También de genial factura los coros que apoyan a Lanegan que luego toman protagonistmo al final del tema. Asombroso.

Con "Sworn And Broken" bajamos un poco las revoluciones. Un corte con aspecto a balada, en un comienzo bastante acústico y luego con energía más eléctrica, que además son apoyados con un cello y hermosos coros, que terminan un solo de teclado con ese aire sesentero característico de la banda. Un tema precioso en todo aspecto.

"Witness" vuelve al sonido más básico de la banda, recuperando la energía pero con una batería más incisiva aún. Maestrísimo el coro que es lo que más me gusta del tema y el solo de guitarra. Seguimos con "Dime Western", bastante más psicodélico que el resto. Con harto teclado atmosférico, percusiones y a Lanegan cantando más bajo de lo acostumbrado. Notable.

Cerramos con "Gospel Plow", otro tema con aires indios donde escuchamos el sonido de tablas, harmonio y un bajo que va marcando la pauta. Genial es luego el desarrollo del tema, que sigue con ese bajo constante y unas guitarras con poder que finaliza luego de la misma forma que empezó.

En resúmen, "Dust" es un disco que reúne un trabajo instrumental y compositivo impresionante con melodías memorables que pueden fácilmente encantar a cualquiera que quiera escucharlo. Me parece un grandioso disco que sólo el tiempo le daría la justicia que merecía, una lástima puesto que si hubiese sido así desde un principio, probablemente la historia sería otra. Es de los mejores discos de Rock que he escuchado ahora último, como podrán haber notado, me gustó demasiado, es para mi una obra maestra. Totalmente recomendado.

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Volcano - Violent [2000]

2008-04-10T09:57:00.000-07:00

01.The Present

02.Kill All Of Me

03.Ghost

04.Brain Dance

05.Fear Of The Scarlet

06.I Am "What"?

07.Cloud Covers

08.Devil May Care Boy

09.The Prayer

10.Volcano

11.Unchained

Volcano es el proyecto de banda que el guitarrista She-Ja (ex Animetal, ex Gargoyle) comenzaría por allá en el año 1994, pero fue sino hasta la llegada del 2000 que la banda pudo registrar su primer largaduración cosechando muy buena crítica, sobretodo en Europa. Y no es para menos, considerando que dentro de su formación, la banda cuenta con notables músicos como Katsuji (Gargoyle, Animetal) en la batería, Akira (Youthquake) en el bajo y Nov (ex-Aion, Z-Sect) en las voces.

"Violent" es una placa que en términos de estilo, logra reunir con gran versatilidad elementos del Thrash Metal con algunos toques Neo Clásicos, aunando así la potencia y la furia de los riffs con un gran sentido melódico en cada uno de sus temas. Musicalmente el disco presenta un trabajo compositivo sólido aunque de estructura más convencional, muy variado en cuanto a sonidos ya que introduce elementos como teclados y acústicos generando contrastes. Destaca en este aspecto la grandiosa construcción de la guitarra, muy buenos riffs, excelentes solos, muy cuidados y trabajados en todas las aristas tanto técnicas como melódicas además del feeling.

Entonces, comentando los temas a mi parecer más destacables de la placa, parto con "The Present" un instrumental que da introducción al disco y donde una voz masculina recita unos versos que finaliza con un genial "Welcome to this world!" dando paso al siguiente tema. "Kill All Of Me", el segundo corte, abre con unos redobles para tomar un ritmo intenso que se mantendrá a lo largo de todo el tema. Bastante potencia y rapidez, un genial corte que llega a su clímax justo en el solo con esas notas alargadas y una batería imparable. Buenísimo.

"Ghost" es un tema más pesado que continúa más o menos con el mismo tempo del anterior. Geniales son los coros que se escuchan en el estribillo y que apoyan a la voz de Nov, impregnando de más fuerza a los riffs. El solo de guitarra es tan genial como en el primer tema donde demuestra ya sus toques Neo Clásicos, en especial al final con unos poderosos punteos. Otro gran tema.

"Fear Of The Scarlet" ya no es tan rápida como las anteriores aunque mantiene ese aire pesado de los otros. Posee un gran trabajo en la melodía, que se nota tanto en la guitarra como en la voz. Notable es el momento antes del solo donde hay un cambio de ritmo y se escucha un genial teclado acompañado de arpegios acústicos y los gritos de Nov que dan paso a un espectacular solo, muy melódico, técnicamente impecable, genial, es la mejor parte de todo el tema. Y siguiendo en cierto sentido el mismo plan del anterior, "I Am "What?"" es un tema donde creo que Nov hace uno de sus mejores trabajos del disco. La canción es pesada de todas formas, pero sigue sin aumentar el tempo y destaca mucho esa batería bien marcada y el genial solo.

"Cloud Covers" otro tema denso, pero que toma un poco más de intensidad que los anteriores. Aquí Nov hace a mi parecer su mejor interpretación de todo el disco, sobretodo el el coro y en los fraseos de antes del solo que como ya es costumbre en este álbum, es buenísimo, aunque ahora apoyado por unos acordes menos distorsionados. Continuamos con "Devil May Care Boy" que aumenta la velocidad a raudales abiendo con unos blast beats y con un trabajo notable del doble bombo y los riffs en los estribillos que luego pasan a un coro bastante melódico. Para qué decir del resto, impresionante.

"The Prayer" uno de mis favoritos de la placa. Abre con unos tappings que luego introducen la potencia de la batería y unos fuertes riffs. Sencillamente espectacular el momento antes del solo donde se escucha la voz de un niño recitando un poema, apoyado por unos coros de fondo que al momento de llegar a lo más alto, She-Ja se manda un solo de esos espectaculares que abundan en toda la placa, para volver a los tappings del comienzo. Sublime, es un tema buenísimo. "Volcano" sigue manteniendo la velocidad, la fuerza y la potencia de los otros temas. Notables los riffs apoyados con los coros y lo mejor es la sección instrumental antes del solo donde un violín junto a unos sonidos acústicos contrastan la pesadez general, para luego pasar a otro grandioso solo, melódico, lleno de feeling, técnicamente impecable, en fin, maestrísimo.

Finalizamos con "Unchained" un instrumental acústico de hermosa melodía que muestra un gran complemento entre ambas guitarras. Una lástima que sea tan corto, pero que corona de forma soberbia al disco.

"Violent" es un disco redondo a mi parecer, tiene un desplante musical asombroso, melodías muy memorables, una guitarra sencillamente espectacular, etc. Es un trabajo muy cuidado en la composición y en sus arreglos que, como habrán podido notar, me gustó en demasía, es uno de mis discos fundamentales. Total y absolutamente recomendado.

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Whitesnake - 1987 [1987]

2008-03-26T18:22:00.000-07:00

01.Still Of The Night

02.Bad Boys

03.Give Me All Your Love

04.Looking For Love

05.Crying In The Rain

06.Is This Love

07.Straight For The Heart

08.Don't Turn Away

09.Children Of The Night

10.Here I Go Again 1987

11.You're Gonna Break My Heart Again

Whitesnake, la banda liderada por el ex Deep Purple, David Coverdale comenzaba poco a poco a acercarse al mercado estadounidense durante los 8o. Pero no fue hasta la salida del presente álbum "1987" con el que la banda daría el salto definitivo hacia la fama en aquel país, realizando junto con ello un cambio de estilo tanto musical como estético que los acercaría los movimientos imperantes de aquella época como el Metal y el Hard Rock melódico. De este modo, resultó un trabajo que no sólo está muy ad hoc con lo que sonaba en ese entonces, sino que también marcaría pauta, saliendo de allí muchos de sus temas más famosos y recordados.

Junto con músicos como John Skye en la guitarra, Aynsley Dunbar en la batería, Neil Murray en el bajo y Don Airey con los teclados, "1987" es un disco muy inspirado que a pesar de utilizar los típicos elementos del Hard Rock melódico, posee una gran creatividad en la composición de los temas, un trabajo cuidado en las guitarras, un increíble desplante vocal y melodías a mi parecer, tan bien pensadas que lo hacen muy fácil de escuchar, entretenido y muy memorable.

Revisando los temas más destacables, el álbum abre con "Still Of The Night", un tema enérgico que comienza con la potente voz de Coverdale y que sigue de un riff muy pegajoso y una batería con un compás bien marcado, algo que se mantendrá a lo largo de todo el tema, llegando a un notable solo, primero de teclado y luego de guitarra. El tema me encanta, es uno que rápidamente logra enganchar y deja ver claramente la dirección del disco.

"Bad Boys" es otro tema potente que mantiene un poco la lína del anterior en ese aspecto, pero mucho más rápido y con un trabajo melódico notable, sobretodo en el coro. Buenísimo corte también, entretenidísimo y lleno de feeling. Continuamos con "Give Me All Your Love Tonight" que baja un poco la intensidad, pero mantiene un rítmo constante y puede notarse mayor participación del teclado, además de un Coverdale que sigue interpretando con maestría cada frase de las líricas.

La siguiente canción, "Looking For Love" es una balada que baja completamente las revoluciones donde se sigue apreciando lo buen cantantante que es Coverdale, apoyado de finos arpegios, una batería muy marcada y un teclado que funciona de forma atmosférica. Notable el final donde la guitarra agarra mayor intensidad con unos punteos, notándose un genial trabajo por parte de Skye. Y continuando en la misma línea, "Is This Love" es otra balada que posee una melodía endemoniadamente pegajosa, donde el bajo y el teclado crean un aire muy calmo y la guitarra pone una cuota de emotividad en los solos. Buenísimo, sinceramente ese tema es uno de los que más me encanta de la placa.

"Straight For The Heart" recupera la energía de los primeros temas y ya partimos con un estribillo intenso que desemboca en un coro que va tomando más fuerza y luego un solo de complejos punteos y gran feeling. "Children Of The Night" mucho más agresiva, tanto en los riffs como en la batería constante. Notable es el coro que recita "Are You Ready To Rock? Children Of The Night" donde dan ganas de decir "Yeah!!!". Otro de mis favoritos, realmente genial.

El siguiente tema "Here I Go Again 87" lleva ese nombre, puesto que es una nueva versión del mismo, aparecido en uno de sus anteriores trabajos "Saint And Sinners". Su trabajo es espectacular, abre con un un emotivo solo de teclado y la voz de Coverdale, para luego introducir la guitarra y la batería llevando al tema a ser uno netamente de Hard Rock. Gran corte también, muy buena versión.

Terminamos con "You're Gonna Break My Heart Again", rápida y con una dirección melódica muy clara. Gran trabajo en el coro y en la guitarra, me parece un genial tema que cierra de forma magistral el álbum.

No puedo escatimarme en elogios para este potente trabajo. Posee energía, ritmos que siguen una línea definida, pero que logran variar lo suficiente, un trabajo musical muy destacable, melodías pegajosas que convierten a "1987" en un disco entretenido y directo, de esos que rápidamente pueden quedar dando vueltas en tu cabeza. A mi realmente me encantó, creo que es una excelente muestra de Hard Rock y como siempre, lo recomiendo mucho, de seguro puede sorprenderlos.

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Gruntruck - Push [1992]

2008-01-23T19:04:00.000-08:00

01.Tribe
02.Machine Action
03.Racked
04.Crazy Love
05.Above Me
06.Gotta Believe
07.Break
08.Slow Scorch
09.Follow
10.Body Farm
11.Lose
12.Push

Luego del lanzamiento de su primer LP de 1990, titulado "Inside Yours" y tras haber alcanzado un cierto renombre, la banda formada por el ex Skin Yard, Ben McMillian (voz, guitarra), Tommy Niemeyer (guitarra), Tim Paul (bajo) y Norman Scott (batería), saca su segundo álbum titulado "Push" dos años después, con el que obtendrían por fin un mayor reconocimiento. Respaldados por el boom del Grunge en esos tiempos, la banda se haría un espacio importante, aunque sin llegar a la exposición mediática de sus contemporáneos.

Con este disco la banda toma un rumbo musical mucho más agresivo y pesado en relación al anterior, donde se logra apreciar una orientación hacia los riffs, de sonidos cercanos al Metal, y ritmos en general más rápidos. También destaca el trabajo general de la composición, con temas a mi gusto bien construidos, sencillos y con un resultado potente.

Revisando las canciones detacable, el tema que abre el disco "Tribe" muestra claramente esta línea musical descrita anteriormente. Abre con unos fuertes riffs en los que pareciera estar escuchando alguna banda de Thrash Metal, pero ya en el estribillo el tema adquiere este sabor de Rock Alternativo de los 90. Posee una genial melodía y un coro muy pegajoso, en general, es un tema ideal para dejarse llevar por el álbum.

"Racked" abre con unos compases de la batería, para luego ingresar un riff que se repetirá a lo largo del tema y que luego cambiará en el coro. Entretenido solo y una interpretación vocal de mucha fuerza, uno de mis temas favoritos del disco. Y siguiendo en la misma línea está "Crazy Love" un tema que atrapa, tanto por su melodía como por sus riffs, sencillos y pesados, pero muy memorables. Notable la parte dedicada al solo, donde los riffs aumentan su intensidad. Gran tema, otro de mis favoritos.

El corte siguiente, "Above Me" tampoco es la excepción, algo más lento que el anterior, pero igualmente pesado. Posee un memorable coro con una genial armonía de voces. Buenísimo. "Gotta Believe" también es otro tema que me gusta, aunque no se diferencia mayormente de lo ya escuchado hasta este momento en el disco. Como mucho los constantes riffs del estribillo con Palm Mute y la voz llena de energía.

"Slow Scorch" con es otro tema que baja las revoluciones, pero no suaviza. Abre con unas notas del bajo y unos pesados riffs. Posee uno de los coros más melódicos del disco y la voz en general alcanza tonos más bajos que los anteriores. Buenísimo también, otro de los que más me gustan. "Follow" es otro tema que me agrada. Abre con unos riffs que aumentan su intensidad y desembocan en un solo . Tampoco tiene mucho de distinto a las canciones pasadas, aunque aqui se puede escuchar con mayor presencia el solo de guitarra.

Dentro de la misma línea anterior está "Body Farm", otro tema que me agrada mucho por su fuerza sobretodo en el coro y en su solo con efectos de eco. Finalmente "Lose" es otro corte de mi agrado, buena melodía, buen coro, en general es un tema estándar en el disco pero igualmente destacable. Me gusta mucho el trabajo del bajo y la guitara en el solo. Notable, buen tema.

En general el disco presenta una línea tan marcada, que no varía mucho en realidad, pero aún así no me parece monótono. Los temas tienen momentos notables y melodías entretenidas, además de un trabajo musical más que aceptable, lo que lo convierte a mi parecer en un buen álbum, muy destacable. Lo recomiendo mucho, sobretodo para quienes gusten del Rock Alternativo de los 90 y quieran salirse de lo más conocido.

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Puedes escuchar el tema "Crazy Love" en >>Free Music Corner<<

Bull Zeichen 88 - Infinity [2007]

2008-01-02T07:52:00.000-08:00

01.Infinity
02.Forward
03.Twin

"Infinity" es el nombre del single debut de Bull Zeichen 88, banda que trae de vuelta a Junji (ex Siam Shade) en la batería junto a otros notables músicos como Eijirou (ex Dread Nought Fuse) en la voz; Sebastian (ex BOOZE) en la guitarra, e Ikuo (ex Ex-iT, Lapis Lazuli) en el bajo. La agrupación anunció su formación durante 2006, pero no fue hasta mayo de 2007 en que dieron señales de vida con la salida del presente EP.

En términos de estilo, el single muestra un Rock con ciertos codeos hacia sonoridades más Metal y aspectos que los acercan al Funk. Musicalmente hablando los temas están construidos en base a fuertes riffs, un bajo muy presente cuyo sonido no pasa desapercibido y una batería técnicamente muy versátil.

Revisando tema por tema, "Infinity", que da título al single, abre con unos fuertes riffs y las líneas del coro que recitan "Don't You Stay Away?" y luego en el estribillo se puede escuchar una interesante batería llena de cambios y redobles para volver a pasar a las líneas del coro que se irán repitiendo a lo largo dela canción, para después desembocar en un genial solo de guitarra. Un tema enérgico que ya muestra la grandiosa capacidad musical de la banda.

El siguiente, "Forward" continúa con la energía, aunque en esta ocasión nos topamos con mayores cambios de ritmo durante el desarrollo del tema. Destaca el uso del bajo con slaps, aportanto con el toque Funk, aunque no se quedan atrás los fuertes riffs y unos curiosos coros bastante melódicos. Otro gran tema que abre más posibilidades creativas puesto que resulta bastante variado, aunque mantiene la misma línea del anterior.

Finalmente "Twin" posee un aire mucho más pesado con base de fuertes riffs y una voz de gritos mucho más potentes. La presencia de un coro melódico distiende un poco el ambiente del tema en general. Destaca mucho la constante guitarra y los cambios de la batería que en el clímax del tema suma un doble bombo que le da mayor intensidad aún. Muy buen tema también.

En general, este single me gustó mucho. Todos los temas están dotados de mucha energía y fuerza además de ser compositivamente bien versátiles, pero manteniendo una dirección definida entre ellos, logrando un potente resultado. Es un agrado para mi volver a escuchar a Junji tras los bombos en los que posee grandiosa habilidad, aunque los otros músicos no se quedan atrás, ya que demuestran una capacidad técnica impecable. Esperemos que se animen pronto a sacar un álbum. Muy recomendado.

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Puedes escuchar el tema "Infinity" en >>Free Music Corner<<

'08 Releases Corner

2008-01-01T12:32:00.000-08:00

Como en todos los años hay lanzamientos musicales interesantes, en este espacio iré publicando mis recomendaciones de discos que haya escuchado de los aparecidos este año.

The Gutter Twins - Saturnalia
Fecha de salida: 4 de Marzo de 2008

The Gutter Twins, la nueva banda que reúne a dos grandes del Rock estadounidense de los 90, como Mark Lanegan (ex Screaming Trees) y Greg Dulli (ex The Afghan Whigs), ha lanzado su disco debut titulado "Saturnalia", un trabajo que explora diferentes formas musicales abarcando tanto el Hard Rock como el Blues, la Psicodelia, toques Folk, acercándose a aspectos de la música Hindú, repleto de atmósferas que ofrecen diversas texturas sónicas. Así tenemos cortes buenísimos como "God's Children", "The Body","Idle Hands", bastante Rockera, "Who Will Lead Us?" o "Seven Stories Underground" de una exquisita suavidad, etc. Un gran trabajo, diverso, creativo, casi experimental que requiere de unas cuantas escuchas para digerirlo en su totalidad.

Black Tide - Light From Above
Fecha de salida: 18 de Marzo de 2008

"Light From Above" es el titulo del disco debut de esta joven banda oriunda de Florida, Estados Unidos, cuyos miembros rondan las edades entre 14 y 19 años. Dotados de una genial creatividad compositiva, nos ofrecen un Heavy Metal de peso, con un sabor ochentero que fácilmente recuerda a bandas como Iron Maiden, Metallica o Megadeth por sus riffs, melodías muy gancheras y un profesionalismo a la altura de los grandes. Buenísimos temas podemos encontrar como "Shockwave", la épica "Warriors Of Time", la enérgica "Show Me The Way", entre otros. Un disco genial que le da frescura al género.

The Sword - Gods Of The Earth
Fecha de salida: 1 de Abril de 2008

La joven banda The Sword ha lanzado su segundo álbum titulado "Gods Of The Earth" y han vuelto a sorprender como lo hicieron con su anterior disco "Age Of Winters" de 2006. Tal como en su primer larga duración, siguen con sus dosis de Stoner Metal, de pesados riffs y atmósferas cercanas al Doom, pero dándole un cierto aire más épico a sus temas, algo que se nota tanto en sus melodías, como en en los pasajes instrumentales, sobretodo los acústicos. Destaco de sobremanera canciones como "How Heavy This Axe", "Fire Lances Of The Ancient Hyperzephyrians" llenos de furia y potencia, "To Take The Black" con variados matices y el ya mencionado toque épico más patente; "Maiden, Mother & Crone" que es casi una oda al Rock clásico de aire "sabbathico". En general muy un disco sólido que refuerza aún más el nombre de The Sword.

Testament - The Formation Of Damnation
Fecha de salida: 29 de Abril de 2008

Otra de las bandas que regresa, después de 9 años desde la salida del genial "The Gathering", es Testament y ahora, completamente recargados, lanzan "The Formation Of Damnation", disco que deja en manifiesto por qué son una de las bandas de Thrash Metal más importantes. Haciendo una mezcla del sonido de anteriores trabajos como "The Ritual" o "Demonic", la banda nos ofrece temas de ingeniosa composición, repletos de velocidad y brutalidad como "The Evil Has Landed", "The Formation Of Damnation" con guturales de la etapa de finales de los noventa, o "The Persecuted Won't Forget". Testament dicta cátedra.

King's X - XV

Fecha de salida: 20 de Mayo de 2008

King's X no se detiene. A sólo dos años de "Ogre Tones", la banda vuelve a sorprender con "XV", un disco que los sigue dejando arriba del pedestal como una banda de renombre. Sin mayores cambios, pero llenos de matices y esa sensibilidad y versatilidad que los caracteriza para crear temas memorables, tenemos joyas como "Rocket Ship", la hermosa "Julie", la enérgica "Alright", "Stuck" o la poderosa "Go Tell Somebody". Un disco buenísimo, King's X la rompe como siempre.

DAITA - FANTASIA

Fecha de salida: 07 de Junio de 2008

El virtuoso guitarrista, Daita, está de vuelta con con "FANTASIA", su cuarto álbum de estudio en el que nuevamente sorprende por su grandiosa capacidad para crear melodías y su enorme versatilidad musical. En este disco, el músico se inclina principalmente por sonidos electrónicos, similares a lo hecho en su primer disco, "Direct Chord", pero mezclado, además, con aspectos más orquestales, cercanos a su trabajo en "Euphony", sumado a un sublime trabajo en las seis cuerdas. Destacan temas como la potente "Truth And Struggle", la intensa "End Of The Fierce Run" o la relajada "Transmigration Or Destruction". Un álbum grandioso, Daita sigue demostrando cómo la técnica está siempre al servicio de la melodía.

The Atomic Bitchwax - 4
Fecha de salida: 12 de Julio de 2008 (pre-lanzamiento online: 6 de Abril de 2008)

The Atomic Bitchwax, una de las bandas de Stoner Rock más prometedoras de la nueva década, dice presente con un nuevo lanzamiento titulado simplemente "4". A lo largo de los 11 temas que conforman la placa, la banda demuestra su gran agilidad y virtuosismo que los caracteriza, con una gran energía y un feeling muy noventero. Así tenemos las geniales "Middle Man", la Punk Rockera "Daisy Chain", la melódica "Revival" o la entretenidísima "Don't Do It" que parece una especie de declaración de principios. Un disco genial, fresco, lleno de fuerza, excelente para quienes gusten del estilo.

Candlebox - Into The Sun

Fecha de salida: 22 de Julio de 2008

Luego su reagrupación en 2006 y con tres de sus miembros originales, Candlebox regresa a la escena musical con el lanzamiento de su cuarto álbum de estudio titulado "Into The Sun" después de diez años. Un disco potente, lleno de excelentes temas de una inspiradísima composición que demuestran mayor madurez musical. Es cosa de escuchar la fuerza de "Stand", los toques Zeppelinescos de "Underneath It All" o los toques más blueseros de "Breath Me In" para notarlo. Los años no pasan en vano y Candlebox es prueba de ello.

Motörhead - Motörizer
Fecha de salida: 26 de Agosto de 2008

La legendaria banda británica, Motörhead, no tiene descanso en sus ya 30 años de actividad y siguen sacando trabajos que no bajan un ápice de calidad, prueba de ello es su nuevo disco "Motörizer" aparecido este año. Si bien el álbum no cambia musicalmente hablando a lo que acostumbra hacer la banda, cuenta con toda su esencia y estilo, con temas cargados de energía y fuerza entre los que estan los geniales "Runaround Man", "(Teach You How To) Sing The Blues", "Buried Alive", "English Rose" y muchas otras más. A mi parecer un poderoso disco que confirma que Motörhead aún tiene mucho que decir.

Onmyouza - Chimimouryou
Fecha de salida: 10 de Septiembre de 2008

A sólo un año después del excelente "Maou Taiten", Onmyouza regresa con su octavo álbum de estudio titulado "Chimimouryou", que continúa con la lucidez creativa demostrada en su anterior trabajo. Si bien musicalmente presenta los elementos característicos de la banda, los temas poseen gran agilidad y energía, a veces explorando otros tiempos y estructuras en algunos de ellos. Así tenemos buenísimos cortes como "Gashadokuro" muy Heavy Metal old school, la entretenida "Musasabi Ninpouchou", la poderosa "Oni Hitokuchi" con aires más Thrash, o "Tamashizume No Uta" con toques más cercanos al folklor japonés, entre otros. Un genial trabajo, Onmyouza vuelve a dar en el clavo.

Galneryus - Reincarnation
Fecha de salida: 10 de Septiembre de 2008

La genial banda de Power Metal liderada por el excelente guitarrista Syu, Galneryus, no se detiene. Su quinto larga duración, "Reincarnation", sigue mostrando que la banda cada vez se supera a sí misma, presentando un disco muy ágil compositivamente, con poderosas secciones instrumentales y con una guitarra mucho más furiosa que de costumbre, en la que, además de escuchar solos en plan Neo-Clásico, también muy buenos riffs. Temas increíbles podemos encontrar como la pesada "Blast Of Hell", la acelerada "Blame Yourself" , "Stardust", "Seasons Cry", etc. La banda sigue mostrando un nivel impresionante, a la altura de los grandes.

Anthem - Black Empire
Fecha de salida: 29 de Octubre de 2008

Anthem, otra banda clásica del Heavy Metal, aparece este año con su nuevo disco titulado "Black Empire", a sólo dos años del genial "Immortal". Siempre fieles a su estilo, "Black Empire"está cargado de ese Heavy Metal con sabor ochentero, pero de sonido moderno, con la potencia que la banda acostumbra impregnar en cada uno de sus temas. Cortes notables hay en demasía tales como la excelente "Black Empire", las enérgicas "You" y "Go Insane", "Emptiness World", la épica "Pilgrim" o la poderosa "Perfect Crawler". Sencillamente notable, hay Anthem para rato.

Espero que estas recomendaciones sean de su agrado y "Let's Rock!!"

Guns N' Roses - Appetite For Destruction [1987]

2007-12-29T09:35:00.001-08:00

01.Welcome To The Jungle

02.It's So Easy

03.Nightrain

04.Out Ta Get Me

05.Mr. Brownstone

06.Paradise City

07.My Michelle

08.Think About You

09.Sweet Child O' Mine

10.You're Crazy

11.Anything Goes

12.Rocket Queen

"Appetite For Destruction", lanzado el el 16 de Marzo de 1987, es el disco que catapultó a la fama a Guns N' Roses después de sólo dos años desde su formación. A pesar de haber sacado un mini álbum antes y de haber alcanzado cierto reconocimiento, su verdadero debut vino con "Appetite...", el cual vendió millones de copias y algunas canciones se convirtieron en clásicos del Rock de fines de los 80's y principios de los 90's.

Musicalmente hablando, el disco es netamente Hard Rock por lo que podemos toparnos con temas en su mayoría muy enérgicos, donde destaca principalmente su aspecto compositivo bien creativo lo que le da frescura a cada uno de los temas. Resaltan dentro de lo anterior unos muy buenos riffs y solos de guitarras, dotados de poderoso feeling, un trabajo vocal principalmente agudo y en general, melodías pegajosas de líricas bastante sugerentes.

Entonces, pasando a revisar los temas a mi juicio más notables, el primer corte "Welcome To The Jungle" puede ser un verdadero himno. Es rápido, potente, entretenido, con un coro muy memorable y un genial solo, grandioso tema de fácil enganche para continuar escuchando la placa. "It's So Easy" de riffs más pesados y una voz mucho más grave que la anterior aunque igual de animada. Genial el solo después del "Fuck Off!!". De mis favoritas.

"Out Ta Get Me" otro tema entretenidísimo, que comienza con unos riffs y un ritmo en la batería que la hacen muy adictiva. Gran coro, con divertidas líneas, sobretodo una que dice "I'm Fuckin' Innocent" que se me ha quedado grabada en la cabeza, y un genial solo de guitarra. "Paradise City" es algo más relajada, abre con unos arpegios y unas voces, para luego pasar a unos sintetizadors y posteriormente a unos geniales riffs con un coro que posiblemente sea uno de los más notables del disco. No me extraña que este tema se haya convertido en un éxito por que me parece buenísimo. Seguimos con "I Think About You" otro tema intenso, entretenido que mantiene un ritmo similar al de "Out Ta Get Me". La melodía es uno de los aspectos que más me gusta de este tema, sobretodo las líneas del coro.

"Sweet Child O' Mine" es uno de las canciones más ilustres del álbum, hecha con unos memorables punteos y una grandiosa melodía que suda feeling por todas partes. El tema tiene ciertos cambios de ritmo y a medida que avanza toma una intensidad que se ve respaldada por un buenísimo solo de guitarra. Sencillamente excelente. "You're Crazy" es otro de los que más me gustan. Bastante más rápido que los anteriores, tiene gran energía y potentes riffs que aumentan su velocidad en el solo. "Anything Goes", tema que no se diferencia mucho del resto, aunque posee todo el vigor de las anteriores, donde me gustan los cambios de ritmo que posee y el solo de guitarra con ese efecto wawa que la hacen muy entretenida.

Como conclusión, el disco puede ser descrito con tres palabras: energía, diversión y feeling. Creo que es un trabajo grandioso trabajo en todos los aspectos: musicalmente muy correcto, melódicamente brillante, de composición muy creativa, etc. Se ha convertido en uno de mis discos favoritos que fácilmente escucho de principio a fin. Creo que tiene muy bien merecido su lugar como clásico. Ultra recomendado.

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Stone Temple Pilots - Purple [1994]

2007-11-13T16:22:00.000-08:00

01.Meat Plow

02.Vasoline

03.Lounge Fly

04.Interstate Love Song

05.Still Remains

06.Pretty Penny

07.Silvergun Superman

08.Big Empty

09.Unglued

10.Army Ants

11.Kitchenware & Candybars

Durante comienzos y mediados de los 90, Stone Temple Pilots comenzó de a poco a tomar una gran fama, respaldada por el fenómeno mediático del Grunge. Su disco debut, "Core", los colocó dentro de las bandas renombradas del periodo y la aparición de su segundo larga duración que ahora nos convoca, "Purple", reafirmó con creces el grandioso momento por el que pasaba la banda en ese entonces, vendiendo millones de copias y manteniéndose dentro de los primeros lugar por varias semanas.

El por qué del éxito de la placa es fácil notar ya desde la primera escucha, Purple posee un puñado de muy buenos temas que, teniendo estructuras más bien sencillas, son musical y melódicamente muy creativos, con pasajes que pueden ir desde fuertes riffs, hasta las notas blueseras de una guitarra electro acústica y que fácilmente pueden quedar dando vueltas en la cabeza. Posee en general una variedad de ritmos que hacen al disco bastante dinámico, no obstante, mantiene una línea bastante definida que los acerca al Hard Rock en cuanto al estilo, como también al Blues y algo de Country. Si bien en cuanto al sonido puede ser bastante parecido al de otras bandas como Pearl Jam por ejemplo, a mi parecer la banda logra dejar su sello propio del álgún modo en cada tema del disco.

Entonces, entrando a revisar los temas que me parecen más destacables del disco partimos con "Meat Plow" un tema de unos riffs bastante más lentos y constantes con un bajo de un sonido muy consistente que se hace notar a lo largo del tema, un estribillo más denso que en el coro agarra fuerza, en general un muy buen tema, una gran forma de abrir; "Vasoline" algo más enérgico que el anterior, con un coro muy pegajoso y uso de percusiones en los puentes, melódicamente es muy notable, otro buen tema para continuar disfrutando; "Interstate Love Song" posiblemente sea uno de los temas más memorables del álbum, tanto por su melodía como por el feeling que tiene, un tema a mi gusto muy bien armado, muy creativo, emotivo y al igual que los anteriores, pegajoso, uno de mis absolutos favoritos; "Still Remains" un tema también muy oreja, capaz de llegar fácilmente por su gran melodía que aumenta los tonos en el coro, ees en general lento donde destaco la sencillez vocal de Weiland para transmitir, en general muy agradable; "Pretty Penny" un tema en general acústico hecho a base de acordes y percusiones que lo hacen muy sencilloy encantador, muy bueno; con "Silvergun Superman" volvemos a los riffs más pesados similares a los de Meat Plow, con una voz de tonos mucho más bajos y que cambia de ritmo a mitad del tema donde destaca mucho la base de bajo que finaliza con un solo sostenido, lento, pero lleno de maldito feeling, excelente, otro de mis favoritos; "Big Empty" es otro tema relajado, con toques más acústicos donde se notan más las influencias del blues, mucho más calmo en el estribillo y logra tomar más fuerza en el coro, una grandiosa melodía, emotiva, notable; "Unglued" otro de mis favoritos, más rápido que la línea general del disco, muchos riffs en el estribillo y acordes más suaves en el coro, melódicamente muy animoso, enérgico que al final toma mayor fuerza, buenísimo, otro de mis indiscutidos favoritos; "Army Ants" sigue con esa línea más potente con muy buenos riffs en el estribillo y la voz de Weiland llena de fuerza, un ritmo en general constante, melódicamente muy bueno y un genial solo de guitarra, maestro; y para terminar "Kitchenware & Candybars" cierra con broche de otro, un tema en general lento que de a poco va introduciendo nuevos sonidos como los de un teclado y violines, las guitarras toman mayor distorsión en los riffs, muy bueno también, un genial cierre.

Pues, al final la gran mayoría de los temas me gusta mucho y bueno, este disco es de esos que escucho sin que me aburra en lo absoluto, tiene temas de muy fácil llegada sobretodo por sus melodías muy frescas y un grandioso feeling, además que musicalmente me parece muy notable, sencillo, pero muy bien construido y de buen complemento donde nada destaca mucho por sobre lo otro, sino que la composición en general. Absolutamente recomendado.

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Loudness - Breaking The Taboo [2006]

2007-09-20T16:43:00.000-07:00

01.Breaking The Taboo
02.Brutal Torture
03.Sick World
04.Don't Spam Me
05.Damnation
06.The Love Of My Life
07.A Moment Of Revelation
08.Dynamite
09.Risk Taker
10.I Wish
11.Diving Into Darkness
12.Without You

Después de casi dos años sin sacar material inédito al mercado, Loudness, la mítica banda japonesa de Heavy Metal reaparece con un nuevo trabajo titulado "Breaking The Taboo", convirtiéndose en su vigésimo álbum de estudio en honor a su aniversario número 25 y que continúa con la línea planteada en sus cuatro álbums anteriores, pero con algunos cambios que lo diferencian en cierta medida de ellos.

Como mencioné antes, el disco sigue con el sonido pesado y distorsionado que ha caracterizado al grupo desde el 2000 en adelante, con una guitarra de riffs mucho más pesados y arrastrados, batería más marcada y bajo retumbante. Alejado de la experimentación de "Spiritual Canoe" y de los constantes jugueteos con el Metal más moderno en "Racing", Breaking The Taboo me parece un disco que, además de conservar lo anterior, retoma parte de las bases del Heavy Metal que caracterizó a Loudness en los 80 y lo mezcla con este nuevo sonido, quedando así una buena mezcla entre lo clásico y lo moderno como algo casi nostálgico. Destaca dentro de todo esto el gran trabajo en el complemento instrumental,a la poderosa guitarra virtuosa de Akira Takasaki y la voz de Minoru Niihara que se mantiene igual que en sus comienzos.

Repasando los temas destacables, vamos con el que da título al álbum, "Breaking The Taboo" que abre con unos redobles y un picking de la guitarra bastante rápidos y pesados, con un tiempo que varía tanto en el estribillo como en el coro que recita fuertemente "Breaking The Taboo", un tema bastante estridente con bastantes cambios dentro de su desarrollo, muy bueno; "Brutal Torture" continúa con la pesadez del primero aunque aumentando el tempo donde destaca los riffs del coro de gran potencia, la batería muy marcada y luego el solo rapidísimo con un gran uso de tappings, gran tema, inyecta energía, uno de mis favoritos del álbum; "Don't Spam Me" una canción que tiene esa mezcla entre el Heavy el sonido pesado, introduce unos riffs potentes hechos tanto con la guitarra como por la distorsión del bajo que se van repitiendo a lo largo de todo el estribillo, muy pegajosos y luego el coro que suda todo ese aire más clásico con un genial "Oh Oh" después de cada estrofa con un solo más adelante que varía en el ritmo general del tema, muy bueno, otro de los que más me gusta; "Damnation" a pesar del título, la melodía y ritmo son muy enérgicos, tiene un riffs que rememora a temas de Loudness de los 80 como Crazy Nights pero con mayor distorsión y con un coro muy pegajoso, un tema sencillo pero ganchero, para variar, otro de mis favoritos; "A Moment Of Revelation" un tema que abre de forma más lenta pero igualmente pesada que aumenta parcialmente su velocidad con un estribillo y coro muy melódico además del solo que a mi gusto posee dentro de todo mayor feeling; "Dynamite" otro tema que continúa con la distorsión y un riff muy pegajoso que también va repitiendose a lo largo del tema, en general sigue la línea de los otros anteriores pero aporta su grano de energía, muy bueno; "Diving Into Darkness" es un tema que me gusta puesto que se sale un poco de la línea del disco, su construcción está hecha a base de unos pulsos del bajo que van llevando todo el tema y sobre él se dan todos los cambios de la guitarra, grandioso el momento antes del solo donde agarran un gran complemento instrumental; finalmente "Without You" algo más lento con se pasea entre la calma de unos arpegios y la fuerza de unos riffs en el coro manteniendo la melodía más suave, en fin, muy bueno.

En general este ha sido un disco que me ha gustado mucho, un gran disco que posiblemente pueda gustarle tanto a los viejos como a los nuevos fans de Loudness ya que retoma lo mejor de ambas caras de la misma moneda, Me parece un grandioso trabajo, inyecta energía y potencia además de parecerme musicalmente muy bueno. Recomendado.

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Mad Season - Above [1995]

2007-08-26T19:03:00.001-07:00

01.Wake Up
02.X-Ray Mind
03.River Of Deceit
04.I'm Above
05.Artificial Red
06.Lifeless Dead
07.I Don't Know Anything
08.Long Gone Day
09.November Hotel
10.All Alone

Mad Season es una de esas bandas conocidas como "mega bandas" debido a que cuenta con la participación de reconocidos músicos de grupos considerablemente populares de la época Grunge, estos son: Mike McCready (Pearl Jam), Barret Martin (Screaming Trees), John Baker Saunders y Layne Staley (Alice In Chains), todos en guitarra, batería, bajo y voz respectivamente. También recibieron la colaboración de figuras reconocidas como Mark Lanegan que apoya en los coros y letras. Este proyecto paralelo, después de dar presentaciones en bares y cambios de nombre, tomó forma en 1995 con el lanzamiento del álbum "Above" que a pesar de ser el único registro de estudio existente, quedó inmortalizado como uno de los importantes referentes de la escena Rockera estadounidense en los noventa.

El álbum Above en cuanto a su sonido y estilo logra alejarse de lo que sus miembros hacían en sus bandas de origen, teniendo dentro de todo una notable veta Bluesera y a melodías en general muy calmas que introduce elementos como un saxofón, percusiones, acústicos o el suave sonido de un xilófono, como también arrastrados y saturados riffs con ciertos aires retro en su aspecto más Rockero. De esto es realmente destacable el trabajo de la composición en general, con un genial complemento y donde cada músico se luce dentro de su campo, siendo a mi gusto, McCready con una guitarra lenta pero que suda feeling y Staley con una intepretación sublime y matizada los que más destacan.

De esta manera pasamos a revisar el disco desde los temas que más me parecen destacables y comienzo con "X-Ray Mind" un tema que abre con unas percusiones y la guitarra con un eco que suena muy setentera para pasar luego a los pulsos del bajo y la voz, un tema muy relajado donde destaca mucho el coro, una excelente forma de comenzar; "River of Deceit" un tema que abre con unos punteos e introduce una suave voz que destaca en su uso en el estribillo, un tema aún más relajado, pero exquisito; "I'm Above" uno de mis favoritos, algo más veloz y con unos vocales realmente de lujo que aumenta su intensidad en su coro que además posee una guitarra muy retro, que luego de distiende para pasar a un solo acústico buenísimo, gran tema; "Artificial Red" el tema más bluesero que posee ese típico beat del bajo y con momentos vocales espectaculares donde Layne realmente se luce y la guitarra con exquisito sonido sobretodo en el solo, lento, preciso, lleno de feeling, probablemente sea el tema más lento de todo el disco, pero me encanta; "I Don't Know Anything" un tema más Rockero y pesado, pero no por eso más rápido, mantiene la lentitud con notables riffs, un gran coro y una buenísima melodía, haciendo un alcance, este tema puede recordar más a Alice In Chains, aunque lo dejo a su criterio, buenísimo; "Long Gone Day" el tema más inusual del disco donde se integra mayormente Lanegan en la vocalización, aquí aparece la melodía de un saxofón, el acompañamiento del xilófono y guitarra acústica de ricos armónicos que crean un sonido muy agradable, tranquilizador, exquisito; "November Hotel" un instrumental que abre lentamente y con sonidos de la guitarra que de a poco toma forma, de tempo un poco más rápido destaca mucho el complemento entre el bajo, la batería y la guitarra, un trabajo buenísimo donde ésta última destaca con un notable sólo de guitarra con un efecto que crea un poderoso eco, realmente genial atender a su desarrollo, excelente tema.

Para concluir, Above es a mi gusto un disco excelente, me llama la atención el hecho que me gustara tanto cuando soy mucho más del Rock acelerado, no obstante, el trabajo musical es tan notable, los arreglos y melodías tan cuidadas además del feeling y lo creativas que me parecen las composiciones que creo, este disco puede gustar a muchos. Espectacular, lo recomiendo absolutamente.

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Mastodon - Blood Mountain [2006]

2007-08-02T18:54:00.001-07:00

01.The Wolf Is Loose
02.Crystal Skull
03.Sleeping Giant
04.Capillarian Crest
05.Circle Of Cysquatch
06.Bladecatcher
07.Colony Of Birchmen
08.Hunters Of The Sky
09.Hand Of Stone

10.This Mortal Soil
11.Siberian Divide
12.Pendulous Skin

El tercer trabajo de Mastodon titulado "Blood Mountain" es para muchos la confirmación de que la banda ha venido a ganarse un sitial privilegiado dentro del cúmulo de las nuevas bandas de Metal norteamericanas. Tras haber dejado la vara muy alta con su anterior trabajo "Leviathan", las expectativas en torno al disco que sucediera a este eran muy elevadas y en general, la crítica ha visto superados los pronósticos y muchos lo apuntan como uno de los grandes álbums aparecidos el año pasado.

Musicalmente la banda presenta los mismos elementos ya demostrados en sus anteriores trabajos: rápidos y furiosos riffs, una batería incansable que saca el jugo a los redobles y los contrapuntos que rara vez mantiene un mismo compás durante muchos segundos, temas con largos pasajes instrumentales donde destaca mucho el uso constante de tecnicismos por lo que se puede apreciar un trabajo bastante complejo en su construcción. También, en términos de estilos, este disco se acerca mucho más a las sonoridades del Hardcore, a la vez que se aleja un poco de las texturas más próximas al Death Metal que caracterizaron su primer trabajo "Remission".

Cabe destacar las participaciones de reconocidos músicos en algunos temas de este disco, partiendo por Scott Kelly de Neurosis, mentores de Mastodon; Joshua Homme, ex-Kyuss y actual líder de Queens of the Stone Age, como también Isaiah Owens y Cedric Bixler-Zavala de The Mars Volta.

Revisando los temas destacables del disco "The Wolf Is Loose" es un grandioso tema para partir, intenso, pesado y a veces melódico, de marcada batería, y de un armónico solo de guitarra, más relajado que baja el acelerado tempo con el que está construido el tema en general; "Crystal Skull" un tema más pesado aún con unos poderosos riffs aunque con pequeños intantes más calmos, el clímax llega juesto después que los gritos y los riffs desemboquen en un espectacular solo de guitarra; "Capillarian Crest" que abre con unas cuantas notas y redobles de batería, para luego pasar a un estribillo fuerte, más rápido y pesado que continúa en un instrumental de un espectacular trabajo en los punteos de guitarra y la batería para después terminar en unos riffs y gritos mucho más pesados cambiando el tema completamente, realmente genial, es uno de mis favoritos del disco; "Circle Of Cysquatch" aún más pesado, pareciera seguir del final del tema anterior, genial es el momento donde una voz con un extraño efecto se toma el tema creando un mayor caos, genial; "Bladecatcher" es un instrumental que abre con unos arpegios suaves y que luego pareciera desordenarse para después volver a la armonía, bastante extraño, me parece un tema bastante curioso; "This Mortal Soil" una canción bastante variada, abre con una melodía lenta que rápidamente cambia de ritmo y toma otra melodía, pareciera que son dos canciones en una haciéndose más intensa durante su desarrollo, buenísima.

En fin, este disco me parece muy bueno, cuando lo escuché me sorprendí bastante, posee un sonido que se ha convertido en una especie de marca registrada de Mastodon y un puñado de geniales temas, pesados, intensos y técnicamente impecables. Fue con este disco con el que terminé por acostumbrarme a la sonoridad de la banda, creo que es una buena opción para quienes recién la estén conociendo y aún les parezca extraña. Muy recomendable.

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Puedes escuchar el tema "Capillarian Crest" en >>Free Music Corner<<

Dream Theater - Images And Words [1992]

2007-07-08T19:37:00.000-07:00

01.Pull Me Under
02.Another Day
03.Take The Time

04.Surrounded
05.Metropolis Part 1 - "The Miracle And The Sleeper"
06.Under A Glass Moon
07.Wait For Sleep
08.Learning To Live

Después del debut con "When The Dream And Day Unite", Dream Theater se hizo un espacio entre las las bandas emergentes del Metal, sin embargo, es en 1992 cuando aparece "Images And Words", un álbum que no sólo demostraría la gran capacidad instrumental de estos músicos, sino que sería considerado casi como una "piedra angular" del Metal Progresivo de los 90, convirtiéndose rápidamente en uno de los favoritos de los fans y uno de los discos más recordados de la banda, además de ser el debut en de James LaBrie en la voz luego de la salida de Charles Dominici en 1990.

"Images And Words" es un álbum que ofrece un conjunto de melodiosas canciones en general de una espectacular ejecución técnica y enorme versatilidad en la construcción de éstas, pasajes instrumentales de alto calibre, estructuras a ratos complejas que se pasean entre los fuertes sonidos del Metal y la suavidad de una balada.

Musicalmente el disco nos muestra una gala de virtuosismo, destacando mucho la cambiante guitarra de John Petrucci, a veces de rápidos riffs y en otras de emotivos solos; la batería que además de tener un espectacular trabajo, suena potente en sus redobles y en el uso del doble bombo; el teclado que tiende a ser atmosférico o a agarrar enorme protagonismo, jugando constantemente con los solos de guitarra; el bajo de sonido discreto, está siempre presente poseyendo una ejecución realmente asombrosa; y la voz potente de constantes altos, aunque el punto de discordia entre los seguidores de la banda, a mi personalmente me agrada, creo que le inyecta gran energía y emotividad a los temas.

Siguiendo ahora con los temas notables, la famosa "Pull Me Under", tema que abre el disco, es un tema que parte con las notas de la guitarra a la que se le van sumando la batería y el suave sonido del teclado, para luego continuar con fuertes y arrastrados riffs de la guitarra, marcada batería y el uso constante del teclado, un coro más que memorable donde a mi parecer LaBrie se luce con una grandiosa intepretación, a mi parecer un tema espectacular; "Another Day" una calmada balada, de conmovedora melodía donde se introduce el sonido de un saxofón y un solo de mucho feeling, a mi parecer el tema rompe con la línea musical del disco en general, una buenísima balada realmente; "Take The Time" mucho más rápido que los anteriores, donde hay mayor uso del doble bombo, enorme presencia del teclado que se deja notar ya desde el comienzo del tema, el coro que recita "It's time to take the time" de los más notables del disco, y luego en el solo nos lleva a un constante juego entre el teclado y la guitarra; "Metropolis Part 1 - "The Miracle And The Sleeper"" un tema que cuando abre, me da la impresión que nos adentra en una especie de historia, es a mi gusto de notable composición, musicalmente muy pulido y variado que nos lleva a uno de los momentos instrumentales más geniales del disco, variado, versátil, sencillamente espectacular; "Under A Glass Moon" un tema rápido y potente, un poco en la línea de Take The Time, aunque mucho más pesado, donde destaca el constante uso del doble bombo y el genial coro, otro de los más emocionantes, y el momento instrumental nos desemboca a mi parecer en uno de los mejores solos de guitarra del disco, donde Petrucci hace y deshace a su gusto, grandioso, realmente notable.

En el fondo "Images And Words" deja notar por sí sólo por qué es considerado uno de los álbums más importantes de la banda, ya que junto a todo ese poder musical, se encuentran grandiosas melodías que fácilmente pueden encantar a cualquiera. Este fue mi primer acercamiento a la banda, puede que suene cliché, pero así fue hace algunos años y quedé realmente asombrado, se lo recomiendo mucho a quienes recién estén conociendo a la banda.

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BORIS - Heavy Rocks [2002]

2007-06-17T18:14:00.000-07:00

01.Heavy Friends
02.Korosu
03.Dyna-Soar
04.Wareruride
05.Soft Edge
06.Rattlesnake
07.Death Valley
08.Koei
09.Kane (The Bell Tower of a Sign)
10.1970

El presente trabajo de Boris marca cierto cambio en el estilo de la banda desde sus comienzos. Inicialmente la banda tiraba hacia un lado mucho más Doom Metal, destacando sonidos pesados y pasajes instrumentales mucho más lentos, pero en Heavy Rocks demuestran otra facetas llegando a un sonido mucho más Stoner Rock y ciertos toques Punk, rozando el Noise con las distorsiones y pesadez características de la banda, además de pasar a un formato canción de estructuras mucho más sencillas, lo que hace que sea uno de sus álbumes más digeribles y de más fácil llegada al público. Aún así, sus lanzamientos posteriores no se limitarían a lo alcanzado por este, así que se puede decir que es uno de sus trabajos más "normales".

Musicalmente nos topamos temas con una guitarra bastante saturada, a veces sucia, pero de definidos y potentes riffs con limpios punteos cuyas afinaciones bajas se ven potenciadas con el bajo, lo que hace que suene mucho más estruendoso aún; la batería tampoco se queda atrás, ya que el trabajo de platillos que tiene crea un muro de sonidos que no dan respiro al escucha. También destaca el hecho que muchos cortes sean más rápidos de lo acostumbrados por la banda, haciéndolo notablemente más entretenido y ágil.

Entonces, revisando los temas destacables, partiré con el primero "Heavy Friends" y no es que sea uno de mis favoritos, sino que es el típico tema de Boris hasta ese entonces, cualquiera que escuchara el primer track diría que siguen en la misma línea de antaño; riffs lentos, densos, un bajo retumbante, con un cierto aire retro sobretodo en los solos, batería muy pausada, etc, no deja por ello de ser un buen tema; luego viene una tríada de temas que parecen ir de la mano puesto que son bastante similares entre sí y forman parte de mis favoritos del disco, "Korosu" que abre con un sonido pesado, luego unos riffs y un aumento notable en el ritmo de la batería para pasar a un estribillo y coros melódicamente muy enganchadores; le sigue "Dyna-Soar" donde ya tenemos más efectos por parte de la guitarra, sonidos mucho más pesados y un notable solo de guitarra apoyada de sonoridades casi espaciales, buenísimo; "Wareruride" más parecido a Korosu, con mucha más saturación y potencia, rapidez, mucha más locura en el coro y mucho más destructivo aún, entretenido, ideal para cabecear al ritmo; "Rattlesnake" un instrumental enérgico, con una genial construcción de la guitarra que alcanza su clímax en el solo y que luego va bajando su intensidad, maestro; "Kane (The Bell Tower of a Sign)" es uno de los temas que baja las revoluciones, similar a Heavy Friends y con un trabajo en los efectos genial, el solo de guitarra con eco queda de lujo y la base de bajo sólida que la acompaña, es largo, pero de muy buenas progresiones que lo hacen más dinámico; "1970" con otro aire retro en la guitarra y la batería destacando el genial solo de guitarra, probablemente no tan fuerte, aunque manteniendo el mismo nivel de saturación de otros que va aumentando a medida que va terminando.

A modo personal, este es uno de los discos que más me gustan de la banda, lo escucho de principio a fin, todos los cortes me gustan mucho, además de ser el trabajo con el que los conocí, creo que es una ideal opción para partir, si te gusta este demás que te pueden agradar sus otros discos más experimentales aún. Muy, muy recomendable.

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Velvet Revolver - Contraband [2004]

2007-05-23T18:20:00.000-07:00

01.Sucker Train Blues

02.Do It For The Kids
03.Big Machine
04.Illegal I Song
05.Spectacle
06.Fall To Pieces
07.Headspace
08.Superhuman
09.Set Me Free
10.You Got No Right

11.Slither
12.Dirty Little Thing

13.Loving The Alien
14.Bodies (Live)

Velvet Revolver es una banda bastante nueva, pero sus integrantes son unos viejos experimentados ya dentro de la escena Rockera, por un lado tenemos a ex miembros de la famosa banda Guns N' Roses: el guitarrista Slash, el bajista Duff McKagan y el baterista Matt Sorum, junto a un guitarrista conocido de ellos, Dave Krushner y el ex-vocalista de la banda Stone Temple Pilots, Scott Weiland, toda una mega banda. Siendo de tales características era esperable un debut que estuviese a la altura y lanzaron en el 2004 el álbum Contraband, realizando, a mi gusto, un grandioso trabajo lleno de puro Hard Rock y Rock n' Roll.

La placa es una muestra de un Rock con melodías animosas, entretenidas, llena de aires de fiesta y celebración y musicalmente construida a base de potentes riffs y grandiosos solos de guitarra con la maestría y feeling de Slash más una sólida base de guitarra rítmica, una voz que, aunque suave, muy adecuada y acoplada con el estilo; en general un muy buen complemento musicalmente hablando. El sonido de Contraband no se aleja mucho de lo hecho por sus miembros en Guns N' Roses, muchos de los temas recuerdan a esta mítica banda, sin embargo, suenan frescos y renovados, con buenas ideas a la hora de componer.

Yendo ahora a revisar los temas destacables, podemos partir con el tema "Sucker Train Blues" primer corte que abre con unos sonidos de sirena policial para pasar a unos rápidos riffs y luego la batería con unos rápidos versos del vocal, pura potencia para comenzar y un genial solo que suda feeling, con este tema es fácil engancharse a lo que viene después; "Do It For The Kids" algo más lenta, pero más pesada y con la misma potencia, el coro es más distendido y el solo lento pero exquisito; "Spectacle" tema no muy rápido pero con gran potencia en los riffs y un coro muy pegajoso además del solo muy melódico; "Fall To Pieces" tema que rompe un poco la línea del disco, mucho más lento con aspecto de balada, no puedo dejar de encontrarle un aire muy Gunner a esa canción, la melodía de la guitarra lo dice todo, gran feeling, un coro muy memorable, gran corte, de los que más me gusta; "Headspace" definitivamente una de mis favoritas, mucha fuerza, potencia en los riffs durante todo el tema, sobretodo en el estribillo, buen solo de guitarra, en fin, buenísimo; "You Got No Right" un tema de menor velocidad pero inusitadamente potente, con un coro más suave, una melodía muy atrapante y el solo de guitarra genial, bien Hard Rockero; "Dirty Little Thing" tema con el que me interesé en escuchar el álbum, poderosos riffs, melodía muy pegajosa, una potente guitarra rítmica y el solo de guitarra de los que más me ha gustado de todo el disco.

Debo decir que todos los temas de este álbum me encantan, creo que estamos ante un trabajo que a los amantes de los Guns y a quienes les guste un Rock enérgico, positivo muy bien interpretado, probablemente gustará mucho. Algunos de estos temas los he sacado en guitarra, son muy entretenidos de tocar. En fin, un disco que recomiendo mucho.

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Siam Shade - Siam Shade III [1996]

2007-04-24T11:52:00.000-07:00

01.Why Not?

02.Lovesick ~You Don't Know~
03.Destination Truth
04.Cum With Me
05.Sin
06.Pride
07.Let It Go
08.Dazed and Alone
09.Don't Tell Lies

El tercer trabajo de Siam Shade como banda, pero el segundo como banda major, apareció cuando el grupo ya se hacía un hueco dentro de la escena popular japonesa, hicieron ruido con sus anteriores discos y la banda no se podía quedar estancada, por lo que se despacharon un trabajo altamente notable y que marca diferencias respecto de su material editado previamente aunque con la misma fórmula que caracterizó su ascendencia a la fama.

Siam Shade III es un disco que concentra melodías con aires de fiesta, positivos y rápidos que incluso marcarán ciertos lineamientos musicales que la banda continuaría en trabajos posteriores. Dejando un poco la emotividad y la calma de su segundo disco Siam Shade II, este trabajo suena mucho más potente y explora en estilos como el Rock n' Roll, que si bien la banda los había demostrado antes, ahora lo hace con mucha más energía y fuerza. De todos modos dentro de esta placa existe espacio para todo tipo de temas, hay unos algo más suaves, otros más veloces, otros con un sonido marcadamente más fuerte, etc.

Musicalmente el disco presenta un muy buen complemento entre todos los instrumentos, unas guitarras con muy buena construcción y notable presencia en todos los temas, geniales solos, diversos cambios de ritmos por parte de la batería, una sólida base de bajo que se deja notar en muchos temas y una voz limpia y apacible.

Temas destacables, uf...bastantes, podría decir que todos me gustan mucho, pero hay unos en particular que me gusta escuchar siempre que escucho (valga la redundancia) este disco. Partiendo con "Why Not?", tema con toques más Funk que se perciben bastante en el sonido del bajo, melodía muy pegajosa, entretenida, genial solo y muy notable es el cambio que tiene el tema al final, cuando el ritmo y la melodía cambian completamente luego de un punteo de la guitarra mientras se escucha gritar a Hideki "So What You Got!!!!"; "Destination Truth" uno poco más lenta pero con igual fuerza, que abre con unos riffs a los que se suma la potente y consistente base de batería, luego en el coro unos relajados arpegios para luego retomar los riffs con la misma fuerza del comienzo y como siempre, otro gran solo de guitarra con mucho feeling; "Cum With Me" otro tema que me gusta demasiado, más tranquilo que los anteriores pero curiosamente con la misma potencia, abre con unos arpegios y una base de la guitarra rítmica notable, luego al tema se le van agregando elementos como unos punteos y más sonidos por parte de la batería, y un coro muy suave, un tema muy rico; "Pride" es donde nos acercamos más al Rock n' Roll con fuertes riffs y tempo algo más acelerado que en los otros temas, el coro donde gritan "Don't Look Back!!" y el espectacular solo, constituyen las parte más altas de todo el tema, excelente, sin duda uno de mis favoritos; "Let It Go" es el tema alegre del disco, musicalmente sigue líneas similares de los otro temas, aunque destaco mucho los constantes cambios de ritmo que tiene, sobretodo en el solo, el trabajo en la batería es genial a lo largo de toda la canción; "Don't Tell Lies" otro tema Rock n' Rollero, pero este ya no es sólo rápido, sino que suena con fuerza, transmite energía y resulta el más fuerte en cuanto sonido de todo el disco, sigue un poco la línea de Pride, la voz grita mucho más y en el coro repiten constantemente "Don't Tell Lies", el solo es espectacular, muy buena técnica, mucho feeling, para luego finalizar con mucha más potencia de la que comienza. La mejor forma para cerrar este álbum.

En resúmen, un álbum variado, entretenido, con melodías pegajosas, musicalmente exquisito, muy buenas composiciones, etc, a mi gusto una grandiosa muestra de Rock positivo y enérgico. Si he utilizado mucho el término "energía" es porque creo que es lo que más habla del disco si tuviese que definirlo en una sola palabra. Recomendado totalmente.

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Audioslave - Audioslave [2002]

2007-04-09T18:01:00.000-07:00

01.Cochise
02.Show Me How To Live
03.Gasoline
04.What You Are
05.Like a Stone
06.Set it Off
07.Shadow of the Sun
08.I Am The Highway
09.Exploder
10.Hypnotize
11.Bring' em Back Alive
12.Light My Way
13.Getaway Car
14.The Last Remaining Light

"Audioslave" es el álbum debut homónimo de la banda Audioslave que nos presenta la unión de los ex-músicos de Rage Against The Machine: Tom Morello, Tim Commerford y Brad Wilk, junto al ex-vocalista de Soundgarden: Chris Cornell, una formación que sorprendió a más de alguno. En este disco, se pueden notar las dintintas influencias que traían los músicos de sus respectivas bandas, aunque en general el sonido sigue una línea muy similar a la de RATM debido a que fueron Morello y co. los encargados del proceso de composición en general.

Musicalmente el disco presenta muchos de los elementos escuchados en RATM, destacando principalmente la sencilla pero creativa guitarra de Morello quien adorna con diversos efectos las composiciones, también se deja notar un lado bastante melódico en los temas que en general nos ofrece entretenidas y animosas canciones llenas de energía y fuerza con alguna que otra balada. Otro detalle interesante es el nivel de los arreglos utilizados ya que, a mi parecer, fue un trabajo finísimo que hace que los sonidos sean mucho más nítidos, pudiéndose apreciar cosas como las distorsiones del bajo.

Y ahora, pasando a revisar los temas destacables, partimos con el primero, "Cochise" un tema que abre con los ya clásicos efectos de Morello para luego pasar a una melodía con la guitarra que será base prácticamente para todo el tema y un pegajoso coro mostrándonos la fuerza de la voz de Cornell, un tema muy entretenido; "Show Me How To Live", uno de los temazos, el tema comienza de una forma bastante tranquila y melódica, pero acercándose al coro nos golpean con un poderoso riff y a Cornell demostrando lo más alto de sus capacidades ya que pasa de un canto relajado y grave a tonos mucho más agudos; "Gasoline" definitivamente uno de mis favoritos, este tema me impregna fuerza y energía, me dan ganas de saltar cada vez que lo escucho, el tema abre con unos fuertes riffs que luego pasan a unos distendidos efectos y otra vez, llegando al coro nos vuelven a patear con otro fuertísimo riff y los gritos de Cornell que dice "Burning that gasoline...!!!" para pasar luego a un genial solo de guitarra, a mi gusto, uno de los mejores de todo el disco; "Like A Stone" un tema mucho más lento que el resto y bastante melódico, es mucho más emotivo al igual que el solo de guitarra; "Set it Off" otro tema muy en la línea de Cochise, con un estribillo y coro muy pegajosos que va agarrando fuerza a medida que avanza; "Exploder" otro de los temas que me gusta, principalmente por su bajo que tiene un ligero toque Funk y que es la base de toda la composición, agarra fuerza en el coro donde Cornell aplica a sus tonos más altos; "Light My Way" con este tema en algún momento sentí que Soundgarden regresaba por unos cinco minutos, es un tema que comienza muy lento y toma potencia en el coro con una melodía muy similar a las utilizadas por los autores de Badmotorfinger, otro de los que más me gusta.

En general, creo que estamos ante un disco muy entretenido, musicalmente muy bien trabajado, aunque tienden a repetir estructuras, melódicamente tiene mucha energía y potencia, etc, un disco que disfruté mucho la primera vez que lo escuché y es de mis favoritos. Muy recomendable.

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Arch Enemy - Doomsday Machine [2005]

2007-03-30T16:19:00.000-07:00

01.Enter The Machine
02.Taking Back My Soul
03.Nemesis
04.My Apocalypse
05.Carry The Cross
06.I Am Legend - Out For Blood
07.Skeleton Dance
08.Hybrids Of Steel
09.Mechanic God Creation
10.Machtkampf
11.Slaves Of Yesterday

El más reciente de los trabajos de esta banda sueca de Death Metal a mi parecer consolida definitivamente el nuevo sonido que han ido adquiriendo desde la entrada de Angela Gossow a la agrupación siendo bastante bien recibido por la crítica y sus fans en general.

En esta oportunidad nos ofrecen un disco con la misma potencia y fuerza que los anteriores, pero mostrando un lado melódico mucho más marcado y que genera que sus temas presenten múltiples contrastes, pasando desde la rapidez de las guitarras a momentos de completa calma, hay un juego con el tempo constante a lo largo de los once cortes, sumado a ello una espectacular interpretación por parte de los músicos, tan buena como en sus anteriores entregas.

Nos encontramos como siempre poderosos y fuertes riffs, solos velozmente ejecutados, mucha doble pedalera y cambios de ritmo notables además de la desgarradora voz que manteniendo el mismo registro, logra matizar de algún modo cada tema agudizando o agravando su sonido. En general, musicalmente no ofrecen nada especialmente nuevo respecto de sus otros álbums, pero los temas siguen teniendo esa composición tan bien trabajada por lo que logran hacer muy buenos temas con notable frescura, transmitiendo sentimientos como fuerza y furia a los que ya nos tienen acostumbrados.

Temas destacables, pues "Taking Back My Soul", el segundo corte es una grandiosa manera de partir el álbum, que abre con unos riffs y redobles de la batería para luego dejar momentos de silencio donde sólo se escucha ésta última y la pujante voz, notable es el momento del solo donde aceleran el tempo y utilizan unas líneas muy melódicas bastante pegajosas; "Nemesis", uno de mis favoritos, abre con una rapidísima guitarra y una veloz batería donde destaca la doble pedalera y entramos con unos fuertes riffs y la voz para desembocar en un solo muy melódico, que desacelera el tempo completamente, me gusta mucho la parte antes del solo donde se escuchan unos riffs y unas escalas ascendentes de lujo, genial; "My Apocalypse" otro tema que me gusta bastante, algo más relajado que los anteriores, pero mucho más pesado, me gusta mucho un efecto que utilizan junto a los riffs en el comienzo y la parte del solo, donde todo se torna en una calma total para luego retornar a la parte inicial; "I Am a Legend/Out for Blood" otro de mis temas favoritos, que tiene una larga introducción para luego acelerarse al momento en que entra la voz, el tema completo está hecho en un midtempo que prácticamente no desacelera nunca, genial coro, incluso antes del solo podemos escuchar unos blast beats de la batería que recuerda al Death Metal más clásico para luego terminar con mucha potencia mientras Angela grita "Out for Blood!!!", sinceramente notable, a mi gusto el mejor tema de todo el álbum; "Hybrids of Steel" un tema instrumental que me llamó mucho la atención puesto que se aleja bastante de la línea de la banda, es bastante melódico y no posee fuertes distorsiones, sino que se concentra principalmente en los solos de guitarra donde podemos apreciar más aún el virtuosismo de los guitarristas, muy buen tema musicalmente hablando; "Matchkampf" otro tema que me gusta también por sus notables cambios, abre con un solo de batería y se le van sumando las guitarras hasta que dan forma al tema con unos riffs bastate potentes y un genial trabajo de sonido de la batería, en general sigue la línea de los temas de todo el disco.

En resúmen, estamos frente a un trabajo que no contiene mucha novedad, pero que, gracias a las creativas mentes de quienes lo hicieron, realizando muy buenas composiciones y melodías, logra con creces salir del autoplagio o la monotonía por lo que se puede disfrutar plenamente. Se los recomiendo sobretodo a los fans del estilo.

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Wolfmother - Wolfmother [2006]

2007-03-18T18:13:00.000-07:00

01.Dimension
02.White Unicorn
03.Woman
04.Where Eagles Have Been
05.Apple Tree
06.Joker & The Thief
07.Colossal
08.Mind's Eye
09.Pyramid
10.Witchcraft
11.Tales From The Forest Of Gnomes
12.Love Train
13.Vagabond

Wolfmother es una banda bastante novedosa, comenzó su actividad en el 2004 y ya a dos años después nos entregan su disco debut titulado simplemente "Wolfmother" y vaya qué disco, me hace pensar que el sonido de la música setentera sigue más vivo que nunca y no sólo por sus ya clásicos representantes, sino que por un trio de jovenes que hacen a mi parecer un grandioso rescate de aquellas composiciones que hicieron ruido hace ya más de 30 años.

En este disco nos podemos encontrar con notables referencias a bandas como Led Zeppelin, Black Sabbath y algo de Deep Purple en su forma de componer y las estructuras que utilizan, aunque en cuanto a sonido, podemos notar que la guitarra suena bastante distorsionada y la voz aguda y enérgica adecuada al estilo. Su música está adornada de potentes y distorsionados riffs, teclados que rozan la psicodelia y una sólida base de bajo y batería, creando temas que musicalmente alcanzan una notable potencia y calidad. Estamos ante un Hard Rock bastante purista, aunque en ciertos momentos logra una instrumentalización similar a la del Rock Progresivo setentero pero con una sonoridad cercana al Stoner Rock, elementos que creo, describen bien su música.

Revisando los temas más destacables a mi gusto, "White Unicorn", segundo corte del álbum resume de muy buena manera a la banda abiendo con unos acordes y pasando a unos potentes riffs durante el coro y durante su desarrollo la inclusion de teclados que tienen un cierto toque psicodélico y espacial que culmina con unos geniales redobles; "Woman" un verdadero temazo, acá nos topamos con una melodía muy pegajosa y un notable trabajo en la guitarra, probablemente uno de los que más influencia "Led Zeppeliana" tenga por su estructura y sus teclados; "Where The Eagles Have Been" tema que abre con un arpegio y con una melodía mucho más relajada que los temas anteriores aunque agarra mayor fuerza en el coro y desemboca en un genial solo de guitarra, uno de los mejores momentos de todo el tema; "Joker & The Thief" un tema muy bien compuesto, donde destaca el complemento musical, me gusta mucho cómo el teclado siempre sigue todos los compases rítmicos de la batería y la guitarra, notable melodía, en fin, muy bueno; "Pyramid", genial, posee una base de bajo que va sustentando al tema durante todo su desarrollo, un poderoso riff que sigue esa misma base y que a ratos se desvía de esas líneas y muy buena melodía, "Witchcraft" otro tema que destaco bastante, tanto por la guitarra como por el ritmo que toma la batería que se me hace mucho más complejo que en temas anteriores, lo mejor es la parte del solo donde se escucha un flauta que le da todo ese toque retro al tema; "Love Train" otro tema muy bueno, abre con unas percusiones y luego se introduce una guitarra con un sonido bastante saturado y un coro bastante pegajoso.

El disco completo me parece muy bueno, a mi sinceramente me sorprendió porque encontré en él mucha potencia, y a ellos muchas condiciones como músicos a la hora de tocar y componer, si bien la banda no ofrece nada especialmente nuevo o diferente, a mi parecer, redescubre de muy buena manera un estilo que seguía demasiado ligado a quienes lo cultivaron en su momento. Si gustas de las bandas como Led Zeppelin o Black Sabbath, esta banda logrará entrar a tus oidos fácilmente. Muy recomendable.

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Alice In Chains - Dirt [1992]

2007-03-09T18:52:00.000-08:00

01.Them Bones
02.Dam That River
03.Rain When I Die
04.Sickman
05.Rooster
06.Junkhead
07.Dirt
08.God Smack
09.Intro [Dream Sequence]
10.Hate To Feel
11.Angry Chair
12.Down In A Hole
13.Would?

Alice In Chains es una banda que de a poco se fue abriendo paso dentro de la escena rockera estadounidense durante la época del "grunge" a principios de los 90. Si sus primeros trabajos,"We Die Young" y el álbum "Facelift" lograron hacer ruido, el álbum Dirt los lanzó al estrellato alcanzando mayor popularidad y ganando reconocimiento por parte de los medios que los ubicaron dentro de las 4 bandas más importantes del "grunge" además de posicionar a este álbum como uno de los fundamentales de aquellos años.

Dirt presenta dentro de todo cosas bien diversas a mi gusto, creo que es un álbum muy bien estructurado, muy bien pensado musical y melódicamente, en las que estas últimas poseen ciertos aires depresivos pero en la que se desembocan diversos estados, por un lado la rabia, la desesperación, angustia y cosas tan dispares como la calma, donde destaca el uso de una guitarra en general lenta pero bastante potente y una voz capaz de transmitir esos sentimientos de una forma magistral. Es por eso que en este álbum nos podemos encontrar con temas muchos más pesados, otros lentos, unos que van progresando de desde la calma a un notorio estado de inquietud, en resúmen posee diversos matices que logran llevar al escucha a sentir diferentes emociones todo ello adornado por las letras que hablan de enfermedad y muerte.

Musicalmente el disco presenta un trabajo notable, la guitarra construida muy adecuadamente con el contexto de los temas, trabajando muy buenos riffs y geniales solos como también ciertos toques acústicos a lo largo de todo el disco. También otro aspecto que resulta notable es el trabajo vocal que cobra especial relevancia ya que muchas canciones tienen sus momentos vocales donde destaca la plasticidad con la que Layne las interpreta, así como la armonía a dos voces en los coros que resulta sublime.

Dicho esto y pasando a revisar temas destacables, nos encontramos de partida con "Them Bones", wow! temazo que te patea el trasero con un grito de Layne y los pesados riffs de la guitarra que llega a un coro mucho más liviano y un notable solo; "Rain When I Die" que abre con el bajo, la batería, luego la guitarra y va tomando forma de hasta que se escucha la voz, genial melodía, voces y el coro que cobra fuerza sobre todo cuando grita "I Think It's Gonna Rain When I Dieee..", magnífico; "Rooster", tema de comienzo relajado y con exquisito trabajo vocal, relajante y que de a poco cobra fuerza pero manteniendo su línea, espectacular trabajo musical y mucho feeling, impresionante; "Junkhead", oh que tema más genial, es uno de los que más escucho del disco, parte pesado, luego se torna suave, sigue el coro con una melodía muy pegajosa y desemboca en un solo increíble, a parte de la música, es un tema que me transmite enormemente por los distintos estados por los que pasa; "Hate To Feel", otro tema pesado, con un coro melódicamente y vocalmente pegadizos, cambios de ritmo y un solo con toques blueseros geniales, espectacular; "Down in a Hole" con toques más acústicos, es un tema que tiene aires a balada por su lentitud y que agarra fuerza en el coro, musicalmente exquisito, genial bajo, voz, en fin, temazo; "Would?", último tema y qué mejor forma para terminar, increíble, sublime, algo lento pero con mucha potencia que abre con un bajo al que luego se suma la guitarra y batería, poderoso coro y solo que termina con la misma fuerza con la que se fue desarrollando.

Wow, me imagino que todo el que haya leido este review habrá visto que el disco realmente me encantó y es que lo encuentro buenísimo, todos los temas me encantan, es otro de esos que escucho completos de principio a fin. Lo escuché impulsado por la curiosidad ya que había visto el video del tema "Would?" que ya me había gustado bastante y me topé con este genial trabajo de excelentes temas. Si quieren ver qué tal, simplemente bájenlo, ojalá se hagan la misma opinión que yo al respecto, por lo demás, lo recomiendo al máximo.

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Daita - Euphony [2003]

2007-02-27T08:29:00.000-08:00

01.Breath of the Sea
02.Earth Beat
03.Suna no Shiro
04.Zenith
05.Eon
06.Triumphal Return
07.Ammersee

Euphony es el segundo trabajo solitario de Daita (ex Siam Shade) el cual ha marcado lo poco predecible y lo muy versátil que resulta este gran músico a la hora de componer sus temas ya que se desvía por completo del estilo de su antigua banda y de su otro disco DIRECT CHORD, aportando con nuevos elementos a su música.

El disco consta de sólo 7 temas, todos instrumentales, que a diferencia de su anterior trabajo que poseía aires mucho más electrónicos, las bases que utiliza en sus temas son netamente orquestadas en los que podemos escuchar instrumentos de viento, violines, percusiones, sumado a ello los sintetizadores, la batería, el bajo y la espectacular guitarra de Daita, creando un complemento exquisito que ofrece una variedad de formas y matices musicales realmente notables llevados en general por melodías lentas de corte progresivo, pero con diversos estados que nos transportan por distintos pasajes a lo largo de los 38 minutos que dura el disco.

El tema Breath of the Sea que abre el disco, deja muy marcada la línea que toma el álbum, con una guitarra muy melódica y uso de xilófonos, violines, flautas, una guitarra que va volviéndose más compleja a medida que progresa el tema y mucha emotividad por sobretodo; le sigue otro tema ejemplar es Earth Beat, con más percusión de base, una guitarra algo más lenta y sostenida y algo más tétrico en la atmósfera que crea; Suna no Shiro con un toque japonés que resulta bastante novedoso en relación al resto de los temas destacando el uso de un shamisen que ayuda sobretodo en el concepto; Zenith un tema de excelente composición y más rápido que los anteriores, donde destaca una base de bajo sólida por donde se mueve la guitarra, unos tappings muy armónicos que no ensucian para nada el sonido y la introducción de instrumentos como violines y teclados dados por un quiebre en el ritmo; Eon retoma la línea de los primeros temas donde se logra escuchar una base de teclado notable acompañado de las notas altas de la guitarra; Triumphal Return cercano a Zenith por su ritmo y finaliza con Ammersee un tema mucho más lento de mucha emotividad que cierra de forma espectacular el álbum.

Claramente, Daita hace de su arte con su instrumento de forma sublime teniendo gran protagonismo, realiza sus múltiples técnicas como tappings, barridos, punteos, etc con grandiosa armonía y precisión, pero que no ensucia el sonido sutil de los violines y trompetas ni le quita importancia a la toda base musical con la que se complementan los acordes de la guitarra. Es notable como la guitarra no se vuelve un instrumento cargante, dando muchas más posibilidades compositivas y creativas, es de agradecer la interacción que se presta entre los instrumentos resultando un equilibrio rico en todos los ámbitos.

Éste álbum a mi parecer está excelentemente construido, con poderosas composiciones, muy emotivo y relajantes, por lo que puedo decir que Euphony es como un pequeño paseo por una fantasía musical que toma diversos ribetes. Completamente recomendable.

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Nirvana - Nevermind [1991]

2007-02-06T16:41:00.000-08:00

01.Smells Like Teen Spirit
02.In Bloom
03.Come As You Are
04.Breed
05.Lithium
06.Polly
07.Territorial Pissings
08.Drain You
09.Lounge Act
10.Stay Away
11.On A Plain
12.Something in the Way

Nevermind es el álbum más éxitoso de toda la carrera de Nirvana, vendiendo millones de copias y alcanzando primeros lugares de las listas de música, los hizo conocidos por prácticamente todo el mundo y se convertiría en el himno del recambio en el sonido del Rock a principios de los 90, mediáticamente hablando por lo menos.

Esta placa, a mi gusto, reúne dos aspectos fundamentales: la simpleza en términos compositivos y estructurales por un lado; y la genialidad en términos melódicos y, por qué no decirlo, en cuanto al feeling que desprende por otro. Acá nos encontramos con 12 temas hechos a base de puro riff con líneas de bajo distorsionadas y una marcada batería con notables toques de Punk en algunos temas sumado a ello un espectacular trabajo en la mezcla de sonido que hace que todo resulte ordenado y pulido. Sin embargo, mucho de lo bueno del álbum no se encuentra necesariamente en el complemento musical, que posee cosas muy buenas, sino que en las melodías elaboradas con estos elementos y así mismo la actitud que dejan notar tanto con ello como con sus letras, es por eso que creo que este álbum es mucho más efectista que sustancial, pero de todos modos un buen disco.

Temas destacables, podemos encontrar varios, creo que muchos de éstos (si no todos) poseen unas melodías muy pegadizas que hacen que este álbum quede dando vueltas en la cabeza para luego tarararlas debido a lo fáciles que son para seguir. De este modo comenzamos con el himno de este disco: Smells Like Teen Spirit que abre con unos potentes riffs que forman parte esencial del tema, destacando tanto la voz furiosa de Cobain en el coro como el solo de guitarra, sencillo y lleno de feeling; Come As Your Are que abre con esa línea en guitarra y bajo tan memorable y donde destaca principalmente el coro; Breed que posee una línea de bajo que se mantiene prácticamente durante todo el tema y forma base en la que se mueve el resto de los instrumentos, destacando aquí principalmente la melodía de todo el tema; Lithium tema de comienzo algo relajado pero que va aumentando su potencia a medida que se va desarrollando, destaca mucho el coro y esos riffs de base mientras se escucha a Cobain diciendo "I like it I'm not gonna crack", muy genial; Territorial Pissings el tema más rápido y pesado del disco, bastante corto pero con una buena dosis de riffs y los gritos de Cobain en el coro; On a Plain un tema con potentes riffs de principio a fin y un coro muy pegadizo sobretodo por las voces que apoyan las frases; Something in the Way tema mucho más lento y que quiebra con todo el aire del disco con una voz mucho más lenta y apoyados con el sonido de un cello en el coro, pero de todos modos melódicamente pegadiza.

En resúmen, no es una joya ni una obra maestra musicalmente hablando, pero sí creo que es un álbum tremendamente bueno que se aleja de la complejidad, pero que nos ofrece temas entretenidos, con melodías muy bien pensadas y harto feeling principalmente.

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Carmen - Fandangos in Space [1973]

2007-02-02T17:45:00.000-08:00

01.Bulerias
02.Bullfight
03.Stepping Stone
04.Sailor Song
05.Lonely House
06.Por Tarantos
07.Looking Outside
08.Tales of Spain
09.Retirando
10.Fandangos in Space
11.Reprise

Carmen es una de las bandas que descubrí sin tener ningún tipo de referencia ni nada por el estilo, simplemente supe que tocaban Rock Progresivo mezclado con Flamenco, suficiente razón para querer escucharlos, tal mezcla me parecía tremendamente curiosa, hasta que encontré este álbum y sinceramente me llevé tremenda sorpresa.

Fandangos in Space es un disco que se atreve innovando con en la mezcla de dos estilos que hasta cierto punto uno podría pensar que no tienen punto de encuentro, pero gracias a los dotados músicos que forman parte de esta agrupación, tenemos un disco que logra mezclar de forma sublime ambas formas a pesar de las aparentes distancias, un trabajo cuidadísimo en aspectos compositivos e instrumentales que harán el deleite de quien los escuche. Podemos encontrarnos mucho trabajo acústico, sumado a ellos las guitarras eléctricas, castañuelas, un poderoso trabajo vocal y coral muy matizado que es apoyado por una voz femenina que a ratos toma mayor protagonismo, incluso en ciertas partes podemos escuchar zapateos y aplausos, incluso el sonido del mar y gaviotas sumado a ello algunas frases en español lo que le da una cierta atmósfera "española" a los temas.

En la estructura del álbum podemos encontrar que muchas de las líneas melódicas que se utilizan en algunos temas se van repitiendo en otros lo que le da cierto aspecto de continuidad, parece que el disco completo, musicalmente, contara una historia de principio a fin y no cada corte separado de los demás. Además, muchos de los temas no sobrepasan los 5 minutos, algunos sólo llegan a los 2 minutos, por lo que no resulta para nada tedioso, es mas, debido a este formato es que se logra disfrutar el disco de manera íntegra sin detenerse.

Los temas destacables, entre todos, podemos encontrar Bulerías que marca una pauta melódica importante dentro de todo el disco y de notable trabajo musical donde podemos hacernos una idea de cómo es todo el álbum en general; Bullfight donde detaca en general el uso de castañuelas junto al sonido del sintetizador y potentes cambios de ritmo pasando incluso por pasajes acústicos de un momento a otro; Stepping Stone donde destaca notablemente el trabajo vocal en el coro con una melodía muy pegajosa y musicalmente realmente espectacular, Lonely House, un tema algo más lento pero con genial trabajo en las guitarras y en las voces; le sigue Por Tarantos, tema acústico que ejecuta escalas típicas del Flamenco con un virtuosismo increíble que va decreciendo y aumentando en su sonido; Tales of Spain donde el bajo se toma la base melódica que apoya el coro que también es realmente destacable, Reprise Finale que abre con zapateos y cantañuelas para luego tomar la base melódica del primer tema, Bulerías y finalizar con el arpegio con el que comieza Tales of Spain de una forma sublime.

Como habrán leído, este disco me parece excelente en todo aspecto, podría haber hablado de todos los temas, este disco entero me gusta demasiado y se lo recomiendo a todo el mundo, atrévanse a probar este trabajo que no creo que deje indiferente a nadie.

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Gracias a Prog not Frog por el disco.